tag:blogger.com,1999:blog-71351444687330222692024-03-18T22:35:19.810+01:00El blog de Ethan<em><strong><center>Espacio donde se presta especial atención al cine clásico, sin abandonar el moderno ni perder de vista la cartelera.</center></strong></em>ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.comBlogger692125tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-3785157971427021622024-03-10T10:00:00.004+01:002024-03-11T11:49:52.125+01:002 X 1: "FANTASÍA PASAJERA" y "HISTORIA DE LAS HIERBAS FLOTANTES" (Yasujiro Ozu)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Fantasía pasajera </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(Dekigokoro, 1933)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiGoTF0pJbnOqkNs6lkaxdMDnqvfWtjhz7lxhXoXCiUqIdH6U95Qi8jfdJSwRwGSt8zsrOW9JYyk88r4HXbdiJ6SkwWwk0KISu56gDIEXuBCEPi9jTcPDKSUBqsZk-iH1TIbyBG2tOwCMgg-FwOO0C6cF91QVk1cyfkUucv1cNmkjkOOrkhzvKyFc4Cac/s376/fantas%C3%ADa%20pasajera.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="376" data-original-width="286" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiGoTF0pJbnOqkNs6lkaxdMDnqvfWtjhz7lxhXoXCiUqIdH6U95Qi8jfdJSwRwGSt8zsrOW9JYyk88r4HXbdiJ6SkwWwk0KISu56gDIEXuBCEPi9jTcPDKSUBqsZk-iH1TIbyBG2tOwCMgg-FwOO0C6cF91QVk1cyfkUucv1cNmkjkOOrkhzvKyFc4Cac/s320/fantas%C3%ADa%20pasajera.jpg" width="243" /></a>Es
unánime entre los críticos considerar a Yasujiro Ozu como el director más japonés
de los tres grandes realizadores nipones (Ozu, junto a Mizoguchi y Kurosawa),
gracias a que su estilo concuerda con la tradición artística de su país. Un
estilo que se empieza a perfilar a mediados de la década de los treinta cuando
todavía realizaba películas mudas (hay que tener en cuenta que el primer filme
sonoro japonés data de 1935).</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">También
es una opinión generalizada considerar <b><i>He nacido, pero…</i></b> (<i>Umarete
wa mita keredo</i>, 1932) su mejor película de esa época, aunque le siguen muy
de cerca las dos que hoy traemos aquí: <b><i>Fantasía pasajera</i></b> y <b><i>Historia
de las hierbas flotantes</i></b>. En la primera de ellas el niño Tomio (Tomio
Aoki) es muy aplicado en la escuela mientras que su padre, Kihachi (Takeshi
Sakamoto), es un analfabeto y tiene pocas luces. El mundo de este último se
limita a su trabajo en una fábrica, a su amigo y vecino Jiro, bastante más
joven que él, y a Harue, una vagabunda que recoge de las calles de la que ambos
compañeros se enamoran. Mientras tanto, Kihachi no tiene en cuenta el valor de
su hijo hasta que el niño cae enfermo por su culpa... </p>
<p class="MsoNormal">Ozu
vuelve a tratar la relación entre generaciones, uno de sus
temas favoritos, aunque esta vez
con un punto más de seriedad. El director también aborda el asunto de la vejez
cuando la edad es un impedimento a la relación entre Kihachi y Harue. <b><i>Fantasía
pasajera</i></b> es un drama donde los toques de comedia se suceden en el
momento en el que la acción se centra en las discusiones entre padre e hijo
(igual que en <b><i>He nacido, pero…</i></b>).<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVbE3c8E55KjEC4RzibpqSH7_Or2tS83v37bJOISxktOJGMziVLCFaWAvjGphj5dKlobRinPLaFyZhd_A_gzSgMIHoWEt0FcPYDjIvqlMxU4o2uvGTDdQ4aOwJezMBPGc_rAxwbFzeyWos01-TAX8giw11ov5tZsS8a2gnpXGVIus5yJlOlkSjoMjE0UQ/s800/fantas%C3%ADa%20pasajera1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="623" data-original-width="800" height="311" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVbE3c8E55KjEC4RzibpqSH7_Or2tS83v37bJOISxktOJGMziVLCFaWAvjGphj5dKlobRinPLaFyZhd_A_gzSgMIHoWEt0FcPYDjIvqlMxU4o2uvGTDdQ4aOwJezMBPGc_rAxwbFzeyWos01-TAX8giw11ov5tZsS8a2gnpXGVIus5yJlOlkSjoMjE0UQ/w400-h311/fantas%C3%ADa%20pasajera1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">En
cuanto al célebre estilo de Yasujiro Ozu, donde los encuadres estáticos se
sitúan a la altura de un hombre sentado en el suelo, en <b><i>Fantasía pasajera</i></b>
aún no se encuentra del todo definido, pero ya se adivina en buena parte del
metraje. </p>
<p class="MsoNormal">Una
cinta que deja detalles del gran director que fue Ozu comenzando por el simpático
arranque sin palabras ni intertítulos de un teatro donde los espectadores están
más atentos a las cosas que suceden entre ellos que lo que se ve en el
escenario. También el perfecto <i>travelling </i>de ida y vuelta cuando Kihachi
entra y sale de la peluquería es otro fragmento a destacar entre los numerosos
ejemplos de su maestría en una película tan temprana como esta.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><o:p> </o:p> </p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Historia de las hierbas flotantes </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(Ukigasa
monogatari, 1934)</span><span style="font-size: 20pt;"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqqHDWN_BG6XXSJGsZBw7nByQCf10DZY1B5Tnynb9JucO8ZlySQe3u-DW1U0jq8B0gUMHOpneEPslfzCeXtMa2Fd0K-qtYk15VBhLeg51DtZJgCmzzPMyWG3ARolIWgHt4pEw5cGSgTW582zDMqY9wduoexJ9llu23yBT1xlH79CDNylU3AZGkp3whHYs/s1200/historia%20de%20las%20hierbas%20flotantes.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="830" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhqqHDWN_BG6XXSJGsZBw7nByQCf10DZY1B5Tnynb9JucO8ZlySQe3u-DW1U0jq8B0gUMHOpneEPslfzCeXtMa2Fd0K-qtYk15VBhLeg51DtZJgCmzzPMyWG3ARolIWgHt4pEw5cGSgTW582zDMqY9wduoexJ9llu23yBT1xlH79CDNylU3AZGkp3whHYs/s320/historia%20de%20las%20hierbas%20flotantes.jpg" width="221" /></a>Al
año siguiente de rodar <b><i>Fantasía pasajera</i></b>, Yasujiro Ozu se embarca
en una película todavía silente —que volvería a hacer en 1959, sonora y en
color—, titulada <b><i>Historia de las hierbas flotantes</i></b>. Estas
dos, junto a <b><i>He nacido, pero…</i></b> serían premiadas en tres años
consecutivos como el mejor filme japonés. </p>
<p class="MsoNormal">En <b><i>Historia de las hierbas
flotantes</i></b>, Kihachi es ahora el jefe de una pobre compañía de teatro que
acaba de llegar a la ciudad. Entre representaciones fallidas por la lluvia,
Kihachi visita a Otsune (Choko Lida), una antigua amante con la que tiene un hijo
en secreto. Kihachi lo mantiene para darle al adolescente una educación que le
permita no tener que llevar la vida que lleva él como comediante ambulante. De
la historia se entera Otaka, la otra amante del jefe, compañera de trabajo. Otaka,
celosa, emprende un plan de venganza: le da dinero a la más joven de la
compañía para que seduzca al estudiante y luego lo abandone. Un plan que
no saldrá cómo ellas esperaban...<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Para rodar este melodrama, Ozu se
vale de, prácticamente, el mismo equipo técnico que en <b><i>Fantasía pasajera</i></b>:
Tadao Ikeda es de nuevo el guionista que desarrolla la idea de Ozu, y Hideo
Shigehara vuelve a ser el director de fotografía. El realizador también se vale
de una troupe —como la de la ficción, al estilo de John Ford— calcada a la de <b><i>Fantasía
pasajera</i></b>: Mismo actor protagonista, Takeshi Sakamoto (hasta el
personaje que encarna se llama igual: Kihachi), mismo niño antagonista, Tomio
Aoki, en el que de nuevo recae la parte cómica; y misma mujer madura, Choko
Lida. Incluso el futuro actor fetiche de Ozu, Chishu Ryu, de tantas y tantas
películas, tiene un mínimo papel en ambos filmes donde aparece poco más o menos que de extra.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdVxvb-_RtOHqRiVNzmeHNXmoRrn4z6c5x81d8HYzNVjMZBdspSd22pXBzfcBe6AxdwRZfj2Oh_wS09-HGyU9ndhJFtMaZtIpG96Vq7DBYjYdIkmMSIb2E7BC-zJZgLsJGZgNy3_xuwc9H-4TWSm89gpgmx69p7c6h6IpP14O9iAXMIFLnH3Q-_5G-9bs/s688/historia%20de%20las%20hierbas%20flotantes1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="529" data-original-width="688" height="308" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdVxvb-_RtOHqRiVNzmeHNXmoRrn4z6c5x81d8HYzNVjMZBdspSd22pXBzfcBe6AxdwRZfj2Oh_wS09-HGyU9ndhJFtMaZtIpG96Vq7DBYjYdIkmMSIb2E7BC-zJZgLsJGZgNy3_xuwc9H-4TWSm89gpgmx69p7c6h6IpP14O9iAXMIFLnH3Q-_5G-9bs/w400-h308/historia%20de%20las%20hierbas%20flotantes1.jpg" width="400" /></a> </o:p></p>
<p class="MsoNormal">En <b><i>Historia de las hierbas
flotantes</i></b>, ya se puede ver el estilo de Ozu casi en su totalidad: planos de
transición con objetos inanimados y rodaje con la cámara a la altura de un
hombre sentado en el suelo. Para que sea completo, sólo falta el uso continuado del plano contra plano,
con los actores mirando y hablando al objetivo. Claro
que esto último, sin la agilidad del cine sonoro, con los insertos de los intertítulos,
es mucho más complicado. </p>
<p class="MsoNormal">La película es una delicia donde
la lentitud característica de Ozu se ve interrumpida por una tensión en la acción
que va <i>in crescendo</i>, eso sí, siempre salpicada de toques de humor reservados
para las secuencias con Tomio. A la vez, la cinta es un sentido homenaje a los
comediantes y al trabajo como actor ambulante.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/Cenizas-para-blues-sorprendente-desenlace-ebook/dp/B07R1M5JY4/ref=la_B07NL9142D_1_3?s=books&ie=UTF8&qid=1557908569&sr=1-3" target="_blank"><img border="0" data-original-height="114" data-original-width="589" height="76" src="https://4.bp.blogspot.com/-Fssukt_cy6E/XNvVMgytrjI/AAAAAAAACW4/L1hTfEXDurUgJP-J9x3IKL_geMSO5GtGwCLcBGAs/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com20tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-3452757264455053002024-02-25T11:54:00.001+01:002024-02-25T12:13:05.266+01:00EL AUTOREMAKE EN EL CINE. CAPÍTULO III (II)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;">Para escribir
el guion de <i><b>Lady for a Day</b></i>, Riskin
adaptó el relato “Madame La Gimp” de Damon Runyon.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> El argumento de la
película descansa en uno de los temas recurrentes en la filmografía de Capra:
la Cenicienta,<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span>
se puede decir que es la culminación del modelo. La diferencia fundamental de <i><b>Dama por un día</b></i> con el resto de películas
que se inspiran en el famoso cuento es que la protagonista es una mujer de setenta
años: <o:p></o:p></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDhaEYf49jLv8LQ8Rym6tkhiSmxHu9b25hgEVhg3Ap1CuAuMDov8XDSEtfBj336k9iNdAOqai2XYJygso-OYqIeydCfG37pBsUt373d5zuKepbr_T7Q_E8bRFJuVSpIDLC8A79b3e_FBtdLoMW0flXlyicDu3rtIAlS6Uk0xcyRbmPzb-ux3Lbls1fJg4/s500/dama%20por%20un%20dia4.jpg" imageanchor="1" style="font-style: italic; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="381" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhDhaEYf49jLv8LQ8Rym6tkhiSmxHu9b25hgEVhg3Ap1CuAuMDov8XDSEtfBj336k9iNdAOqai2XYJygso-OYqIeydCfG37pBsUt373d5zuKepbr_T7Q_E8bRFJuVSpIDLC8A79b3e_FBtdLoMW0flXlyicDu3rtIAlS6Uk0xcyRbmPzb-ux3Lbls1fJg4/w305-h400/dama%20por%20un%20dia4.jpg" width="305" /></a></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;"><i>“Annie Manzanas”
(May Robson) es una pobre indigente que sobrevive en Nueva York vendiendo fruta
por las calles. La anciana le hace creer a Louise (Jean Parker), su hija
ilegítima que tiene estudiando en Europa, que vive holgadamente y que forma
parte de la nobleza. Cuando Louise le anuncia que está próxima su visita a
Nueva York, Annie se desespera: su hija viene con su prometido, Carlos (Barry
Norton), y con su suegro, el conde Romero (Walter Connolly), ambos deseosos de
conocer a la “distinguida” señora. Del problema de la vieja no es ajeno “Dandi”
(Warren William), un gánster supersticioso que se ha acostumbrado a comprar las
manzanas de Annie antes de llevar a cabo cualquier “negocio”. Temeroso de
perder su suerte, Dandi decide ayudar a la vieja y monta toda una farsa
alrededor de ella. Auxiliado por su novia “Missouri” (Glenda Farrell), la
responsable de la increíble transformación de Annie en una aristócrata, y por
“Happy” (Ned Sparks), su mano derecha, Dandi persigue mantener el engaño el
tiempo que dure la estancia de Louise en Nueva York. Nada será fácil en esta representación
donde todo es tan falso como “El Juez” (Guy Kibbee), un estafador habitual de
los billares, que se ha transformado para la ocasión en el marido de Annie. La
mayor complicación surge cuando Dandi tiene que organizar una velada en honor
del conde español y la joven pareja, una fiesta a la que, en teoría, tiene que
acudir lo más selecto de la ciudad. La movilización de toda la banda de Dandi
para tal evento no le pasa desapercibida a la policía que se teme cualquier
jugada sucia y termina por arrestar al mafioso. Dandi, que tiene secuestrado a
varios periodistas molestos, convence in
extremis, mediante el chantaje, a las principales autoridades de la ciudad
para que asistan a la recepción. Al final, Annie ve cumplido su sueño de casar
a Louise con un noble español y vuelve, feliz, a su vida de siempre.</i></p><o:p></o:p><p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6H6ZUW__BbW6I4Pm0SQi5_SC7gPqVpNFvj1LGIbUO6stOHJDpq-Sp9ilrwnQ99ivJ7IOtfqIo5GzSTL4BLv3wuJgZPzhaIUp0lMoMOQKFwWfmYUv2jkxfRqtINPoYqv2wcGybFapGLGGHbRvUBI9V8UIZqkmcgTja_KkgT3HjpgmRqDbnjK25XZx9Dbc/s676/amargura%20del%20general%20yen.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; font-style: italic; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="676" data-original-width="454" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh6H6ZUW__BbW6I4Pm0SQi5_SC7gPqVpNFvj1LGIbUO6stOHJDpq-Sp9ilrwnQ99ivJ7IOtfqIo5GzSTL4BLv3wuJgZPzhaIUp0lMoMOQKFwWfmYUv2jkxfRqtINPoYqv2wcGybFapGLGGHbRvUBI9V8UIZqkmcgTja_KkgT3HjpgmRqDbnjK25XZx9Dbc/s320/amargura%20del%20general%20yen.jpg" width="215" /></a>La génesis de
esta moderna historia de la Cenicienta, pero también de Pigmalión, hay que
buscarla<span style="text-indent: 18pt;"> en el anterior trabajo de Capra, </span><i style="text-indent: 18pt;"><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2017/06/la-amargura-del-general-yen-bitter-tea.html" target="_blank">La Amargura del General Yen</a></b></i><span style="text-indent: 18pt;">. Una estupenda película de ambiente exótico, que
también trata el tema de la transformación de una mujer, que obtuvo buenas
críticas, pero que fue un fracaso en taquilla debido al espinoso asunto de la
relación interracial. El intento de Capra de emular a Von Sternberg y producir
una cinta más estilizada, digamos más artística, que se saliera del habitual
producto de la Columbia de esos años, le salió mal y le hizo volver a los
largometrajes descriptivos de la realidad americana tan característicos de su
cine. El propio Capra admitió que hizo </span><i style="text-indent: 18pt;"><b>Dama
por un día</b></i><span style="text-indent: 18pt;"> para volver a obtener el favor del público, para no distraer a
la audiencia con una fotografía llena de efectos y un decorado fastuoso.</span><span class="MsoFootnoteReference"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span></span><span style="text-indent: 18pt;"> El director se quedó con
parte de la trama (la transformación antes citada) para trasladarla al bajo
Manhattan. Pasó del exótico palacio del general Yen al decorado realista del
Lower East Side de Nueva York; de la joven Barbara Stanwyck a la anciana de setenta
años a la que da vida May Robson.</span><span class="MsoFootnoteReference"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></span></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;">La actriz era
una experimentada profesional del teatro, pero una completa desconocida en
Hollywood (ver fig. 3.1). El papel lo consiguió cuando sólo restaba una semana
para comenzar el rodaje y, paradójicamente, la poca familiaridad del público
con su rostro finalmente se tornó en ventaja al conseguir dotar de mayor
credibilidad al personaje, cosa que no sucedió en el <i>remake</i>, como veremos más adelante. Su actuación fue merecedora de
la cuarta nominación al Óscar que se llevó la cinta.</p>
<div style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc_Tk1DbeearATLpHcSFX_GC6gm50-gHTY-qJjAkQFvr8cwV7vbjVSgPWt9R-WJKJaS2C576SPUznyVatzFjzo1Ds1YkbBDLLJ3FjCghPxew79O_6OPtLembpMW-2udAXF4O-OzF5y1H-pHXLnyDyx2p77mkPj6PwrEsmRlefbKPmlZWp86gZKQXMN7NE/s897/imagen_2024-02-25_113450241.png" imageanchor="1" style="font-style: italic; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-indent: 24px;"><img border="0" data-original-height="367" data-original-width="897" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjc_Tk1DbeearATLpHcSFX_GC6gm50-gHTY-qJjAkQFvr8cwV7vbjVSgPWt9R-WJKJaS2C576SPUznyVatzFjzo1Ds1YkbBDLLJ3FjCghPxew79O_6OPtLembpMW-2udAXF4O-OzF5y1H-pHXLnyDyx2p77mkPj6PwrEsmRlefbKPmlZWp86gZKQXMN7NE/w400-h164/imagen_2024-02-25_113450241.png" width="400" /></a><span style="text-align: justify; text-indent: 18pt;"> </span></div>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;">Del trabajo de
la actriz, se recuerda el momento de la transformación, cuando Missouri viste
de dama a Annie Manzanas (3.2). También es especialmente emotiva la secuencia
de la recepción gracias a la notable actuación de May Robson que, al borde del
llanto, saluda una a una a todas las autoridades de la ciudad. Pero quizás da
lo mejor de sí misma cuando hace de indigente vendiendo manzanas a
contracorriente de la gente (3.1), cuando se recluye en su chabola, o cuando
exige desesperada en el hotel que le devuelvan la carta de Louise. <o:p></o:p></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;"><i><b>Continuará...</b></i></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18.0pt;"><i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2023/12/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-iii-i.html" target="_blank">Leer el capítulo desde el inicio</a></b></i></p>
<div><!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> Publicado en la revista
“Cosmopolitan” en octubre de 1929, a las puertas de la crisis. La Columbia lo
compró en 1932.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn2">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span><i><b>Mujeres Ligeras</b></i> (<i>Ladies of Leisure</i>, 1930), <i><b>The
Miracle Woman</b></i> (1931), <i><b>La Jaula de Oro</b></i>
(1931) y <i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2017/06/la-amargura-del-general-yen-bitter-tea.html" target="_blank">La amargura del General Yen</a></b></i>
(<i>The Bitter Tea of General Yen</i>, 1933)
tratan el tema de la Cenicienta; en <i><b>Amor
Prohibido</b></i> (<i>Forbidden</i>, 1932)
incluso se nombra explícitamente. Todas, a excepción de <i><b>La Jaula de Oro</b></i>, las interpretó la musa de Capra —y su amor
platónico—, Barbara Stanwyck. <o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn3">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span> Sólo
volvería a lugares exóticos con <i><b>Horizontes
Perdidos</b> </i>(<i>Lost Horizon</i>, 1937),
aunque esta vez con Riskin en el guion y con un resultado excelente de crítica
y público, ganando la película dos Óscar, entre ellos el de mejor dirección
artística.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn4">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10.0pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></span><!--[endif]--></span>
McBride recuerda la advertencia que Capra le hizo a Harry Cohn al respecto:
“¿Te das cuenta de que vas a gastar 300.000 dólares en una película cuya
heroína tiene setenta años de edad? (2011, p.289).<o:p></o:p></p>
</div>
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/Puentes-sombras-suspense-desenlace-inesperado-ebook/dp/B07P1NQFBB/ref=asap_bc?ie=UTF8" target="_blank"><img border="0" data-original-height="114" data-original-width="589" height="76" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglNwvNRiLpn6S11W88UjBtwKzNZNJpAjreYrAxgjf8CuLJJzh5ar9fFOVluW03linGopTItsFkLHNQ0RixMK9Pjf7OJm20SLwDI6_Bs_KBUo0a6_lNxQ2aYUDHcDq6WThyrySh9MOW4fU/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com16tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-19987399062849573942024-02-11T12:42:00.000+01:002024-02-11T12:42:01.705+01:002 X 1: "LA VIDA DE LEONARDO DA VINCI" y "VERDI" (Renato Castellani)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><a name="_Hlk99037013"><b><i><span style="font-size: 20pt;">La vida de Leonardo da Vinci </span></i></b></a><span style="font-size: 20pt;">(La vita di
Leonardo da Vinci, 1971)</span><span style="font-size: 20pt;"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiJE-qYFE1qahoeiLL-l-LJQh-E8SdSdXJ4LZAsrCN-btn054YdNnSo5I2HL6nSjAW2CqgbtmYIKude30aT6WEr0E6jxg3ahdWbi7gt5Qp2NHr5msgjLB5R8Uiyt_bQPeq1Xzl_GpI48v2tuee5sKF3tWn4GC6pv7Av7RS8H1yzvsRuebbXbyuKqJVS9Y/s470/vida%20de%20Leonardo%20da%20Vinci.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="470" data-original-width="329" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiJE-qYFE1qahoeiLL-l-LJQh-E8SdSdXJ4LZAsrCN-btn054YdNnSo5I2HL6nSjAW2CqgbtmYIKude30aT6WEr0E6jxg3ahdWbi7gt5Qp2NHr5msgjLB5R8Uiyt_bQPeq1Xzl_GpI48v2tuee5sKF3tWn4GC6pv7Av7RS8H1yzvsRuebbXbyuKqJVS9Y/s320/vida%20de%20Leonardo%20da%20Vinci.jpg" width="224" /></a>Renato
Castellani, el que fuera uno de los directores sobresalientes de la corriente
denominada «neorrealismo rosa» —por no decir su creador—, con una tetralogía de
comedias que parten de la base del neorrealismo (<b><i>Bajo el sol de Roma</i></b>,
<b><i>Es primavera</i></b>, <b><i>Dos céntimos de esperanza</i></b> y <b><i>Si
tú estuvieras</i></b>), finaliza su carrera con series de televisión históricas
entre las que destacan <b><i>La vida de Leonardo da Vinci</i></b> y <b><i>Verdi</i></b>.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La
primera de ellas consta de cinco capítulos dedicados a la vida y obra de
Leonardo (interpretado por Philippe Leroy) desde su nacimiento en 1452 en
Vinci, cerca de Florencia, hasta su muerte en Francia en 1519. Es una <i>docuserie</i>
con un narrador (Giulio Bosetti) que Castellani lo incluye en la puesta en
escena y lo mezcla con la acción en una alarde <i>brechtiano</i> en el que
incluso interactúa a veces con los personajes.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Castellani
trata de ser lo más verídico posible, utiliza documentos, cartas, archivos y
los famosos tratados de Da Vinci (de anatomía, de botánica, arquitectura, ingeniería,
etc.) para explicar no sólo la obra de Leonardo, sino su curiosidad por todos
los fenómenos de la naturaleza, y también su vida íntima, sus relaciones con
las personas a las que conoció, siempre de una manera rigurosa.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMbvcFu7FUgPlGbxBUGysyU1dL7QG_9uvpLVMgCGLax_3edft4DM9CuDh3SgPLrHnZSCpw-5ko8wam_6hmpNbyrjeNJMs8MWJen05_ebjV5T_9x6W3RMyA87eoBNxWweOcqlToh7HkEGVGxVW8RJqCbOc2PrMz0jKgYGoGcd_3YSXHS9F7zM1QvBljQ1I/s480/vida%20de%20Leonardo%20da%20Vinci1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="360" data-original-width="480" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhMbvcFu7FUgPlGbxBUGysyU1dL7QG_9uvpLVMgCGLax_3edft4DM9CuDh3SgPLrHnZSCpw-5ko8wam_6hmpNbyrjeNJMs8MWJen05_ebjV5T_9x6W3RMyA87eoBNxWweOcqlToh7HkEGVGxVW8RJqCbOc2PrMz0jKgYGoGcd_3YSXHS9F7zM1QvBljQ1I/w400-h300/vida%20de%20Leonardo%20da%20Vinci1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">En
cuanto a la obra, la serie se detiene en algunos hitos de la pintura de
Leonardo para explicar las vicisitudes que acompañaron al genio renacentista a
la hora de llevarlas a cabo. Destacan los episodios y la secuencias relativas a
<i>La Virgen de las Rocas</i>, <i>Santa Ana, La Virgen y el Niño Jesús</i> o,
especialmente, las dedicadas a <i>La última cena</i>, donde el director va más
allá y describe la estructura de la
pintura, la perspectiva, sus personajes y los acontecimientos en la vida de la
obra hasta nuestros días. En este sentido, es curioso como <i>La Gioconda</i> aparece
medio tapada, otras veces descubierta en su caballete, pero siempre acompañando
a Leonardo en sus distintos viajes, aunque nunca se habla de ella de forma
explícita (ya tendrá una miniserie de Castellani más adelante dedicada exclusivamente al célebre cuadro). </p>
<p class="MsoNormal">Castellani
también se interesa por los inventos de Leonardo (el carro de combate, el avión,
etc.), sobre todo los relativos a las soluciones a problemas militares de la época.
Destaca el episodio donde detalla el descubrimiento del submarino y el abandono
del proyecto cuando se da cuenta de lo terrible del invento en manos de
personas sin escrúpulos, como si fuera un adelanto a los problemas con otros ingenios
militares actuales como la bomba atómica. </p>
<p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Verdi </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(1982)</span><span style="font-size: 20pt;"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-6Mpeh69TmqJoso4NhbbFPZkQXeQDDQ15dSlTengUz7jGeiJKo5Xg0xm9LJ9V3l8YY63oR6uvrCgprwq5R_U4l7oxiPYHYepfHcXz4v6lnDTUJroTV9JZi4-sItvokt_aCrj29Q1QhtyZcu6ByZbbZr_QU78u0WJ2tFX5z_eGlNNgLRLASDUwZkSoTrQ/s1023/verdi.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1023" data-original-width="720" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi-6Mpeh69TmqJoso4NhbbFPZkQXeQDDQ15dSlTengUz7jGeiJKo5Xg0xm9LJ9V3l8YY63oR6uvrCgprwq5R_U4l7oxiPYHYepfHcXz4v6lnDTUJroTV9JZi4-sItvokt_aCrj29Q1QhtyZcu6ByZbbZr_QU78u0WJ2tFX5z_eGlNNgLRLASDUwZkSoTrQ/s320/verdi.jpg" width="225" /></a>Diez
años después de realizar <b><i>La vida de Leonardo da Vinci</i></b>, Castellani
se embarca en un proyecto televisivo aún más ambicioso: <b><i>Verdi</i></b>, a
la sazón su última obra. El director aborda la vida del músico italiano
Giuseppe Verdi desde su nacimiento en Busseto, en 1813, hasta su muerte en Milán
en 1901. La serie, excelente, consta de siete capítulos de casi una hora y
media de duración cada uno, que describen de forma muy sentida y respetuosa la
vida del célebre compositor en su querida Busseto y en sus residencias de Milán
y París. </p>
<p class="MsoNormal">La
serie, muy completa, se halla narrada esta vez de una forma más convencional —aunque
salpicada de vez en cuando con guiños al espectador cuando los personajes
interactúan con él, mirando a la cámara o hablando con ella—, con la <i>voice
over</i> de Burt Lancaster que explica con mucho detalle la vida del músico (interpretado
por Ronald Pickup) y las difíciles relaciones con su padre Carlo Verdi (Omero
Antonutti); las más afectivas, dentro de su carácter reservado, con sus dos mujeres:
Margherita Barezzi (Daria Nicolodi) y Giuseppina Strepponi (Carla Fracci); la
de amistad con Muzio (Enzo Cerusico), su alumno y copista; y, sobre todo, la
relación con Antonio Barezzi (Giampiero Albertini), su suegro, protector, benefactor
y, en definitiva, su segundo padre. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">No
obstante, lo más destacado de la serie es la obra de Verdi. Castellani lo sabe
y se para en cada una de las más de veinte óperas que compuso el músico. Algunas
las muestra durante los ensayos, otras en los estrenos, desde bambalinas, desde
las butacas o desde los palcos, algunas se oyen en el momento de la
composición, otras de fondo mientras vemos a Verdi trabajando, etc. De esta
forma la narrativa es variada, nada monótona y se disfruta doblemente, por la
música, pero también por la puesta en escena.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicoNc8CZ_cAYDnVpT9-kNyV8xYm164wZ70G31mxD43oOIJao8c-HxT5CYAaHcNiauvGPa0j_LzAtJ0tD9w75AMLsH_5yV6ORXjZL3E8sMvh60oc8ZRgphrJJKYtHI1jJEHJCWNDJNhA-IeqgBB7yGm2mW2tiXhBKUviDiU1vRccrq6JvcBIeG9HNqEtrg/s663/verdi1.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="511" data-original-width="663" height="309" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEicoNc8CZ_cAYDnVpT9-kNyV8xYm164wZ70G31mxD43oOIJao8c-HxT5CYAaHcNiauvGPa0j_LzAtJ0tD9w75AMLsH_5yV6ORXjZL3E8sMvh60oc8ZRgphrJJKYtHI1jJEHJCWNDJNhA-IeqgBB7yGm2mW2tiXhBKUviDiU1vRccrq6JvcBIeG9HNqEtrg/w400-h309/verdi1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">Claro
que el director conoce la trascendencia de algunas de las obras de Verdi y las
destaca especialmente dedicándoles más tiempo a unas que a otras. Así, desde la
temprana <i>Nabucco</i> hasta las últimas <i>Aida</i>, <i>Otelo</i> y <i>Falstaff</i>,
pasando por la trilogía popular, <i>Rigoletto</i>, <i>El trovador</i> y <i>La
traviata</i>, sobresalen todas por su belleza, pero también por la importancia
musical que supusieron en su día. Una evolución que explica el director cuando
la compara con la obra del coetáneo Wagner. Esa interesante competencia en vida
no lo fue tanto a la hora de sentar las bases de la ópera moderna, ya que los
principios de ambos, revolucionarios en cuanto a la música y a la ópera en
particular, eran los mismos: una creación global, un drama musical en su
conjunto, no un desfile individual de arias y canciones. </p>
<p class="MsoNormal">Al
tiempo que el realizador se ocupa de la obra de Verdi, presenta también la historia
de Italia: de cómo las óperas del músico
tuvieron su importancia en el movimiento del <i>Risorgimento</i>, como estandartes
que llevaron en volandas al pueblo hasta la independencia de la nación. El
propio Verdi fue diputado y senador cuando la unificación italiana ya era un
hecho.</p>
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Serie, por tanto, excelente, se podría decir que es la obra maestra de
Castellani para la televisión. Muy disfrutable cada capítulo para los
aficionados a la ópera, pero también interesante para el resto de espectadores.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/LUGOiFEGsXU?si=pdKXS6QOH5oMKzEW" title="YouTube video player" width="560"></iframe><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://www.amazon.es/dp/B08288SQKX/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="131" data-original-width="781" height="66" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9AV1b9O4Z7KNPUtTtuY5ESuu1xHxCjDN5HvbmlhfSEJV8QHHiCACKYshndp6QV2xkAFGmLAt-BmxVFJ2KdxXftAl1CEWxfYO2K8i725XlpTIKt0DcsTMlSaV3xQRKmh7IFbvZ_MIejHc/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div></div><div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div></div></div>ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com20tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-65577076057386937582024-01-29T11:52:00.001+01:002024-01-29T18:34:36.023+01:00LA ISLA DEL TESORO (Treasure Island de Victor Fleming, 1934) <div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;">Nadie ha contribuido más al imaginario de las aventuras de piratas como Robert Louis Stevenson. Desde que se publicó su célebre novela, las patas de palo, las cicatrices que cruzaban todo el rostro, los loros posados en el hombro, las banderas negras con la calavera al viento y los tesoros enterrados, son las señas de identidad, los tópicos si se quiere, de las historias de piratas. La novela que escribió Stevenson se ha llevado a la gran pantalla en numerosas ocasiones. La versión más célebre es la primera de las adaptaciones sonoras, la producida en 1934 por la todopoderosa Metro Goldwyn Mayer. La trama de la aventura es bien conocida:</div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi15uK3ifDWZzlFRufOb_0kwZA7AXA7Sq5VGVdIE9TrbeenUnruMTsjcg9OFo3iQ4esOtoNtLZ9KWXr6CeSsDHYnR5gTBCeD4kFsRO9g4SRKHD-gzrmz93js5CsqWRzp5k8kBz2FJz6AqehMXke5u8QY1qYKx4XAOd6a44Mb8DrjE3WSY2xCNgCo_NK78g/s288/isladeltesoro1.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="198" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi15uK3ifDWZzlFRufOb_0kwZA7AXA7Sq5VGVdIE9TrbeenUnruMTsjcg9OFo3iQ4esOtoNtLZ9KWXr6CeSsDHYnR5gTBCeD4kFsRO9g4SRKHD-gzrmz93js5CsqWRzp5k8kBz2FJz6AqehMXke5u8QY1qYKx4XAOd6a44Mb8DrjE3WSY2xCNgCo_NK78g/w275-h400/isladeltesoro1.jpg" width="275" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;">Jim Hawkins (Jackie Cooper) encuentra entre las pertenencias del pirata Billy Bones el mapa del tesoro del capitán Flint. Con sus amigos, el doctor Livesey (Otto Kruger) y el caballero Trelawney (Nigel Bruce), Jim se embarca en “La Española” rumbo a la isla donde Flint enterró el botín. Al mando de la nave va el capitán Smollett (Lewis Stone), un rígido oficial que intenta mantener a raya a la poco recomendable tripulación que ha sido reclutada por el cocinero Long John Silver (Wallace Beery). Antes de llegar a la isla, Jim descubre la conspiración de Silver y sus secuaces: son una banda de piratas que quieren hacerse con el tesoro y con la nave...</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">La cinta dirigida por Victor Fleming, un veterano de la MGM, es muy fiel a la novela de Stevenson y sólo se permite un cambio importante en el desenlace cuando el propio Jim es el que suelta a Silver. Con dicho final lo que el director pretendía era resolver la relación de amistad que existía entre el chico y el pirata con una escena de despedida donde afloran los sentimientos. Una relación que lleva el peso de toda la película y que a la postre resulta el principal elemento diferenciador con el resto de versiones. Claro que la cinta de Fleming partía con una ventaja: el público ya era consciente de la complicidad que existía entre Jackie Cooper y Wallace Beery antes de empezar el filme. Ambos habían trabajado juntos en dos películas anteriores: <b><i>El Campeón</i></b> (<i>The Champ</i>, King Vidor, 1931) y <i><b>El arrabal</b></i> (<i>The Bowery</i>, Raoul Walsh, 1933) —y aún colaborarían en una cuarta, <b><i>Sangre de circo</i></b> (<i>O’Sahughnessy’s boy</i>, Richard Boleslawski, 1935)—, historias todas ellas, en especial la primera, culpables de que fluyeran ríos de lágrimas por todas las salas de cine del mundo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgck9gByVBDHHQBTnJMdW4YKjXYbjuqXr5f27OvH9GMYeWtZFA75FA4t8K4Axb9uPhRT8P9t54DXE7KLzTFkNSMfL-l_nK9Ko2so1QnBkTf-zfxoebptXC3YeHDEvRsAMmGBlfX1N7K80RR4kAQobzl6xDB1uEkbD7HMp9XsyLUEChEI7hpJl7UY4H4vwM/s720/isla%20del%20tesoro.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="568" data-original-width="720" height="315" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgck9gByVBDHHQBTnJMdW4YKjXYbjuqXr5f27OvH9GMYeWtZFA75FA4t8K4Axb9uPhRT8P9t54DXE7KLzTFkNSMfL-l_nK9Ko2so1QnBkTf-zfxoebptXC3YeHDEvRsAMmGBlfX1N7K80RR4kAQobzl6xDB1uEkbD7HMp9XsyLUEChEI7hpJl7UY4H4vwM/w400-h315/isla%20del%20tesoro.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Si en <i><b>La isla del tesoro</b></i> la participación de los dos actores protagonistas es importante, también lo es el conseguido ambiente que Fleming sabe darle a la película desde el principio. El prólogo pone las cosas en su sitio cuando hace acto de presencia el viejo Billy Bones (Lionel Barrymore). Una tormenta amenaza al baile bucólico que se celebra en las proximidades del “Almirante Benbow”, la posada donde vive Jim con su madre, y se confirma cuando el pirata entra en el local. Lionel Barrymore, otro activo importante de la Metro, está especialmente inspirado en su papel de Bones y la verdad es que pone los pelos de punta cuando obliga a los parroquianos a entonar la célebre canción que todos recordamos. Precisamente el estribillo "ron, ron, ron, la botella de ron" se convierte a partir de ese momento en el tema central de la pegadiza banda sonora de la película.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Otro de los aciertos de la cinta es rebajar la edad de Jim de los quince años que tenía en la novela a la de Jackie Cooper, bastante más pequeño. Así el filme se desarrolla desde el punto de vista de Jim/Cooper que se cree que todo es un juego y no es consciente del peligro. Jim se comporta como lo que es, un niño, cuando se divierte en la isla con los animales o, en la mayor de las imprudencias, cuando se cree capaz de gobernar el barco para esconderlo de los piratas. Ese espíritu infantil lo retrata muy bien Fleming y se me antoja parte del éxito de la película.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/yf1imj0jXYs?si=8G-tu3MIRq2CaLMW" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span>El post es un extracto corregido para la ocasión del capítulo dedicado a <b><i>La isla del tesoro</i></b></span><span> en mi libro: </span><a href="https://www.fernandodecea.com/products/cine-y-navegacion-los-7-mares-en-70-peliculas/" target="_blank">CINE Y NAVEGACIÓN. Los 7 mares en 70 películas</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="text-align: center;"><a href="https://www.amazon.es/dp/8416750491/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="332" data-original-width="1600" height="82" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyQpWeKUCG9r1P0pfeu5NDBbytPcj2vPCLlY5GDoKGRBsCWFlbCBHctkYiwDHhfHud__Q_c4rlw1H3G-np0VweMeOJZvPMO_8dPsfvNI1m9FtVb6WK3Q0c4mMKpjRh8_SOoFZWY-xh0jE/s400/cine+y+navegacion.jpg" width="400" /></a></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com22tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-47098626648985479062024-01-14T10:30:00.005+01:002024-02-10T11:10:47.438+01:002 X 1: "OYUKI, LA VIRGEN" y "LAS HERMANAS DE GION" (Kenji Mizoguchi)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Oyuki, la virgen </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(Maria no
Oyuki, 1935)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXvXuOKDBAFFZC291jn9_m89wGA_1r0jxSTdHD7sWSbh1-9UGo1zb57_yjhr4NpXLuLR6Y0nIm-JE3noAMtPzeoEBxIpc6syIH4MvjMjg8Si81lft0BgjiSN4G3ASgpSB6cY_Gml3ON6VVESWpKyaVwn-xCZYX90LZg_YfaNsK5CVx8xocz06gJh7vj28/s750/oyuki%20la%20virgen.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="750" data-original-width="500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXvXuOKDBAFFZC291jn9_m89wGA_1r0jxSTdHD7sWSbh1-9UGo1zb57_yjhr4NpXLuLR6Y0nIm-JE3noAMtPzeoEBxIpc6syIH4MvjMjg8Si81lft0BgjiSN4G3ASgpSB6cY_Gml3ON6VVESWpKyaVwn-xCZYX90LZg_YfaNsK5CVx8xocz06gJh7vj28/s320/oyuki%20la%20virgen.jpg" width="213" /></a>Hablar
de Kenji Mizoguchi es hablar de un genio, uno de los grandes directores del
cine japonés y, por extensión, del cine mundial. A mediados de los años treinta,
ya era considerado un maestro, con una trayectoria muy importante en el período
del cine silente (más de cuarenta películas). En plena adaptación al sonoro, dirigió
las dos películas de las que vamos a hablar hoy.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En
<b><i>Oyuki, la virgen</i></b>, en medio de la guerra civil una familia
acomodada huye de la ciudad que está siendo bombardeada por las fuerzas del gobierno.
En la diligencia pública en la que viajan, les acompañan dos geishas, que son
objeto de su desprecio y crítica. Cuando un señor de la guerra secuestra la diligencia
y pide pasar la noche con la más joven de la familia, una de las geishas se
ofrece para ir en su lugar…</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La
película de Mizoguchi es una crítica certera y directa de las clases acomodadas
frente a la generosidad y benevolencia de las protagonistas de la cinta, las dos prostitutas. El filme está basado en el cuento <i>Bola de sebo </i>de Guy de Maupassant, el que
después utilizaría de partida John Ford cuando dirigió <b><i>La diligencia</i></b>
(<i>Stagecoach</i>, 1939); la trama también tiene cierto aire a <b><i>El expreso
de Shanghai</i></b> (<i>Shanghai Express</i>, Josef Von Sternberg, 1932).</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4_Uifhc7E_JE9FwrzObwoapsw-2kWul22LzY4khKE6KqsRWGgP7wycXKoelAVMTad0djfblMWjG9LD38mLecT9X7b7l48qxToF911fjOrGay0LX6QzhjcMSqvmJ_10RIw7DdB-5Q0DD1ahtDs4lc9Qb-2a_EGgrFm7Vcc8zp9R2o1q6u5Z-C36mZb3iY/s1050/oyuki%20la%20virgen1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="972" data-original-width="1050" height="370" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4_Uifhc7E_JE9FwrzObwoapsw-2kWul22LzY4khKE6KqsRWGgP7wycXKoelAVMTad0djfblMWjG9LD38mLecT9X7b7l48qxToF911fjOrGay0LX6QzhjcMSqvmJ_10RIw7DdB-5Q0DD1ahtDs4lc9Qb-2a_EGgrFm7Vcc8zp9R2o1q6u5Z-C36mZb3iY/w400-h370/oyuki%20la%20virgen1.jpg" width="400" /></a> </o:p></p>
<p class="MsoNormal">Mizouguchi
pone el acento en las dos protagonistas, sobre todo en Oyuki, interpretada por
Isuzu Yamada, para realizar uno de sus habituales retratos femeninos. Igual que
su coetáneo Mikio Naruse, pero con más conocimiento de causa —la hermana de
Mizoguchi fue vendida como geisha, y él mismo frecuentó en la infancia los
prostíbulos—, Mizoguchi es un director experto en esa materia, en personajes de
vida difícil como son las prostitutas, rechazados por la sociedad que los ve
como objetos que se pueden comprar y vender. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En
<b><i>Ojuki</i></b>, Mizoguchi se enfrenta a su segunda película sonora y todavía
no ha desarrollado el estilo por el que será conocido mundialmente, el de los barrocos
planos-secuencia, aunque sí deja ver su vocación pictórica —estudió bellas
artes— en los cuidados y preciosistas encuadres y en la puesta en escena.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Las hermanas de Gion </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(Gion no
shimai, 1936)</span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOHyfgerngV04DKd3Ap22EMVtwT4lUEeViz9jtvFNezOhVgabiHnCsKZNB-lUDcQ3cDZbbZldWRvXtA0strkOxh_8dliq4xXJDwGKTw5p1sSh2u7UAwlOpEkj2yeXC49nw_aCwTlPefPS9tBzJvL2EAzciRrTQ9n2lJp-ufMt5-wFRgEFR-L2OVeZXmT0/s1200/hermanas%20de%20gion.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="848" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiOHyfgerngV04DKd3Ap22EMVtwT4lUEeViz9jtvFNezOhVgabiHnCsKZNB-lUDcQ3cDZbbZldWRvXtA0strkOxh_8dliq4xXJDwGKTw5p1sSh2u7UAwlOpEkj2yeXC49nw_aCwTlPefPS9tBzJvL2EAzciRrTQ9n2lJp-ufMt5-wFRgEFR-L2OVeZXmT0/s320/hermanas%20de%20gion.jpg" width="226" /></a>Un
año después de realizar <b><i>Oyuki, la virgen</i></b>, Mizoguchi vuelve a
rodar un melodrama con parte del equipo de <b><i>Oyuki</i></b>, y con una historia
que trata de nuevo sobre dos geishas, que en esta ocasión son hermanas:</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La
mayor, Umekichi, atiende al señor Furusawa, un antiguo cliente del que está
enamorada y que ahora se encuentra arruinado. Umekichi le deja vivir con las dos
hermanas a pesar de las pegas que pone la pequeña Omocha (interpretada, otra
vez, por Isuzu Yamada). Omocha despotrica sobre los hombres, se queja de que las
utilizan como objetos, pero desea que un rico las mantenga. Los tejemanejes de
Omocha para vivir a lo grande y deshacerse de Furusawa se centran en convencer
al señor Jurakudo, un rico comerciante de antigüedades, para que sea el
protector de su hermana. Al mismo tiempo, Omocha rechaza a Kimura, un simple
empleado, al que utiliza para que le consiga un kimono nuevo. Omocha prefiere
al jefe de Kimura, el señor Kudo. La menor de las hermanas llega tan lejos con
sus intrigas que Kimura quiere vengarse de ella…</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">El excelente e intrincado guion
de <b><i>Las hermanas de Gion</i></b> se debe al colaborador de Mizoguchi durante
el resto de su obra: Yoshikata Yoda. El libreto, muy criticado por el régimen militar
japonés que llevó al país a la Segunda Guerra Mundial, adapta la novela del
escritor ruso Aleksandr Kuprin.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt0a4pX8lp0MIZNTg5jfxfo1y9-P4BhHHGiwJc9nvLpKqGmpgP1UEb9qOik-YFiL7ia52arlluFW3xXPIf02U-rwohJtpk_0oDxmsCEJu173VFK8DXossZxyyUp8hqWTmSbSThxpGoIvAso0cxx20DtIRFB0jav2VN2clas7wTADXrydKOLic5qFoi3zQ/s1600/hermanas%20de%20gion1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="1600" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt0a4pX8lp0MIZNTg5jfxfo1y9-P4BhHHGiwJc9nvLpKqGmpgP1UEb9qOik-YFiL7ia52arlluFW3xXPIf02U-rwohJtpk_0oDxmsCEJu173VFK8DXossZxyyUp8hqWTmSbSThxpGoIvAso0cxx20DtIRFB0jav2VN2clas7wTADXrydKOLic5qFoi3zQ/w400-h225/hermanas%20de%20gion1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">Mizoguchi, por momentos, transforma
el guion en una obra de teatro, o en una ópera, cuando aleja la cámara de los personajes
para descubrir el escenario que los envuelve. Aún sigue sin desarrollar el
estilo sintético a base de planos-secuencia, pero elude lo que puede el montaje
para que fluya la narración con los menos artificios posibles.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En <b><i>Las hermanas de Gion</i></b>,
de nuevo Mizoguchi sabe de lo que habla: la hermana mayor del director, con la
que se fue a vivir cuando murió su madre, era una geisha mantenida por un noble.
Gracias a eso, Mizoguchi pudo costearse los estudios de bellas artes en Tokio. Este
filme con toques de comedia, de vodevil, es en realidad un drama que termina
con un mensaje muy claro acerca de la profesión de geisha: «¡por qué tiene que
existir!», exclama una y otra vez Omocha en la secuencia final, acaso la mejor
de la película.</p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/dp/B087D34K62/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="137" data-original-width="779" height="70" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbWS7_pVDzenUjOX0wP2AbVykJVuBnk8iSVsqM5X0M-JUocRMga7MFqdu3jwnq69ZH6EIdSrNU8-rvUc-FdxDRfaDOS4pNW2MWW7YLU3ep74V9Qfst6CpPAyV0XpktxPqRBSMozoIFIP8/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com28tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-36122538352754698632023-12-17T10:24:00.006+01:002024-02-25T11:56:37.843+01:00EL AUTOREMAKE EN EL CINE. CAPÍTULO III (I)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><i>Una vez completados los capítulos correspondientes a <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2014/03/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-iv-i.html" target="_blank">Howard Hawks</a> y <a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2021/04/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-i.html" target="_blank">Raoul Walsh</a> del ensayo "El Autoremake en el Cine", hoy iniciamos en el blog el epígrafe dedicado a otro grande del cine clásico: Frank Capra, al que dedicamos el capítulo III del mismo libro. Espero que os guste:</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p align="center" class="MsoBodyText" style="mso-outline-level: 1; text-align: center;"><b><span lang="EN-GB" style="font-size: 20pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: EN-GB;">III<o:p></o:p></span></b></p>
<p align="center" class="MsoBodyText" style="text-align: center;"><b><span lang="EN-GB" style="font-size: 20pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: EN-GB;"> </span></b></p>
<p align="center" class="MsoBodyText" style="mso-outline-level: 1; text-align: center;"><b><span lang="EN-GB" style="font-size: 20pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: EN-GB;">FRANK CAPRA<o:p></o:p></span></b></p>
<p class="MsoBodyText"><b><i><span lang="EN-GB" style="font-size: 26pt; line-height: 150%; mso-ansi-language: EN-GB;"> </span></i></b></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: normal; margin-left: 233.9pt;"><i><span lang="EN-GB">—<b>That's a
wonderful idea but there's one thing that stands on the way. I got a wife that
is very fussy. She doesn’t like me to go around and marrying people!<o:p></o:p></b></span></i></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: normal; margin-left: 233.9pt;"><i><span lang="EN-GB">Happy</span></i><span lang="EN-GB"> (Ned Sparks) le
responde a <i>Dandy</i> (Warren William) en <i>Lady for a Day </i>(1933).<i><o:p></o:p></i></span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: normal;"><i><span lang="EN-GB"> </span></i></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%;"><i><span lang="EN-GB" style="line-height: 200%; mso-ansi-language: EN-GB; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> </span></i></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%;"><b>3.1. Manzanas
para la Depresión.<o:p></o:p></b></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%;"><span style="line-height: 200%; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">3.1.1. <i>Dama por
un día</i> (<i>Lady for a Day</i> de Frank
Capra, 1933).</span><i> </i></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">De los cinco
directores objeto de nuestro ensayo, quizás sean Howard Hawks y Frank Capra los
más representativos. Si la presencia de ambos en el grupo se justifica por su
pertenencia al cine clásico americano y por haber llevado a la gran pantalla,
en más de una ocasión, viejos éxitos anteriores, lo que les hace destacar por
encima de los otros tres es el hecho de que su cine se caracterice por contar
casi siempre la misma historia. Y esto es especialmente cierto en el caso de
Frank Capra donde no sólo la crítica está de acuerdo con dicha afirmación, sino
que el propio director reconoce que el secreto de sus películas es que “siempre
cuentan su vida, la historia del pobre siciliano que gracias a su trabajo y al
apoyo de su familia y amigos, se convierte en millonario norteamericano, y
además lo hace muy bien” (Frank Capra citado en Torres 2006, p.144). <o:p></o:p></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-align: center; text-indent: 18pt;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfEC9mbQo_hVL2yn6utx-ffLjGjGY6Nx9B_PgK6GWjdeWMlu33j-wpl-ZD-Irg7USmZny21Yz4NCrP-fbvUGcLX3mkf0gRA7dKMQUyPtr1rAmo2jyCydKNIMdJZmVnCrI9yu0C2a7-GgT9gf0c2d6MQ3FjJZxScHHu5LvTX38sfFyhPsQi3EAK1b476XA/s1248/capra1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-indent: 0px;"><img border="0" data-original-height="1190" data-original-width="1248" height="381" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgfEC9mbQo_hVL2yn6utx-ffLjGjGY6Nx9B_PgK6GWjdeWMlu33j-wpl-ZD-Irg7USmZny21Yz4NCrP-fbvUGcLX3mkf0gRA7dKMQUyPtr1rAmo2jyCydKNIMdJZmVnCrI9yu0C2a7-GgT9gf0c2d6MQ3FjJZxScHHu5LvTX38sfFyhPsQi3EAK1b476XA/w400-h381/capra1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Capra nació en Bisaquino (Sicilia), en el seno de una familia pobre y numerosa
que emigró a Estados Unidos cuando Frank tenía cinco años. En Los Ángeles pasó
por diversos oficios, entre ellos el de chico que vende los periódicos, y
conoció a vagabundos y mendigos de los barrios bajos que
más tarde le ayudarían a crear algunos caracteres e, incluso, formarían parte
del reparto de películas como <b><i>Dama por un
día</i></b>. El joven Capra estudiaba mientras trabajaba y consiguió licenciarse en
química. Tras enseñar balística a los soldados en la Primera Guerra Mundial,
logró entrar en el mundo del cine a través de los laboratorios. En los estudios,
pasó de <i>gagman</i> con Hal Roach a
guionista con Mack Sennett y, por fin, a director del gran cómico Harry
Langdon, que, precisamente, conoció su mejor época trabajando con Capra.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> Langdon creyó que el éxito
se debía a su habilidad para la comedia y despidió a Capra para dirigirse a sí
mismo.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span> El actor pagó caro su
error: sin el director que le hizo famoso, sus películas fueron un fracaso y su
progresiva decadencia una realidad. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">La carrera
posterior de Capra está ligada a la Columbia, y viceversa. Los estudios se
crearon en 1918 cuando Harry y Jack Cohn, junto a Joseph Brandt, fundaron la
CBC Film Sales Corporation. Una firma que renunciaba a la exhibición y, por
tanto, comenzó jugando en la segunda división de las productoras de películas.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span> La joven compañía, tras la
renuncia de Brandt, adoptó el nombre de Columbia en 1924 y pasó a ser una empresa
familiar, con los hermanos Cohn dirigiéndola desde Nueva York (Jack) y desde
Hollywood (Harry). Este último era el que realmente llevaba las riendas desde
su puesto de presidente de la compañía. Por Harry Cohn pasaban todas las
decisiones importantes, como la de contratar a Frank Capra en 1928. Una
decisión que, aunque no le garantizaba un contrato duradero al cineasta,<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></span><!--[endif]--></span> sí le dejaba cierta
libertad creativa al encargarle no sólo de la dirección sino también de la
producción de sus proyectos. Pronto, Capra demostró el buen negocio que había
hecho Harry Cohn: comenzaron a salir filmes de calidad y, lo que era más
importante, de bajo coste: “Películas que escribe en dos semanas, que rueda en
dos semanas y que monta en dos semanas” (Torres 2006, p.143).</p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfhmBbxQIJLhR821XL6w7tTkBKuRS2Y-lLHyE6zWYctbz1FnQJWeC_eQ1BWU92ZLiIokUCmixq9jt26aNnspDzyFixiRsX1eC77GUMYUlgXDJeYmzmQBEtchPI4JpYIA3AkR1TWQoXKAR6IYHYU30F2W0eQgOoe8ls-ZSAc9b0z5dNx-Zhbp_6DfM6pJU/s792/Dama%20por%20un%20dia3.jpg" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="792" data-original-width="527" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfhmBbxQIJLhR821XL6w7tTkBKuRS2Y-lLHyE6zWYctbz1FnQJWeC_eQ1BWU92ZLiIokUCmixq9jt26aNnspDzyFixiRsX1eC77GUMYUlgXDJeYmzmQBEtchPI4JpYIA3AkR1TWQoXKAR6IYHYU30F2W0eQgOoe8ls-ZSAc9b0z5dNx-Zhbp_6DfM6pJU/w266-h400/Dama%20por%20un%20dia3.jpg" width="266" /></a><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><b>Dama por un día</b></span></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">, la cinta que nos interesa, llegó después de una veintena de largometrajes
y</span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> significó el punto de inflexión en la carrera del realizador; y en la del estudio</span><span class="MsoFootnoteReference"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 12pt;">[5]</span></span></span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">:
tanto Capra como la Columbia consiguieron su primera nominación al Óscar como
mejor director y mejor película, respectivamente.</span><span class="MsoFootnoteReference"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 12pt;">[6]</span></span></span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> Un
éxito que se debe, en parte, al encuentro de Capra con el que sería su guionista
durante toda la década de los treinta, Robert Riskin, y que se remonta a un par
de años antes cuando el realizador rueda </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>The
Miracle Woman</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> (1931).</span><span class="MsoFootnoteReference"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 12pt;">[7]</span></span></span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> La
colaboración entre ambos realmente comenzó con </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>La Jaula de Oro</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> (</span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">Platinum
Blonde</i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">, 1931) y continuó con </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>La
Locura del Dólar</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> (</span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">American Madness</i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">,
1932) antes de llegar a </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>Dama por un día</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">;
donde, por cierto, Riskin también se apuntó al reconocimiento de Hollywood con
otra nominación al Óscar. Luego vendrían películas tan importantes como </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>Sucedió una noche</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">, </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>El Secreto de Vivir</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">, </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>Horizontes
Perdidos</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">, </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>Vive como quieras</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> o </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><b>Juan Nadie</b></i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">, todas grandes cintas, para
muchos, obras maestras. </span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">El mundo del cine debe al dúo Capra-Riskin, como al
formado por Wilder-Diamond, De
Sica-Zavattini o Berlanga-Azcona, un ramillete de excelentes filmes que
transciende el viejo debate —algo acalorado debido a críticos como Joseph McBride</span><span class="MsoFootnoteReference"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 12pt;">[8]</span></span></span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;">— de
quién era el verdadero “autor” de las películas. Ambos, Capra y Riskin, se
elogiaron mutuamente mientras duró su trabajo en común y se quitaron mérito
cuando se separaron.</span><span class="MsoFootnoteReference"><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-size: 12pt;">[9]</span></span></span><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"> Para
ser objetivos, quizás haya que acudir a las frases que les dedicaron algunos de
sus mejores amigos: “Riskin tenía la facultad de poner las palabras en el papel
de la forma en que Capra quería verlas”, “Cuando dejaron de colaborar se perdió
la chispa” o “Su trabajo no sólo era previo a la filmación sino que continuaba
en el rodaje” (McBride 2011, p.291-297). Una cosa está clara, en la que todos
coinciden, que ambos por separado sólo lograron igualar lo que hicieron juntos
cuando se inspiraban en aquellos viejos éxitos que compartieron entre 1931 y
1941.</span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt; text-indent: 18pt;"><i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2024/02/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-iii-ii.html" target="_blank">Seguir leyendo...</a></b></i></span></p><div><!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span>
Las mejores películas de Langdon, todas
obras maestras del cine cómico mudo, se deben a Frank Capra: <b><i>Un Sportman de Ocasión</i> </b>(<i>Tramp, Tramp, Tramp</i>, 1926), <i><b>El Hombre Cañón</b></i> (<i>The Strong Man</i>, 1926) y <i><b>Sus
primeros pantalones</b></i> (<i>Long Pants</i>,
1927), la dos primeras codirigidas con Harry Edwards y la tercera realizada por
Capra en solitario.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn2">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span> Si
exceptuamos el caso de Harry Langdon, Capra siempre se llevó muy bien con los
actores. Como veremos más tarde, sólo tuvo problemas con ellos al final de su
carrera, en especial con Glenn Ford.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn3">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span> Junto
a United Artists y la Universal, la Columbia formaba parte del grupo de las
tres “minors”, que a diferencia de las cinco “majors” (MGM, Paramount, Warner,
Fox y RKO) no controlaba la exhibición. La ley de 1948, por la que se
desmontaba la estructura monopolista del sistema de producción de los estudios,
benefició a la Columbia. La nueva legislación no sólo no afectó a la compañía,
al no disponer de salas de proyección, sino que le permitió situarse en
igualdad de condiciones con el resto e, incluso, sobrepasar a alguna (RKO). <o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn4">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[4]</span></span><!--[endif]--></span> Ni al
cineasta ni a nadie. De hecho, Capra era un afortunado, al menos fue renovando
con regularidad hasta los años cuarenta, algo que no ocurría con los actores.
La política del estudio era la de no tener bajo contrato a ninguna estrella. Se
dedicaban a pedirlos prestados a otras compañías. Una anécdota curiosa afirma
que Louis B. Mayer llamaba “Siberia” a la Columbia porque solía mandar allí a
los actores de la Metro menos obedientes, como si fuera una especie de castigo.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn5">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[5]</span></span><!--[endif]--></span> <b><i>Dama por un día</i> </b>consiguió doblar el presupuesto en las taquillas.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn6">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[6]</span></span><!--[endif]--></span> El
Óscar a la mejor dirección y a la mejor película se lo llevó <i><b>Cabalgata</b></i> (<i>Cavalcade</i> de Frank Lloyd, 1933). <o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn7">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[7]</span></span><!--[endif]--></span> La
película se basa en la obra de teatro de Riskin, “Bless You Sister”, escrita en
conjunto con John Meehan.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn8">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[8]</span></span><!--[endif]--></span> En su
libro dedicado a Frank Capra, “The Catastrophe of Success”.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn9">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[9]</span></span><!--[endif]--></span> Una
de las anécdotas que McBride incluye en su ensayo, para echar más leña al
fuego, describe cómo Riskin se enfrentó a Capra en una ocasión: el guionista
entró visiblemente enfadado en el despacho del director con 120 páginas en
blanco y se las arrojó a la mesa, después le espetó algo parecido a “¡Aquí lo
tienes, ahora dale el toque ‘Capra’!” (2011, p.291)<o:p></o:p></p>
</div>
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><span style="text-align: justify;"> </span></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/el-autoremake-en-el-cine-obsesion-o-repeticion-/" target="_blank"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm2YbWDzJHR6mD7VeqC-c7xB4apQdGuvGGya9sRe81zGEt002fIcV9FqtzUlJFuxGXj7E2DwrudlFNy-BMlLYxV1wXMfZ8RICCvY10jvlpLdG9IBzhd2SmbC6cQDsVOp5aQpBdnNkS-7k/s1600/banner2.jpg" style="display: block; height: 78px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></a></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/puentes-y-sombras/"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com37tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-664538616885171252023-11-30T19:34:00.002+01:002024-01-29T18:36:06.188+01:00SOBRE TODO DE NOCHE (Víctor Iriarte, 2023)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Ayer asistimos a la última jornada de
un Festival que cumple veinte años con un certamen reducido, sin premios ni competición
(de la ausencia de premios nos acabamos de enterar). La cinta que cerró nuestro
recorrido por el festival fue <b><i>Sobre todo de noche</i></b>, otra película
española de la Sección Oficial, que perdió mucho en comparación con la
maravilla del día anterior, <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2023/11/la-estrella-azul-javier-macipe-2023.html" target="_blank">La estrella azul</a></i></b>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCkzrNr8BhJ1dRMtusNeobzXSAqHRK4hp-Z3CG2SKMbriughtXp_1MXA2ZOzya8Olxq2PZYwiV2OdNxjxs6QA9hUfnXqaJT2UoMSCYP8TmqxUi74an3cQTTq-A-u_FXyyjYsEZ97tqaQSgu4N9GopEn0NwPQWrp5HmhwhXhZT_yLJ7eE1s25TOaLly7Sk/s429/sobre%20todo%20de%20noche.jpg" style="font-size: medium; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="429" data-original-width="300" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCkzrNr8BhJ1dRMtusNeobzXSAqHRK4hp-Z3CG2SKMbriughtXp_1MXA2ZOzya8Olxq2PZYwiV2OdNxjxs6QA9hUfnXqaJT2UoMSCYP8TmqxUi74an3cQTTq-A-u_FXyyjYsEZ97tqaQSgu4N9GopEn0NwPQWrp5HmhwhXhZT_yLJ7eE1s25TOaLly7Sk/w280-h400/sobre%20todo%20de%20noche.jpg" width="280" /></a></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">El debut del director vasco Víctor Iriarte
en el largometraje, más que novedoso nos resulta anticuado casi antes de nacer por
lo que luego comentaremos. Una historia de bebés robados en nuestro país,
en concreto la que afecta a Vera (Lola Dueñas), que busca a su hijo al que
dieron en adopción nada más nacer. Vera quiere conocer al niño y ver dónde y
con quién vive, al tiempo que desea vengarse de los que la engañaron cuando dio
a luz. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Tras una serie de investigaciones, Vera
logra encontrar a su hijo Egoz (Manuel Egozkue) y conocer a Cora (Ana Torrent),
la madre adoptiva. La vida de los tres personajes (casi los únicos del filme)
cambia tras el encuentro. Lo que no se altera son las ganas de Vera por
combatir a los responsables del secuestro de su hijo…<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;"><br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf2kArzzLupJgMxhEHnWCNOglYXyjnotvQdR_4mC6uZp6b17gxOkZ3MlGRB5L7XtNUgtLKTs-G-Oc1Vv6KE74dHwn-HtL15pOv8syLVwlJswtSdcnnbpfaB0qFvaDKsw_XfsLm7N9nXOZvbKewn-6ZmhhPpzh1zmZhaq1eDsxbhNtcMZEIZAyQWGwvNZw/s1800/sobre%20todo%20de%20noche1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1080" data-original-width="1800" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhf2kArzzLupJgMxhEHnWCNOglYXyjnotvQdR_4mC6uZp6b17gxOkZ3MlGRB5L7XtNUgtLKTs-G-Oc1Vv6KE74dHwn-HtL15pOv8syLVwlJswtSdcnnbpfaB0qFvaDKsw_XfsLm7N9nXOZvbKewn-6ZmhhPpzh1zmZhaq1eDsxbhNtcMZEIZAyQWGwvNZw/w400-h240/sobre%20todo%20de%20noche1.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr></tbody></table><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Si la trama de <b><i>Sobre todo de
noche</i></b> es interesante y de cierta actualidad, la forma en la que Iriarte
la lleva a la pantalla es algo decepcionante. La primera parte se ofrece al
espectador de forma críptica al estilo de las películas de Saura-Querejeta —el
propio Iriarte ha sido fundador de la Elías Querejeta Zine Eskola— o a las de
la Escuela de Barcelona en los años sesenta. De hecho, <b><i>Sobre todo de
noche</i></b> tiene cierto tufillo a aquellas cintas que tenían su razón de ser
en cuanto revulsivo de un cine comercial “casposo” y centralista.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">La película de Iriarte muda a un cine
algo más convencional —no mucho— en la segunda mitad del filme, pero llega
demasiado tarde para impedir que la cinta se haya impregnado de una vejez
prematura que afecta tanto al guion como a la puesta en escena. Las interpretaciones de las dos protagonistas, actrices ya veteranas, también acusan el estilo citado con una desdramatización marca de la casa, de aquella casa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">De esta forma tan poco alentadora damos
por cerradas las crónicas y las críticas del XX Festival de Cine Europeo de
Sevilla, con un bagaje no demasiado bueno en cuanto a las películas que hemos
visto y, además, sin un palmarés que llevarnos a la boca. Con la esperanza de que
el año que viene las cosas vayan mejor —y de que estemos aquí para contarlas—
nos despedimos con un fuerte abrazo a todos los lectores que nos han seguido
estos días.<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/FArIDW3FXUw?si=vaFUkOXGRz2iEDcG" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/Cementerio-Babel-conclusi%C3%B3n-sorprendente-recortada-ebook/dp/B07TS3NFPL/ref=asap_bc?ie=UTF8" target="_blank"><img border="0" data-original-height="131" data-original-width="792" height="65" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlVz-pY3yGZX-CBh6FR08cdqhBLs6aFLkEHQtkDsoIoMD7tyfgfpwPdmPDM_OVGlxiqcZjRAf1ii3Vv-odyaetPn8Pkr-f-pNw6X-VRwCelJcA1BsLFmz8s0674Rv5Jj_B4LaMYSCtpsM/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com18tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-56059353021526753252023-11-29T12:06:00.002+01:002024-01-29T18:36:35.388+01:00LA ESTRELLA AZUL (Javier Macipe, 2023)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Penúltima jornada, ayer, en el XX
Festival de Cine Europeo de Sevilla, y hasta ahora la mejor de todas gracias al
visionado de una película maravillosa:<b><i> La estrella azul</i></b> del joven
director Javier Macipe, que acudió a la sala a presentar su largometraje.
Macipe habló del rodaje accidentado de la cinta (nada menos que 10 años de
producción desde que comenzó a escribirse el guion y, claro, con la pandemia por
medio) y se sentó entre el público para ver su obra. Me imagino que salió
contento de la sala dado el larguísimo aplauso que el público de forma unánime le
dedicó al filme.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHG3WyS0MGIsVHDgghbn1m-RDg4tOklioEerXtnyggMRV5HEE3oQ09AcJNvspGQaBLaibtkZ5fKSSaOoEZZNcwixz3Vfi-bDAnjrSDI6ASWuKthaSi38wdqubdQ2510pdD054_ulhJaMMC9cGdJBuO-AIBMLejCsDoMkD8WwWahFFOmqGsQtfS3g2mB88/s429/estrella%20azul.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="429" data-original-width="300" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHG3WyS0MGIsVHDgghbn1m-RDg4tOklioEerXtnyggMRV5HEE3oQ09AcJNvspGQaBLaibtkZ5fKSSaOoEZZNcwixz3Vfi-bDAnjrSDI6ASWuKthaSi38wdqubdQ2510pdD054_ulhJaMMC9cGdJBuO-AIBMLejCsDoMkD8WwWahFFOmqGsQtfS3g2mB88/w280-h400/estrella%20azul.jpg" width="280" /></a></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><b><i><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">La estrella azul </span></i></b><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">narra el viaje que Mauricio Aznar
(Pepe Lorente), personaje real, cantante del grupo de rock aragonés <i>Más Birras</i>,
hizo a Argentina en los años noventa para salir de una depresión e intentar recuperar
de nuevo su vocación. Mauricio iba buscando la casa donde vivió y compuso sus
canciones Atahualpa Yupanqui, pero finalmente se instaló en Santiago del Estero
donde conoció al músico Carlos Carabajal y a toda su familia.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">La cinta trata, por tanto, del viaje
existencial de un músico en crisis que halla su <i>Shangri-La</i> particular en
una ciudad de Argentina y en concreto en el seno de una familia de músicos especializados
en la chacarera (ritmo y danza tradicional argentina). El encuentro entre
Mauricio y Carlos, un viejo músico que acoge al roquero español como si fuera
su hijo o su alumno, es un hito en la vida de Mauricio, que pronto recupera el
ánimo para tocar música.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;"><br /></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsgGhVu8_wWke0lXhjEIaz3qM6SNgD7zshAEw0P3avKvbuHO6JQGkW3UAmlPqFWldg8EgDBbZHnhUyFyDN-9D5AYuhyphenhypheniIpB-IIu7ndDC8N-Cy8SKhmZzVbGLcOisBqAJPo6p9SpADSemTTHUovn5yaTCyWcRdbIuG-I_o-4LN_oyxKwRKajh8mrhaeUcE/s1140/estrella%20azul1.webp" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="759" data-original-width="1140" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgsgGhVu8_wWke0lXhjEIaz3qM6SNgD7zshAEw0P3avKvbuHO6JQGkW3UAmlPqFWldg8EgDBbZHnhUyFyDN-9D5AYuhyphenhypheniIpB-IIu7ndDC8N-Cy8SKhmZzVbGLcOisBqAJPo6p9SpADSemTTHUovn5yaTCyWcRdbIuG-I_o-4LN_oyxKwRKajh8mrhaeUcE/w400-h266/estrella%20azul1.webp" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr></tbody></table><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">La cinta se estructura en tres partes
muy diferenciadas, la primera en Zaragoza, la segunda en Argentina y la tercera
de vuelta a España. En cada una de ellas, pero en especial en la segunda, la película
brilla por todos lados. Hay planos excelentes que ya por sí solos son un
prodigio (el caballo acercándose a saludar, una orquesta en un bar, la imagen metafórica
de Carlos sentado al lado de un viejo árbol, y un largo etcétera), pero además la
música es magnífica y se presenta como una suerte de aprendizaje por parte de
Mauricio.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">En <b><i>La estrella azul</i></b> no
falta el humor, pero tampoco el drama, incluso la tragedia, para una cinta que,
en palabras del director, «no es un <i>biopic</i>, sino un viaje de un músico
que renunció al éxito». De esta excelente película destaca la conclusión
cuando Macipe, entusiasmado con su obra, quiere hacer partícipe al público de
la experiencia de haberla rodado y filma un sorprendente final a lo Fellini en <b><i>Y
la nave va</i></b>. Un final que deja buen sabor de boca como remate de una
película a la que se augura mucho éxito. <o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/dp/B08288SQKX/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="131" data-original-width="781" height="66" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9AV1b9O4Z7KNPUtTtuY5ESuu1xHxCjDN5HvbmlhfSEJV8QHHiCACKYshndp6QV2xkAFGmLAt-BmxVFJ2KdxXftAl1CEWxfYO2K8i725XlpTIKt0DcsTMlSaV3xQRKmh7IFbvZ_MIejHc/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com10tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-46205882421326477212023-11-28T12:22:00.003+01:002024-01-29T18:37:04.940+01:00LAS JAURÍAS (Les meutes de Kamal Lazraq, 2023)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Desde la Sección Oficial del XX
Festival de Cine Europeo de Sevilla ayer pudimos ver <b><i>Las jaurías</i></b>, una coproducción marroquí-francesa-belga y
otros países árabes (Qatar, Arabia Saudí), dirigida por Kamal Lazraq, nacido en
Casablanca, la ciudad en la que se desarrolla el filme.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxCKVwBcFyOg1U_ppSzEaIwl8oX8_hWSSz6NBul8r5KAtP5gKJi-DS7-GbCq0SPhIZ_eysNI4zwBxlm0rGaPd_jAvPXn6V1vnKms7lEY_pPcfl2oW116u-HLVKvGQ8-99Jv0I0M1iuKhZYK5T5jqX9PjomTTXBrhRcHPyMeAM24hwgcV3VOoAFyOCyrvI/s400/jaurias.jpg" style="font-size: medium; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="300" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjxCKVwBcFyOg1U_ppSzEaIwl8oX8_hWSSz6NBul8r5KAtP5gKJi-DS7-GbCq0SPhIZ_eysNI4zwBxlm0rGaPd_jAvPXn6V1vnKms7lEY_pPcfl2oW116u-HLVKvGQ8-99Jv0I0M1iuKhZYK5T5jqX9PjomTTXBrhRcHPyMeAM24hwgcV3VOoAFyOCyrvI/w300-h400/jaurias.jpg" width="300" /></a></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">La película arranca de una manera
bastante desagradable —no soporto las secuencias donde se maltratan animales—, con
una pelea ilegal de perros, una escena que tiene consecuencias: el dueño del can perdedor
contrata a dos personas, padre e hijo (interpretados por Abdellatif Masstouri y
Ayoub Elaid, respectivamente, que hacen dos papeles creíbles) para secuestrar a
uno de los jugadores clandestinos. El problema es que, después de secuestrarlo,
el sujeto muere. A partir de ahí, los dos protagonistas tendrán que recorrer la
ciudad para deshacerse del cadáver…<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Cinta oscura de realismo sucio, con los
tonos cálidos del ambiente nocturno y sórdido de los bajos fondos de Casablanca,
y con cámara inquieta en mano, que se vuelve violenta cuando se desata la
acción. Ese es el entorno en el que se desarrolla esta especie de <i>road movie</i>
dentro de la ciudad. Un largometraje de cine negro, con dos protagonistas
desesperados en una huida hacia delante, incapaces de hacer desaparecer el
cuerpo de un hombre, que parece regresar de los muertos para hacerles la vida
imposible.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwBwqlzABy2__00ih8v04h29J5TsclBG8QJulE8kfO50uEjnx9NDpv-eYv7K_au2quFCbKtYnfVNOZ5dldbFWqR8S-lAXlxFESuG9Y0OOxnupsnTDsy4AeNGKQdvQj01tTpu7cN7ryjy70lOnQN6_xyDJLX9h0ZnBVjunlNB1KOO-rLiwaXy659TqqFP0/s924/jaurias1.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="500" data-original-width="924" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwBwqlzABy2__00ih8v04h29J5TsclBG8QJulE8kfO50uEjnx9NDpv-eYv7K_au2quFCbKtYnfVNOZ5dldbFWqR8S-lAXlxFESuG9Y0OOxnupsnTDsy4AeNGKQdvQj01tTpu7cN7ryjy70lOnQN6_xyDJLX9h0ZnBVjunlNB1KOO-rLiwaXy659TqqFP0/w400-h216/jaurias1.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr></tbody></table><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Película que me recuerda a dos
comedias de humor negro, aquella de Ted Kotcheff, <b><i>Este muerto está muy
vivo</i></b> (1989), y a esa otra —mucho mejor— de Claude Autant-Lara, <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2008/08/la-travesa-de-pars-la-traverse-de-paris.html" target="_blank">La travesía de París</a></i></b> (1956), donde Jean Gabin y Bourvil atravesaban la
capital francesa ocupada por los nazis, no con un cadáver, sino con un cargamento de carne fresca de
contrabando. Tanto una como otra tenían como misión arrancar las carcajadas del
público, cosa que dudamos sea el objeto de <b><i>Las jaurías</i></b>.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Si bien la cinta de Lazraq puede que
en algún momento muy concreto provoque la sonrisa del público, enseguida pasa a
su lado más oscuro, al de la tensión. Una cinta que nos dice que las jaurías del
título no se refieren precisamente a los perros, sino a sus dueños. Algo que ya
intuíamos cuando el ser humano es el peor animal que existe en la Tierra.<o:p></o:p></span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/o2fQ1LXag3A?si=oKfMU5aGboyP8pBQ" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://www.amazon.es/dp/B08JCYP6NT/" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;" target="_blank"><img border="0" data-original-height="138" data-original-width="763" height="73" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7vwPYtrT1GG54mXEdVsOfBbq2_aY2VZpDd8wOLNxSkjv7LI517GfD9nwRfN_jp4hqxaeaGrAwbUOuyZVA_uJTpdWufAIY5-9G2UwXUFjcFp45HcSa1xcSV_FPhxmaeWxOg7H9iEdoAWQ/w400-h73/banner.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: center;"><br /></div></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-87040223657723970982023-11-27T11:59:00.003+01:002024-01-29T18:37:34.147+01:00LA TEORÍA UNIVERSAL (Die theorie von allem de Timm Kröger, 2023)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Tercer día en el XX Festival de Cine
Europeo de Sevilla y ya estamos en el ecuador del certamen. Ayer asistimos a
dos películas alemanas: la primera de ellas, dentro de la Sección EFA, <b><i>El
cielo rojo</i></b>, se encuentra dirigida por Christian Petzold, tiene un título
muy a Eric Rohmer, y un estilo también parecido al del cineasta francés ya
fallecido. Una historia simple a cuatro bandas (cuatro jóvenes en una casa en
el bosque) aunque centrada en uno de ellos que quiere escribir una novela.
Pequeñas sorpresas, una metáfora (el bosque se quema y refleja los sentimientos
de unos y otros, pero también el fuego purifica y sale a relucir el amor) y
pocas cosas más son las que se pueden extraer de esta cinta que, no obstante, viene
con el beneplácito de la Berlinale donde ganó los premios más importantes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXj2PAqseshj7u5HFFxQwSQGf7L18evsgepxa2N79MX_Rw5zyDtwhLsTqITXnFskgjbIJoZcXB2yHyb1S4kSz-C3IBzaSkxqgE0e-NC08wfvblup_tVZSMHS-7KXj0sMII3ZvztM8MfEtjDJthGy961f7-AhL9KzQ3408pX0_LeOAguMvCpf3tlcLrG9k/s1046/teor%C3%ADa%20universal.jpg" style="font-size: medium; font-style: italic; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1046" data-original-width="698" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgXj2PAqseshj7u5HFFxQwSQGf7L18evsgepxa2N79MX_Rw5zyDtwhLsTqITXnFskgjbIJoZcXB2yHyb1S4kSz-C3IBzaSkxqgE0e-NC08wfvblup_tVZSMHS-7KXj0sMII3ZvztM8MfEtjDJthGy961f7-AhL9KzQ3408pX0_LeOAguMvCpf3tlcLrG9k/w268-h400/teor%C3%ADa%20universal.jpg" width="268" /></a></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Después de <b><i>El cielo rojo</i></b>
asistimos dentro de la Sección Oficial a la proyección de una película también alemana: <b><i>La teoría universal</i></b>. Realizado
por Timm Kröger, el filme narra el viaje que el joven Johannes Leinert (Jan Bülow)
hace a Suiza para asistir a un congreso de mecánica cuántica junto al profesor
que le está dirigiendo la tesis. <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">El alumno defiende una teoría basada
en el multiverso, pero el profesor no la admite. Cuando aparece Karin (Olivia
Ross), una pianista de jazz, todo se vuelve del revés y comienzan a suceder
cosas extrañas: Karin sabe cosas de la vida de Johaness que es imposible que
sepa; uno de los asistentes al congreso muere, pero Johaness lo vuelve a ver vivo;
se descubre un túnel con extrañas propiedades… <o:p></o:p></span></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4_xvZMhjk3ct4ZF5lV2tgXJmGx41E8Z78Rcto_mVvGM3AIdFD9c9WqTqMCuDU_N7dpgsRVrlyZkQgnqR5TBEYdiN3fPhQQTJ0GPtYibf_629jFATLDwQwcSLVDacdf4q7M-1Gj0Ma0KAX0i9wjC1c2-mzPZatzjnBJ3kOtGlvV_I3GrP5LQWU5w0N6OM/s1772/teor%C3%ADa%20universal1.jpg" style="font-size: medium; font-style: italic; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1181" data-original-width="1772" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg4_xvZMhjk3ct4ZF5lV2tgXJmGx41E8Z78Rcto_mVvGM3AIdFD9c9WqTqMCuDU_N7dpgsRVrlyZkQgnqR5TBEYdiN3fPhQQTJ0GPtYibf_629jFATLDwQwcSLVDacdf4q7M-1Gj0Ma0KAX0i9wjC1c2-mzPZatzjnBJ3kOtGlvV_I3GrP5LQWU5w0N6OM/w400-h266/teor%C3%ADa%20universal1.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr></tbody></table><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; text-align: center;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;"></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">La película, rodada en blanco y
negro, tiene un sabor a cine clásico que permite disfrutar a los cinéfilos sólo
por las imágenes y el ambiente que rodea a la trama. Un entorno de suspense a
la vieja usanza, con el mejor estilo expresionista alemán, envuelto en una
música invasiva que recuerda mucho a Bernard Herrmann y, por tanto, nos remite
a Alfred Hitchcock.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 150%;">Pero es un espejismo. Si la forma es
muy disfrutable, el fondo no acompaña del todo. La película se queda lejos de
ser una cinta redonda cuando el suspense da paso al misterio, y cuando el
misterio se queda en eso: en misterio que alimenta una cinta fantástica más de ciencia
ficción. Una pena porque el realizador (con estudios y experiencia de director
de fotografía) pone todo el empeño en darle al largometraje un envoltorio muy
atractivo, pero el guion (también escrito por Kröger) no acompaña y el
resultado no es todo lo óptimo que debería. </span></p><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/MYqJfO4kKLA?si=fOL_hklCEUQ-KI-L" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><i><br /></i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/puentes-y-sombras/"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/dp/B0B5HK6JDP/" target="_blank"><img border="0" height="71" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW8pm230-Y8KwQzMregAYigIBpkTFtXOlSTihm6R3sIyCz2Ka_0_myPjF1eiz9inM7vA17P0xmGZ1c60eFeNLnqpEVHk2x08eGjasCyygIXS8ZHLAId-HQ9-3bGIp8TFAGS0BL5Sa1t4w/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-71112482444839302022023-11-26T12:51:00.003+01:002024-01-29T18:38:05.343+01:00SALA DE PROFESORES (Das Lehrerzimmer de Ilker Çatak, 2023)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;">Volvemos de nuevo a la Sección EFA (European Film Academy)
del XX Festival de Cine Europeo de Sevilla, donde se agrupan las películas
seleccionadas para los premios anuales europeos, una sección donde solemos
encontrarnos a gusto. A pesar de la decepción que supuso <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2023/11/slow-marija-kavtaradze-2023.html" target="_blank">Slow</a></i></b>, de
la que dimos cuenta la pasada jornada, las expectativas sobre <b><i>Sala de
profesores</i></b> eran buenas y tenemos que decir que no nos ha defraudado.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis1dRcZNIBeYzVorkP03d2Nsx2vLGPhfESc-CnPucHdPTgf0miTv4DVq-tB4FM_QyVPQGPwtvP7B4GWVTgstSNehjCMUy-Qiu3TgWtN7cgCEFIPKKMEaCU_0jm5VX7Tc2Rn2mYcy50b6ZKf0IAGVuBF-2SXIEu8yfRPDhBcOVa6Zye3SFRiK0HxjUcH7U/s1133/sala%20de%20profesores.jpg" style="font-size: medium; margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1133" data-original-width="800" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEis1dRcZNIBeYzVorkP03d2Nsx2vLGPhfESc-CnPucHdPTgf0miTv4DVq-tB4FM_QyVPQGPwtvP7B4GWVTgstSNehjCMUy-Qiu3TgWtN7cgCEFIPKKMEaCU_0jm5VX7Tc2Rn2mYcy50b6ZKf0IAGVuBF-2SXIEu8yfRPDhBcOVa6Zye3SFRiK0HxjUcH7U/w283-h400/sala%20de%20profesores.jpg" width="283" /></a></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;">La película dirigida por el realizador alemán, hijo de
inmigrantes turcos, Ilker Çatak, es una vuelta de tuerca más acerca del mundo
escolar, casi un género que ha dado muy buenas cintas a lo largo de la historia
del cine, generalmente de mucha calidad. <b><i>Sala de profesores</i></b> mantiene
esa calidad media casi desde el comienzo: <o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;">La nueva profesora de matemáticas y educación física, Carla
Nowak (muy bien interpretada por Leonie Benesch, que lleva el peso de todo el
filme), ejerce sus labores con inteligencia y originalidad hasta que una serie
de robos interrumpe el normal transcurso de las clases. Carla no está de acuerdo
a cómo se está llevando a cabo las acciones desde la jefatura del centro y
decide investigar por su cuenta. Pronto descubre indicios que apuntan a una
persona en concreto como autora de los hurtos. El problema es que los medios
que Carla ha utilizado para investigar están provocando consecuencias que terminan
por escapar de su control.<o:p></o:p></span></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhORtLCtMnFenxtCoTnOBwGKwBkuqGCwsBMXaqDFeQw9Kc4XFA0N2GC-45NHCj8cFEJnfrPZ9pEFdxB860RW0uLpzamnFuPRakdUx6dWJIw3N2NsrBbObWqa5lbSOQAwnOaaxJQ3H1mEf3aw5UvL7gZZH8Z5s_qTIfJvZDp3kjPfPDAPv_v2eVUBAu0dY8/s2000/sala%20de%20profesores1.jpg" style="font-size: medium; margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1500" data-original-width="2000" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhORtLCtMnFenxtCoTnOBwGKwBkuqGCwsBMXaqDFeQw9Kc4XFA0N2GC-45NHCj8cFEJnfrPZ9pEFdxB860RW0uLpzamnFuPRakdUx6dWJIw3N2NsrBbObWqa5lbSOQAwnOaaxJQ3H1mEf3aw5UvL7gZZH8Z5s_qTIfJvZDp3kjPfPDAPv_v2eVUBAu0dY8/w400-h300/sala%20de%20profesores1.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr></tbody></table><p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;"></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;">La cinta comienza con cierto suspense, pero se desarrolla
como un conflicto entre profesora y alumno —nada nuevo por otro lado en este
tipo de películas, véase <b><i>Rebelión en las aulas</i></b> o <b><i>Semilla de
maldad</i></b>, por citar sólo dos ejemplos— donde la tensión aumenta con el metraje.
Çatak, para generar ansiedad en la docente, utiliza todos los recursos que el
cine proporciona: comenzando por el formato estrecho de la cinta —nada de
grandes panorámicas— y continuando con la música, el montaje, la profundidad de
campo, y hasta el foco, cuando alterna el protagonismo de una escena en
concreto entre dos o más personajes.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-size: 12pt; line-height: 107%;">Carla no sólo se ve asediada por los alumnos, también por sus
compañeros —que ella sea en realidad polaca no me parece nada gratuito. Con
el estrés <i>in crescendo</i> llegamos a un final abierto, que no soluciona el
conflicto, pero que con un excelente plano nombra a la persona ganadora de la
batalla (¿o no?). Película, pues, interesante, candidata alemana al Óscar a la
mejor película de habla no inglesa, con un par de premios en la Berlinale y, aquí, en el festival, en condiciones normales sería aspirante al
premio del público.<o:p></o:p></span></p><p class="MsoNormal"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/6J54Um6MpNU?si=Erhpi46OGBCTl69C" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/HABITACI%C3%93N-thriller-suspense-inesperado-recortada-ebook/dp/B07Y2B7N5L/ref=asap_bc?ie=UTF8" target="_blank"><img border="0" data-original-height="133" data-original-width="794" height="66" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrwHrRpoABxQObZQMc5MLguZNHSAc3EW3_1F1hvYKsA6hieQD7UDPO-sq4ErAdVNj4XSLAOn8xBJIiYx_W85dW3Q3HzrE_1i5u1eHq_9jNMCvCJUu1aFF2vQJPckPXKu72vBovakSBujk/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-4313952856826337442023-11-25T11:20:00.003+01:002024-01-29T18:38:29.889+01:00SLOW (Marija Kavtaradze, 2023)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;"><span style="line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Arranca
el festival más corto desde hace años del certamen sobre cine europeo de
Sevilla, y lo hace con malas noticias pues hemos tenido que renunciar nada menos
que a cinco películas que ansiábamos ver. El retraso en conceder las
acreditaciones y las pocas sesiones por película han conducido a que no haya
entradas en casi ninguna de las cintas que a priori se estimaban las más interesantes.
Nunca antes no había sucedido tal cosa.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;"><span style="line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> </span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlpjirX0vvBYep27Goci_vYBsutm2hUqQEPd2i_uXsVK203c0ubCWhiF_Au5VNdqQbr_v117OlIU7AFfRNlMdWNwadBFBFdrrsRbZn9zPu_A37I6eAJ9SSwPz7liOQ3EQoiVKzJxtIkaDbSpnAQEh5-DSNSa-X0DrQokJK-F9zzFVhgcasd6VxF6PLyMQ/s1200/slow.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="848" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlpjirX0vvBYep27Goci_vYBsutm2hUqQEPd2i_uXsVK203c0ubCWhiF_Au5VNdqQbr_v117OlIU7AFfRNlMdWNwadBFBFdrrsRbZn9zPu_A37I6eAJ9SSwPz7liOQ3EQoiVKzJxtIkaDbSpnAQEh5-DSNSa-X0DrQokJK-F9zzFVhgcasd6VxF6PLyMQ/w283-h400/slow.jpg" width="283" /></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;"><span style="line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">A pesar de todo, hemos podido asistir al estreno de <b><i>Slow</i></b>, película que se presenta al
premio del público, dentro de la Sección EFA, o selección de películas
nominadas a los premios de la Academia de Cine Europea. Es el segundo
largometraje dirigido por la realizadora lituana Marija Kavtaradze, que viene
con el premio de mejor director en el festival de cine independiente de
Sundance bajo el brazo. Desde luego, es una cinta independiente, rodada casi
artesanalmente, y en época de pandemia si atendemos a varias de las secuencias.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">La
trama de la película es original: Elena (Greta Grineviciute) es una profesora
de danza, que enseña a un grupo de discapacitados. En el trabajo conoce a
Dovydas (Kestutis Cicenas), un traductor de lenguaje de señas para sordos. Pronto
entre ellos surge una amistad que tiende a ser algo más que romántica. Cuando
Dovydas le confiesa a Elena que es asexual, que no siente ni nunca ha sentido
deseo sexual por otra persona, su relación comienza a hacer aguas.</p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm; text-align: center;"><span style="line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;"> </span><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd8jUV_TRKbDNVPJ-Z17uP33MP2FNWEj_tZew2EfROY-rHk4C-EPqeLGhlO5u-JpG4NATBUI45za76zTWC9Jy6IS8dnkDnuWJ45YmCYryI-AlzYL3PkwTgHaORTE1u59NnRcFPWTqRez2hTw-dRlukZffqOi4zwT9EGSCdi7FYkM2uk9QrRoUEowi8QCk/s1920/slow1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1038" data-original-width="1920" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgd8jUV_TRKbDNVPJ-Z17uP33MP2FNWEj_tZew2EfROY-rHk4C-EPqeLGhlO5u-JpG4NATBUI45za76zTWC9Jy6IS8dnkDnuWJ45YmCYryI-AlzYL3PkwTgHaORTE1u59NnRcFPWTqRez2hTw-dRlukZffqOi4zwT9EGSCdi7FYkM2uk9QrRoUEowi8QCk/w400-h216/slow1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;"><span style="line-height: 150%; mso-bidi-font-family: "Times New Roman"; mso-bidi-font-size: 12.0pt;">Se
agradece la intención de la directora al proponer este argumento insólito,
también el clima de realismo, al que sin duda ayuda la interpretación de los
actores —que no tienen por qué ser modelos, como sucede en la mayoría de las
películas que vienen de Hollywood—. Además la cinta se desarrolla por buenos
cauces cuando la vida laboral de ambos protagonistas es una metáfora de lo que les
sucede en la intimidad: Así, la frustración de la relación se deja ver a través
de la forma violenta en la que baila Elena. Mientras que el hecho de que
Dovydas sea intérprete para sordos, que viva en un ambiente de silencio (su
hermano es sordomudo y la familia habla por señas, eso sin tener en cuenta el
entorno laboral), es una limitación que se asemeja a la que sufre en su relación con Elena.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;">Lástima
que una vez que estos buenos elementos se han presentado a la audiencia, una
vez que se han desarrollado y se han repetido un par de veces, el filme se
queda sin tener nada más que decir. El final abierto tampoco aporta nada nuevo
a una cinta que se vuelve ciertamente decepcionante cuando da la impresión de
que sobran al menos tres cuartos de hora de película.</p><p class="MsoNormal" style="line-height: 150%; margin-bottom: 0cm;"> </p><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/AGcvsfV2s3M?si=sCsZXiWDDuxMtMel" title="YouTube video player" width="560"></iframe><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/Cenizas-para-blues-sorprendente-desenlace-ebook/dp/B07R1M5JY4/ref=la_B07NL9142D_1_3?s=books&ie=UTF8&qid=1557908569&sr=1-3" target="_blank"><img border="0" data-original-height="114" data-original-width="589" height="76" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiURM7vmMHA95zJiI_yFvJcUGNFQNlmHsU08QjxphBAuhV9AFTniSpxLQmFTJgUHFeRkwpsbi-5uQm82hT96o6cIWoneJmye06TRDDFrnYTS7Mneq_Xc7PNcd8TWDKf9SXwu9gLe0PLDOM/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-12103757381410492232023-11-17T13:42:00.007+01:002024-01-29T18:38:55.343+01:00XX FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2023<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;">Este
año, tras la amenaza de cancelación o suspensión del festival de cine sevillano
por coincidir con la gala de los Grammy Latinos, el certamen ha sufrido un
retraso desde las primeras semanas de noviembre hasta las últimas del mismo
mes. También se han acortado sensiblemente las fechas, pasando de los nueve
días habituales a los seis de este año.<o:p></o:p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx9fOiP3m_EfPFmCSXR-aPRNdY4reColBcL-NHntjb1jO0sFkLPSmQ4zT5sjGCpmK9etU0yo8-ytirT9MvdB1lJH44xuzI4u3lIyK9eBmxxTajTZPuUlMryEiU8C2lNKzAjjoEauWv3HSQ4htLithgNn41ZGWD3Y4ps0iWkqwgWXI3JYBjL8kijgoZZfE/s1378/20seff.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1378" data-original-width="980" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx9fOiP3m_EfPFmCSXR-aPRNdY4reColBcL-NHntjb1jO0sFkLPSmQ4zT5sjGCpmK9etU0yo8-ytirT9MvdB1lJH44xuzI4u3lIyK9eBmxxTajTZPuUlMryEiU8C2lNKzAjjoEauWv3HSQ4htLithgNn41ZGWD3Y4ps0iWkqwgWXI3JYBjL8kijgoZZfE/w285-h400/20seff.jpg" width="285" /></a></div><br /><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><br /></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;">Las
consecuencias del retraso —y del recorte— son: la casi ausencia de pases
matinales, lo que complica la visión de todas las películas que uno quisiera; a
día de hoy el no tener listo todavía el libreto con la programación física
perjudica la elección de las películas por parte del espectador; el retraso
también ha incidido en los estrenos de las películas, cuando algunas de las
programadas ya han pasado por las carteleras antes que por el festival, cuando
solía ser al contrario, etcétera.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="float: right; margin-left: 1em; text-align: right;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKVDbfdWuuVG5jvdUVAHU7062ARaERwqYZJufUVqwRSO98mkZtgyyTCDxqGMBm4SZ7tbzKemvMv9e9yjpzJ1X0WjLuQ-yhNfdSftRyia5ilgqf3s8O1Ev2nhX2HJDPRSVHZcNEhxpUpTGgDwuWsTWZe-6oaU0Xr04ETeXTGl4x96nmaSdsdpFL1HJHxYQ/s1786/wim%20wemders.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1786" data-original-width="1224" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKVDbfdWuuVG5jvdUVAHU7062ARaERwqYZJufUVqwRSO98mkZtgyyTCDxqGMBm4SZ7tbzKemvMv9e9yjpzJ1X0WjLuQ-yhNfdSftRyia5ilgqf3s8O1Ev2nhX2HJDPRSVHZcNEhxpUpTGgDwuWsTWZe-6oaU0Xr04ETeXTGl4x96nmaSdsdpFL1HJHxYQ/s320/wim%20wemders.jpg" width="219" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Wim Wenders</td></tr></tbody></table>A
pesar de todos estos inconvenientes, los organizadores prometen unos intensos
días del mejor cine europeo, concentrados del 24 al 29 de noviembre, con la
mayoría de las secciones habituales: En la <i>Sección Oficial</i>, destacan estrenos de cineastas
tan conocidos como el vietnamita Tran Anh Hung (recordamos <b><i>El olor de la
papaya verde</i></b> o <b><i>Triciclo</i></b>); Jessica Hausner, conocedora del
certamen —aún tenemos muy cercano su largometraje <b><i><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2019/11/little-joe-jessica-hausner-2019.html" target="_blank">Little Joe</a></i></b>
(2019) y, sobre todo, <b><i><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2010/08/cine-en-dvd-lourdes-jessica-hausner.html" target="_blank">Lourdes</a></i></b>, con el que gano el festival diez
años antes—; el realizador francés Michel Gondry, oscarizado por el guion de aquella
excelente <b><i>¡Olvídate de mí!</i></b>; Matteo Garrone, otro que ha pasado
varias veces por el festival (<b><i><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2012/11/reality-mateo-garrone-2012.html" target="_blank">Reality</a></i></b>, <b><i><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2008/11/gomorra-mateo-garrone-2008.html" target="_blank">Gomorra</a></i></b>); y,
en fin, Wim Wenders, que presenta el documental <b><i>Anselm</i></b>.<p></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><span>Del
resto de secciones, destacamos, como viene siendo habitual, la sección de los
filmes seleccionados para los premios anuales de la </span><i>EFA</i><span> (European Film
Academy). Una sección que generalmente acumula películas más que interesantes.
De este bloque de largometrajes, hay que subrayar, para no perdérselo, el nuevo
proyecto del gran Aki Kaurismaki: </span><b><i>Fallen Leaves</i></b><span>, aunque cualquiera
de las de la <i>Selección EFA</i>, que compiten por el premio del público, sería una buena opción a la
hora de elegir los largometrajes a visionar.</span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><span><br /></span></p><table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjChywKoWQZEWSrto1vr3_81YbLd3V3tFrvQ68gZB7ZFEkNGkhFVDc2aZkcL-NzMVNaDxC-FT56cMxYLF1BVJG4wdjmXoeNwfJx3w2OXIwgGmSbDW2SW7hghiH3-il9sLl2MBK_1l_Z9hfCggpjWA9o8OGrZjgbyRrPJkvlfxYhAhphC8bSrCVTC7FXNqA/s980/fallen%20leaves.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="654" data-original-width="980" height="268" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjChywKoWQZEWSrto1vr3_81YbLd3V3tFrvQ68gZB7ZFEkNGkhFVDc2aZkcL-NzMVNaDxC-FT56cMxYLF1BVJG4wdjmXoeNwfJx3w2OXIwgGmSbDW2SW7hghiH3-il9sLl2MBK_1l_Z9hfCggpjWA9o8OGrZjgbyRrPJkvlfxYhAhphC8bSrCVTC7FXNqA/w400-h268/fallen%20leaves.jpg" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Fotograma de "Fallen Leaves"</td></tr></tbody></table><br /><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto; text-align: center;"><span></span></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;">Siguen
otras secciones siempre interesantes como <i>Las nuevas olas</i>, con los
directores más jóvenes, que vienen empujando con sus creaciones; <i>Panorama
andaluz</i>, con obras de la tierra; <i>Cine en familia</i>; y, entre otras, retrospectivas
tan atrayentes como la que homenajea a Víctor Erice (incluyendo su última
cinta: <b><i>Cerrar los ojos</i></b>), o aquella que restaura algunos clásicos
mudos españoles. Claro que no se puede estar a todo.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="line-height: 18pt; margin-bottom: 0cm; mso-margin-top-alt: auto;">Con
la intención de acertar a la hora de elegir las películas, daremos cuenta
en este portal de lo que da de sí el festival “recortado”, que,
paradójicamente, celebra su vigésimo aniversario. Nosotros lo celebraremos a
nuestra manera: con reseñas de las cintas a las que hemos podido asistir.</p><p class="MsoNormal" style="line-height: 24px; margin-bottom: 0cm;"><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/search/label/seff23" target="_blank"><b>LEER CRÓNICA Y RESEÑAS DE LAS PELÍCULAS DEL FESTIVAL</b></a></p><p class="MsoNormal" style="line-height: 24px; margin-bottom: 0cm;"><i><a href="http://festivalcinesevilla.eu/programacion" target="_blank">Ver programación del festival</a>.</i></p><div class="MsoNormal" style="line-height: 24px;"><i><br /></i><div class="MsoNormal" style="line-height: 24px;"><i>Ver ediciones anteriores:</i><i><br /></i><i><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2022/11/xix-festival-de-cine-europeo-de-sevilla.html" target="_blank">SEFF22</a>, <a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2021/11/xviii-festival-de-cine-europeo-de.html" target="_blank">SEFF 21</a>, <a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2019/11/xvi-festival-de-cine-europeo-de-sevilla.html" target="_blank">SEFF 19</a>, <a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2017/10/xiv-festival-de-cine-europeo-de-sevilla.html" target="_blank">SEFF 17</a>, </i><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com.es/2016/10/xiii-festival-de-cine-europeo-de.html" target="_blank">SEFF16</a>, <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com.es/2015/11/festival-de-cine-europeo-de-sevilla-2015.html" target="_blank">SEFF15</a>,</i></div><div class="MsoNormal" style="line-height: 24px;"><i> <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com.es/2014/11/festival-de-cine-europeo-de-sevilla-2014.html" target="_blank">SEFF14</a>, <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com.es/2013/11/festival-de-cine-europeo-de-sevilla-2013.html" target="_blank">SEFF13</a>, <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com.es/2012/10/festival-de-cine-europeo-de-sevilla-2012.html" target="_blank">SEFF12</a>, <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com.es/2011/11/festival-de-cine-europeo-de-sevilla.html" target="_blank">SEFF11</a>, <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com.es/2010/11/festival-de-cine-europeo-de-sevilla.html" target="_blank">SEFF10</a></i><i> </i><i> </i></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/Puentes-sombras-suspense-desenlace-inesperado-ebook/dp/B07P1NQFBB/ref=asap_bc?ie=UTF8" target="_blank"><img border="0" data-original-height="114" data-original-width="589" height="76" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEglNwvNRiLpn6S11W88UjBtwKzNZNJpAjreYrAxgjf8CuLJJzh5ar9fFOVluW03linGopTItsFkLHNQ0RixMK9Pjf7OJm20SLwDI6_Bs_KBUo0a6_lNxQ2aYUDHcDq6WThyrySh9MOW4fU/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com20tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-33660310773850482942023-10-29T12:07:00.001+01:002024-01-29T18:39:22.964+01:002 X 1: "SEPARADO DE TI" y "MUJER, SÉ COMO UNA ROSA" (Mikio Naruse)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><a name="_Hlk99037013"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Separado de ti </span></i></b></a><span style="font-size: 20pt;">(Kimi to
wakarete, 1933)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj060ZKCNV9e6Y5E4oW6Am26W_XuuTMB5kvUHnde2YiU1eawPW9D38WPUTeuLIzQjpK6obYTUaaBiPdtcrNVBb7U_sv1QQcTAi99zUBzbzG9ruYkShohHJwWuWfTX11TqUjTAgoyjvffdclk5SVU42cmWCWTk3eA5tDOxMI26gl0wmxg3U53JNF5cwmeqY/s300/lejos%20de%20ti.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="207" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj060ZKCNV9e6Y5E4oW6Am26W_XuuTMB5kvUHnde2YiU1eawPW9D38WPUTeuLIzQjpK6obYTUaaBiPdtcrNVBb7U_sv1QQcTAi99zUBzbzG9ruYkShohHJwWuWfTX11TqUjTAgoyjvffdclk5SVU42cmWCWTk3eA5tDOxMI26gl0wmxg3U53JNF5cwmeqY/s1600/lejos%20de%20ti.jpg" width="207" /></a>Si
hubo un director japonés que podría acercarse al trío de ases
Mizoguchi-Ozu-Kurosawa, este fue sin duda Mikio Naruse. Coetáneo de los dos
primeros, Naruse tuvo una filmografía tan extensa y de tanta calidad que bien
podría compararse con ellos. Fue uno de los realizadores destacados del <i>gendai-geki</i>
o cine contemporáneo (a diferencia del <i>jidai-geki</i> o cine de época donde
reinaban los samuráis y las espadas), y dentro de este género del <i>shomin-geki</i>
con filmes tan realistas como los que hoy traemos.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En
<b><i>Separado de ti</i></b>, el primero de ellos, un adolescente, que se junta
con malas compañías, se avergüenza del trabajo de su madre como<i> geisha</i>, al
tiempo que conoce a otra joven de la misma profesión de la que se enamora; esta
última trabaja en los prostíbulos obligada por su padre para mantener a la
familia, pero intenta que su hermana pequeña no pase por lo mismo que ella.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Vidas
entrelazadas, sentimientos encontrados, pasiones contenidas y pequeños dramas
que configuran la vida de los protagonistas es lo que nos ofrece Mikio Naruse
en esta película todavía muda (en Japón el cine sonoro llegó más tarde que en
Estados Unidos).</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghe6kZ4mYGHsxZYQJGvB9qLrMB9jM9OLEjSIP-LuvtabiMxRYslkIEGl2U-33HTtQIP4rXCI8PrMpl8HrfQbjtzvDhLIAVLTXnX8zgtPyDCxwOsLqmKKCAOd1Zmc1cUnbGw27JeRzIVD1_y9rX7nx7RpY-3sFdGq5h7FXSq7OuZOFoYdaK16Xqxp9b744/s750/separado%20de%20ti1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="422" data-original-width="750" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghe6kZ4mYGHsxZYQJGvB9qLrMB9jM9OLEjSIP-LuvtabiMxRYslkIEGl2U-33HTtQIP4rXCI8PrMpl8HrfQbjtzvDhLIAVLTXnX8zgtPyDCxwOsLqmKKCAOd1Zmc1cUnbGw27JeRzIVD1_y9rX7nx7RpY-3sFdGq5h7FXSq7OuZOFoYdaK16Xqxp9b744/w400-h225/separado%20de%20ti1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">Naruse
narra este melodrama con inteligentes movimientos de cámara desde lo general
hacia los pequeños detalles. Usa una cámara más expresionista e intrusiva que la
que luego ofrecería en los años cincuenta, su mejor época.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">A
Naruse se le ha comparado con Ozu al rodar esos dramas en apariencia sencillos,
aunque Naruse es como poco bastante más pesimista. En la forma, podría parecerse
al maestro Ozu, pero no en estos primeros años. En el fondo, es más cercano a
Mizoguchi en cuanto le gusta retratar a las mujeres y se centra en aquellas que
viven en ambientes de pobreza y prostitución. </p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><o:p> </o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Mujer, sé como una rosa </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(Tsuma yo bara
no yô ni, 1935)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht2YL14DwAjdK72wmXsP4GHi9ioxfNuBux1y2z-ZhslOeiuWrtnSSQXCJFCgNn6fG7q1S8C4u-3gLnufVArw5g780n5KLQmpbxVM7b_sK3HsLcrrE4yPn5xRa8_uhGNLtcx_eZsaFkwYlLCCfSFhSpkAhacICnk-1a0qw-5okCYQ9fDu8w-H7jwUj2IGU/s2281/mujer,%20se%20como%20una%20rosa.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="2281" data-original-width="1600" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht2YL14DwAjdK72wmXsP4GHi9ioxfNuBux1y2z-ZhslOeiuWrtnSSQXCJFCgNn6fG7q1S8C4u-3gLnufVArw5g780n5KLQmpbxVM7b_sK3HsLcrrE4yPn5xRa8_uhGNLtcx_eZsaFkwYlLCCfSFhSpkAhacICnk-1a0qw-5okCYQ9fDu8w-H7jwUj2IGU/s320/mujer,%20se%20como%20una%20rosa.jpg" width="224" /></a>Dos
años después de <b><i>Separado de ti</i></b>, Mikio Naruse rueda <b><i>Mujer,
sé como una rosa</i></b>, otro melodrama realista, ya dentro del cine sonoro,
donde una madre y una hija extrañan al padre, que las abandonó para compartir
la vida con una <i>geisha</i>.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La
trama tiene un argumento de nuevo relativamente simple: el padre les manda todos
los meses a las protagonistas parte de su salario, lo que demuestra que no las
ha olvidado. Eso da pie a que la hija, una joven con inquietudes, se decida a
buscar a su padre para pedirle que vuelva con ellas y deje a la malvada <i>geisha</i>
que lo tiene embrujado. Cuando padre e hija se encuentran, las cosas no son
como ella imaginaba…</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Drama
un poco del estilo de <b><i>Separado de ti</i></b>: con ambiente pesimista,
sencillez en el libreto, fuerte carga emocional, miradas que lo dicen todo y
silencios que gritan a la audiencia. Una vez más se trata de una historia de <i>geishas</i>,
y del rechazo de la sociedad hacia ellas, en un entorno de pobreza en el que
finalmente las familias salen adelante gracias al trabajo de esas mujeres de
mala reputación.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy4YOcsWgDHk33zTxYBaGo48jxW9lJD3Jo_xYmUHRjVdW76Zyj20DgbZJCWHDwp4oik4Vdv8JI5V9EIRCcYsmuBQfhRpDe6T89QFwt5Omx8I2jozAFjEFRrzzm3Ofo9QBa18nuUr2WWAQ9O16l1SYrlYKza76UuitXuPsXXR5OUJC-4TQTchmnLuq0ZTE/s1280/mujer,%20se%20como%20una%20rosa1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy4YOcsWgDHk33zTxYBaGo48jxW9lJD3Jo_xYmUHRjVdW76Zyj20DgbZJCWHDwp4oik4Vdv8JI5V9EIRCcYsmuBQfhRpDe6T89QFwt5Omx8I2jozAFjEFRrzzm3Ofo9QBa18nuUr2WWAQ9O16l1SYrlYKza76UuitXuPsXXR5OUJC-4TQTchmnLuq0ZTE/w400-h225/mujer,%20se%20como%20una%20rosa1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">Con
una cámara algo más contenida que en <b><i>Separado de ti</i></b>, pero igualmente
curiosa, que recoge los detalles para centrarlos en el encuadre, Naruse filma <b><i>Mujer,
sé como una rosa</i></b> con maestría. Los fundidos a negro, que separan las
secuencias, son muy lentos, con la intención de darle tiempo al espectador a considerar
la última escena vista y acentuar más el retrato psicológico de los actores. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Mujer, sé
como una rosa</span></i></b><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"> se puede decir que fue la primera película exitosa
de Mikio Naruse, la que le abrió el camino a toda la filmografía posterior. Ganó
varios premios en Japón y aunque ya llevaba más de una docena de largometrajes
en su haber, fue el primer filme de Naruse en estrenarse en Estados Unidos.</span></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://www.amazon.es/dp/B08JCYP6NT/" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;" target="_blank"><img border="0" data-original-height="138" data-original-width="763" height="73" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7vwPYtrT1GG54mXEdVsOfBbq2_aY2VZpDd8wOLNxSkjv7LI517GfD9nwRfN_jp4hqxaeaGrAwbUOuyZVA_uJTpdWufAIY5-9G2UwXUFjcFp45HcSa1xcSV_FPhxmaeWxOg7H9iEdoAWQ/w400-h73/banner.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: center;"><br /></div></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com33tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-20681292116236567542023-10-16T12:28:00.003+02:002024-01-29T18:39:55.643+01:00EL LOBO DE MAR (The Sea Wolf de Michael Curtiz, 1941)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;">En 1904, Jack London publicó uno de sus libros más célebres: “The Sea Wolf”. El escritor murió muy joven, a los 40 años, pero llegó a vivir para ver en la gran pantalla la adaptación de su novela (<i><b>The Sea Wolf</b></i>, Howard Bosworth, 1913). Fue la primera de más de una docena de versiones entre las que sobresale con mucha diferencia <b><i>El lobo de mar</i></b>, cinta realizada por Michael Curtiz en 1941:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6t4zR9d7o_STvoL0UL7Lv-QQjgITtQrcaYPj15WgzMKy15HFBTL_UvVOoN_OWFrWjM4ehErftDEcf23bkr5uBMvzvlGEdCsqE-NExIVu5fbMFeZS5NDJ1WJAkwzdwVF_jvGN19QnKWSFV447nrwTdZ9QeAVyrBTej_P7fnTd8zG6my1ZbkapxWPd2r2s/s868/lobodemar1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="868" data-original-width="580" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6t4zR9d7o_STvoL0UL7Lv-QQjgITtQrcaYPj15WgzMKy15HFBTL_UvVOoN_OWFrWjM4ehErftDEcf23bkr5uBMvzvlGEdCsqE-NExIVu5fbMFeZS5NDJ1WJAkwzdwVF_jvGN19QnKWSFV447nrwTdZ9QeAVyrBTej_P7fnTd8zG6my1ZbkapxWPd2r2s/w268-h400/lobodemar1.jpg" width="268" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">San Francisco, 1900, el marinero George Leach (John Garfield) se enrola en la goleta “Fantasma” para escapar de la justicia. Cuando el velero sale de puerto, un mercante colisiona con el ferry “Martínez”. Dos de los pasajeros, la fugitiva Ruth Brewster (Ida Lupino) y el escritor Humphrey Van Weyden (Alexander Knox), son rescatados por marineros de la goleta. Una vez a bordo de la “Fantasma”, el capitán “Wolf” Larsen (Edward G. Robinson) se niega a desembarcar a Van Weyden hasta que termine la campaña de caza de focas. A bordo la vida no tiene ningún valor, el médico se suicida y a nadie parece preocuparle. Las intenciones de Larsen son hundir el “Macedonia”, el vapor de su hermano, y robarle el cargamento de pieles de foca. Incapaz de soportar la crueldad del capitán, Leach y otros marineros se amotinan...</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">La película tan solo logró una nominación a los Óscar (la de efectos especiales a cargo del futuro realizador Byron Haskin), pero es una obra maestra indiscutible. Michael Curtiz se doctoró con el filme dos años antes de rodar <b><i>Casablanca</i></b>. Y lo hizo con la misma dotación con la que realizó <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2015/06/especial-2-x-1-el-capitan-blood-y-el_15.html" target="_blank">El halcón del mar</a></i></b>. El título era casi el mismo que el del éxito anterior (<i>The Sea Hawk</i> y <i>The Sea Wolf</i>) por lo que no es de extrañar que la cinta se promocionase como otra película de aventuras al estilo de la serie de Errol Flynn. Sin embargo, estaba muy lejos de ser únicamente un filme de entretenimiento. Era mucho más. Es cierto que en <i><b>El lobo de mar</b></i> hay acción a raudales, hay un motín, un enfrentamiento naval, un naufragio y bastantes peleas a bordo, pero la violencia que destila la cinta es interior, como la de la novela, algo que el realizador supo transmitir muy bien al espectador.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Con la dirección de Curtiz y la fotografía de Sol Polito, la “Fantasma” se transformó en un barco diabólico. La visibilidad no alcanzaba más allá del pasamanos debido a la espesa niebla que cercaba al velero. Los camarotes y la bodega eran tan estrechos, y los techos tan bajos, que las dificultades para respirar de Ruth se explicaban no desde la enfermedad de la joven sino desde el ámbito claustrofóbico por donde se movían los personajes.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">La cinta navega desde el cine negro hasta el de terror. La luz distorsionada por la bruma consigue ese efecto <i>noir</i>; como cuando el “Lobo” Larsen se desploma invidente y enfermo y Curtiz lo retrata de espaldas entre la oscuridad del pasillo. Las secuencias donde el monstruoso capitán surge del agua, como un resucitado, o gobierna la caña ciego, como un zombi, son claramente deudoras de las películas de miedo.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOh3fTXrdk1T3PzQpivCX0K0MGbAB0UcTazvuJRCB1JY1wPUnXbZxsjnWhAiw532LzItDlRdc1hn5nDSATVBxwLCX-deGUfOxKviPnBYroo2ePWnzXDaFuMYDiwMzcQgMHkf1LsL7Mmfkmp8eN58-48UvSn7qk7dTOqBUd16z4sbQch_hm6YPP916AdVs/s1200/lobo%20de%20mar1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="937" data-original-width="1200" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOh3fTXrdk1T3PzQpivCX0K0MGbAB0UcTazvuJRCB1JY1wPUnXbZxsjnWhAiw532LzItDlRdc1hn5nDSATVBxwLCX-deGUfOxKviPnBYroo2ePWnzXDaFuMYDiwMzcQgMHkf1LsL7Mmfkmp8eN58-48UvSn7qk7dTOqBUd16z4sbQch_hm6YPP916AdVs/w400-h313/lobo%20de%20mar1.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Todo resulta perverso en <b><i>El lobo de mar</i></b>. La indiferencia de los personajes ante la muerte crea un ambiente nocivo en el que el líder es el capitán: un marinero agoniza hasta morir en cubierta como un perro; el doctor se suicida delante de todos; los cuchillos asoman a la menor provocación, y Larsen no hace nada por evitarlo, al revés lo fomenta con su sola presencia. Traiciones y delaciones están a la orden del día. Complots bajo cubierta, ataques en la oscuridad, el deseo de morir como una liberación, son las actividades que se suceden a bordo de un barco que lleva un cargamento viciado de maldad.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">El personaje principal de la novela —y de la película— es “Wolf” Larsen. En el libro, Jack London lo describe como un hombre de una fortaleza física fuera de lo normal, muy alto, un perfecto espécimen masculino. Extremadamente inteligente, autodidacta en varios campos de la ciencia y la literatura, Larsen es la personificación del “superhombre” de Nietzsche, en el que cree profundamente. Su frase preferida es “más vale reinar en el infierno que servir en el cielo”. Además, la obsesión de Larsen por acabar con su hermano recuerda a la del capitán Ahab por matar a Moby Dick. La caída en desgracia de ambos también es parecida.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">En la cinta, Curtiz distorsiona la figura de Larsen y, a diferencia del libro, lo convierte en un ser cuyo físico expresa el conflicto interno de un psicópata. Edward G. Robinson no es el prototipo de la raza aria como el protagonista de la novela; tampoco es tan alto, de ahí que el director procure fotografiarlo en contrapicado, siempre vestido de negro y con una mueca desagradable que deforma su rostro. No obstante, su discurso sí se corresponde con alguien que niega a Dios y al hombre: “Mi fuerza me justifica. El hecho de que yo pueda matarle o dejarle vivir, que pueda controlar el destino de todos los que están en el barco, de que sólo mi voluntad sea la que manda aquí, es justificación suficiente”, le espeta el capitán a Van Weyden. </div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Con líneas de diálogo como esas, el paralelismo con el régimen nazi es patente en una película que se rueda en 1941 y cuyo objetivo es denunciar las barbaridades de Hitler. “La gente como Larsen no puede seguir oprimiéndonos porque no seamos nadie. ¡Somos alguien!” Se lamenta Leach, interpretado por John Garfield, el único capaz de rebelarse contra el dictador. Garfield, siempre comprometido con la justicia social, prácticamente se interpretaba a sí mismo en esa escena.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6h4N4FFJNh61o6xseOMqz9wUoL_hw1664ga32rtBhz5y8XB0r6jrt1w2XvSbS7mipGrL2y_pHWoVB49H_9e0CO7PkbvDbPN_W8Vj-i658jreE1iEGj5ekSj50wtjdS7_7LhONmhEAHRk0PN6zJyUblj9WoRN8R0YgYJMSox684zMSkP0_XRB3rxRO-rg/s960/lobo%20de%20mar.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="520" data-original-width="960" height="216" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi6h4N4FFJNh61o6xseOMqz9wUoL_hw1664ga32rtBhz5y8XB0r6jrt1w2XvSbS7mipGrL2y_pHWoVB49H_9e0CO7PkbvDbPN_W8Vj-i658jreE1iEGj5ekSj50wtjdS7_7LhONmhEAHRk0PN6zJyUblj9WoRN8R0YgYJMSox684zMSkP0_XRB3rxRO-rg/w400-h216/lobo%20de%20mar.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Si Leach es deudor del contexto social, de Van Weyden se puede decir que es el alter ego de Jack London. Toda inocencia cuando embarca, Van Weyden se van endureciendo a medida que pasan los días a bordo. En dicha evolución, Larsen apuesta por cambiar la bondad del escritor en crueldad. Por eso le toma cierto afecto y se permite discutir con él. El enfrentamiento intelectual entre Van Weyden y Larsen es un remedo de la eterna lucha entre el bien y el mal. </div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">El personaje más alterado con respecto a la novela es el de la joven protagonista. En el libro no se llama Ruth ni es una delincuente que se acaba de escapar de la cárcel, es una escritora famosa de la alta sociedad. La variación del personaje femenino también tiene que ver con el entorno político y social de la época. Igual que Leach, Ruth es una víctima más de la Gran Depresión. La pareja representa con toda intención al gran público que ha superado la crisis económica para caer en un mundo amenazado por las dictaduras fascistas. </div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Ambos, Ida Lupino y John Garfield, conectaron enseguida en el plató y fuera de él. Eran como hermanos e hicieron piña en contra del director cuyo carácter autoritario no admitía ninguna sugerencia. Al finalizar el rodaje, entre las típicas bromas de la fiesta de despedida, Ida y John arrojaron a Curtiz (su Larsen particular) a las fétidas aguas del tanque donde flotaba la goleta. Esa fue su venganza personal después de dos agotadores meses de rodaje.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Li2o104xGRU?si=IBJ6Lku8CmVa2A94" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;"><span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>El post es un extracto corregido para la ocasión del capítulo dedicado a <b><i>El lobo de mar</i></b></span><span> en mi libro: </span><a href="https://www.fernandodecea.com/products/cine-y-navegacion-los-7-mares-en-70-peliculas/" target="_blank">CINE Y NAVEGACIÓN. Los 7 mares en 70 películas</a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div></div><div style="text-align: center;"><a href="https://www.amazon.es/dp/8416750491/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="332" data-original-width="1600" height="82" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyQpWeKUCG9r1P0pfeu5NDBbytPcj2vPCLlY5GDoKGRBsCWFlbCBHctkYiwDHhfHud__Q_c4rlw1H3G-np0VweMeOJZvPMO_8dPsfvNI1m9FtVb6WK3Q0c4mMKpjRh8_SOoFZWY-xh0jE/s400/cine+y+navegacion.jpg" width="400" /></a></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com29tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-67181572584280171932023-10-01T12:38:00.002+02:002024-01-29T18:56:02.823+01:002 X 1: "MANILA: EN LAS GARRAS DE NEÓN" y "INSIANG" (Lino Brocka)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><a name="_Hlk99037013"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Manila: En las garras de neón </span></i></b></a><span style="font-size: 20pt;">(Maynila sa
mga kuko ng liwanag, 1975)</span><span style="font-size: 20pt;"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJMoi0CO8IyM42vIxnLNeWTO3AgXjFvqEk1VLl4yn6_tbBo36WwnzPOXicxofrS40UBWcg0pIwYyQWTE5LUg5mMe5VPvAu1YjfUz_tOlicB5FUWy09XPtewYcOlUsT27sCLQlkop5uEyxl2dMZDhfn-6hXhZNT3SJYWbeUFHLQeWYIMs14ePXxh1IE5UM/s400/Manila%20en%20las%20garras%20de%20neon.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="400" data-original-width="265" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJMoi0CO8IyM42vIxnLNeWTO3AgXjFvqEk1VLl4yn6_tbBo36WwnzPOXicxofrS40UBWcg0pIwYyQWTE5LUg5mMe5VPvAu1YjfUz_tOlicB5FUWy09XPtewYcOlUsT27sCLQlkop5uEyxl2dMZDhfn-6hXhZNT3SJYWbeUFHLQeWYIMs14ePXxh1IE5UM/s320/Manila%20en%20las%20garras%20de%20neon.jpg" width="212" /></a>Lino
Brocka fue posiblemente el cineasta filipino más importante de la historia del
cine de ese país. Reconocido mundialmente, el realizador es muy querido en su
país por su oposición contra el presidente Ferdinand Marcos (Brocka fue
detenido y estuvo en prisión en los años setenta cuando se opuso a la Ley
Marcial de Marcos). </p>
<p class="MsoNormal">Para
la mayoría de los críticos las dos obras más importantes de Lino Brocka son: <b><i>Manila:
En las garras de neón</i></b> e<b><i> Insiang</i></b>. La primera de ellas,
además, es considerada la mejor película filipina de la historia. En ambas cintas, y en gran parte de su
filmografía, el director presenta con un característico realismo los ambientes
más deprimentes y sórdidos de la vida de las clases bajas en Filipinas, donde
reina la prostitución y la delincuencia.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i>Manila:
En las garras de neón</i></b> narra la vida de Julio (Bembol Roco, también conocido por Rafael Roco Jr.), un pescador
que abandona la aldea donde vive para buscar a su novia Ligaya (Hilda Koronel).
La joven se ha trasladado a la capital en busca de un trabajo mejor, contratada
por una sospechosa mujer. Julio intenta abrirse camino en la ciudad, que poco a
poco le va cambiando, primero trabajando sin mucho éxito como peón albañil, para
después ir cayendo en el infierno de la prostitución como salida fácil, casi única.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9JT82u9q-pe3GxEgz8437EUa4I_p-dg3wBS2igQ1Mf35o71bMhde-ne-D0iAZE4KLBr1RjlVxePbeNwyjPLNWfJlFikKBNJeNfy_QSmqSmsrjZ_lXLuhhjg__wjC1LAyqkuVXC7z0X68mNrriKyPi4xb3zn-IQVVvAhlmgkSWTduSA8lvui61qJXqlHQ/s1000/Manila%20en%20las%20garras%20de%20neon1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="600" data-original-width="1000" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi9JT82u9q-pe3GxEgz8437EUa4I_p-dg3wBS2igQ1Mf35o71bMhde-ne-D0iAZE4KLBr1RjlVxePbeNwyjPLNWfJlFikKBNJeNfy_QSmqSmsrjZ_lXLuhhjg__wjC1LAyqkuVXC7z0X68mNrriKyPi4xb3zn-IQVVvAhlmgkSWTduSA8lvui61qJXqlHQ/w400-h240/Manila%20en%20las%20garras%20de%20neon1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">A
pesar de la alienación de la ciudad, que le va devorando y haciendo mella en
él, el joven protagonista no cesa en el empeño de encontrar a Ligaya. Sólo los esporádicos
<i>flashbacks</i> relajan algo la trama; son los pensamientos de Julio
recordando los buenos tiempos en la aldea, un lugar del que nunca debió salir.
Por otro lado, nadie duda, ni él ni el espectador, que Ligaya ha sido
reclutada por una madame para trabajar en un burdel.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Drama
realista, tomas nocturnas de la capital y ambiente de depravación son el
entorno en el que se desarrolla esta historia con imposible final feliz. La
tragedia se ve venir, y Brocka parece decirnos que la historia de este joven es
la de muchos como él. Mientras tanto, el nombre de la calle —“Misericordia”—
desde donde Julio espera una y otra vez que aparezca Ligaya sólo parece una
broma pesada.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/27qwaj9143Q?si=MZe6Y3AygIiH5zt_" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;"><br /></span></i></b></p><p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Insiang </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(1976)</span><span style="font-size: 20pt;"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirDOwotLTpKSGV9-XSiWdZrNoaBVZJi9s_peNnvCQEi2Nfi4qEFiHJFXvXf-CHeTCRbLzmJnwNQtIK0idjlVk19i73zNRRgMVy1tjUHXFEnFQZJoYG93e32b9UBTvI2kuxWsssvPw3Nh-Sbnqb9UnerfIOSOixn2xjgg4gSwRd6PTJZKQT-yIh3CGQ8gY/s2000/insiang.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="2000" data-original-width="1500" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirDOwotLTpKSGV9-XSiWdZrNoaBVZJi9s_peNnvCQEi2Nfi4qEFiHJFXvXf-CHeTCRbLzmJnwNQtIK0idjlVk19i73zNRRgMVy1tjUHXFEnFQZJoYG93e32b9UBTvI2kuxWsssvPw3Nh-Sbnqb9UnerfIOSOixn2xjgg4gSwRd6PTJZKQT-yIh3CGQ8gY/s320/insiang.jpg" width="240" /></a>Al año siguiente de realizar <b><i>Manila:
En las garras de neón</i></b>, Lino Brocka vuelve a rodar un película similar
titulada<b><i> Insiang</i></b>, tan cruda o más que la anterior. Sólo hay que
ver la secuencia inicial de la película, que se desarrolla en un matadero, donde
el director no se ahorra ningún plano por duro que este sea. </p>
<p class="MsoNormal">A partir de ahí, la cámara de
Brocka ronda los vertederos y las chabolas del extrarradio de Manila donde malvive Insiang (otra vez
Hilda Koronel), una joven que sueña con salir algún día de ese ambiente. La protagonista
vive con su madre después de que el padre las abandonara por otra mujer. Con
ellas cohabita Dado, el amante de la madre, mucho más joven que ella. Cuando
Dado comienza a fijarse en Insiang todo se tuerce todavía más. </p>
<p class="MsoNormal">Un triángulo peculiar, que es el
eje de un filme sórdido y realista, un drama en el que Brocka nos ofrece un
entorno de pobreza extrema que distorsiona las relaciones madre-amante-hija, y
por donde se mueven otros personajes secundarios, la mayoría poco recomendables,
como el novio de Insiang y sus amigotes.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6w1I8Mbnp7z4-YJMX23IUDn1FiXQHU5b8ulnIDwdVtIDbcp0mRVuij6c6HwRjAIzejYD0RqHzMffUb45JSJAhkGb77KQfJkReyb6HTjOTYTZ90lLchI_51K1Dsfkkn4LJuijboOqQMOAjqddofzZzxPDSvguSSOdY2FrKfpZEKrLqN5MX9mEpx9jNTaM/s1365/insiang1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="756" data-original-width="1365" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6w1I8Mbnp7z4-YJMX23IUDn1FiXQHU5b8ulnIDwdVtIDbcp0mRVuij6c6HwRjAIzejYD0RqHzMffUb45JSJAhkGb77KQfJkReyb6HTjOTYTZ90lLchI_51K1Dsfkkn4LJuijboOqQMOAjqddofzZzxPDSvguSSOdY2FrKfpZEKrLqN5MX9mEpx9jNTaM/w400-h221/insiang1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">De nuevo todo se tensa y nada
puede salir bien de una trama viciada desde el principio. Insiang verá
truncadas una y otra vez sus aspiraciones de salir de la miseria: cuando confía
en que la ayuden, enseguida se da cuenta de que sólo quieren aprovecharse de
ella. Las adversidades, como ocurría en <b><i>Manila…</i></b>, tuercen el
carácter de la joven cuya sed de venganza podrá más que su afán por escapar de
allí. </p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">Otra vez la nocturnidad, el realismo, la miseria extrema y la venganza
como salida hacia ninguna parte son los elementos que configuran la trama. A diferencia de <b><i>Manila:
en las garras de neón</i></b>, en<b><i> Insiang</i></b> Brocka no sale del
poblado de chabolas, aquí no hay escenas de la capital, casi no hay secuencias
diurnas, todo es mucho más pesimista en general. <b><i>Insiang</i></b> tuvo el
honor de ser la primera película filipina de la historia en ser proyectada en
el festival de Cannes; para muchos es la obra maestra de Lino Brocka.</span><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/takNiNdS2Ms?si=LKiGWNVXnwYqmZLo" title="YouTube video player" width="560"></iframe><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/dp/B087D34K62/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="137" data-original-width="779" height="70" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbWS7_pVDzenUjOX0wP2AbVykJVuBnk8iSVsqM5X0M-JUocRMga7MFqdu3jwnq69ZH6EIdSrNU8-rvUc-FdxDRfaDOS4pNW2MWW7YLU3ep74V9Qfst6CpPAyV0XpktxPqRBSMozoIFIP8/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com26tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-57353645561312999542023-09-17T12:16:00.004+02:002024-03-07T19:05:49.107+01:00EL AUTOREMAKE EN EL CINE. CAPÍTULO V (y XVI)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">De los
elementos que separan a <b><i>Distant Drums</i></b> de <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objetctive, Burma!</a></i></b>, quizás el más
importante sea el de la presencia de una mujer. Walsh recurre a una subtrama
muy característica de su cine: la de la joven que se ve envuelta en la aventura
porque ha sido rescatada por el héroe y no tiene más remedio que seguirle, al
principio a pesar suyo, para más tarde terminar enamorándose de él.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> Es el caso de <i><b>Tambores lejanos</b></i>, con Mari Aldon en el
papel de Judy Beckett, prisionera de los traficantes de armas. Wyatt la rescata
de la fortaleza junto a otros cautivos a los que no les queda otra alternativa
que seguir a los soldados por los pantanos si no quieren caer de nuevo en manos
de los seminolas. La relación entre Judy y Wyatt evoluciona desde un comienzo
bastante hostil hasta convertirse en amor apasionado.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span> Walsh no se detiene mucho
en el idilio —como tampoco en el resto de diálogos— al que sólo le reserva
algunas escenas cortas situadas estratégicamente entre secuencias más largas de
acción. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPiKoy_1qET8MEiZQfcbh79I7nEHW0m8JFarPRsraw71RoWMDoJ5MwgtJY6hBhi1uoNgnt5xLWtsg13u5ORYi3CLTpFibdMw6NXlAMPK3w8QeWfcUO1c3rLTFTd8MzVuXVsibAEu5efkGaTNpI5w9vUyyNdzNKxy-KFEmm0ebs1cmREYA-CSg91y7byOQ/s1200/tambores%20lejanos3.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="859" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPiKoy_1qET8MEiZQfcbh79I7nEHW0m8JFarPRsraw71RoWMDoJ5MwgtJY6hBhi1uoNgnt5xLWtsg13u5ORYi3CLTpFibdMw6NXlAMPK3w8QeWfcUO1c3rLTFTd8MzVuXVsibAEu5efkGaTNpI5w9vUyyNdzNKxy-KFEmm0ebs1cmREYA-CSg91y7byOQ/w286-h400/tambores%20lejanos3.jpg" width="286" /></a></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Esta poca
profundidad en la definición de los personajes y en establecer los vínculos
entre ellos fue en su día uno de los factores más criticados de la película.
Algo que no es de extrañar cuando el mismo año Walsh había firmado esa maravilla
que es <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2008/06/silencio-se-graba-semana-del-27-de.html#El%20Hidalgo%20de%20los%20Mares" target="_blank">El Hidalgo de los mares</a></b></i> donde,
salvando las distancias de la historia, la relación entre la pareja protagonista
era uno de los principales activos de la película. Es probable que el hecho de
que la actriz de <i><b>Tambores lejanos</b></i> no
fuese muy conocida influyó en Walsh a la hora de darle o no importancia a ese
aspecto de la trama. En aquella época, Mari Aldon era prácticamente una debutante
—realmente nunca destacó demasiado—, y desde luego se encontraba muy lejos de
las estrellas de la Warner con las que Walsh había trabajado, en especial Ida
Lupino, Virginia Mayo, Ann Sheridan y Alexis Smith. Todas ellas de una
presencia arrolladora en pantalla y con un importante bagaje de personajes fuertes
a sus espaldas. No sólo <i><b>Tambores lejanos</b></i>
fue el blanco de las críticas —una película que hoy en día es todo un clásico
del cine de aventuras—, sino que muchas de sus cintas, ya fuera de la Warner,
sufrieron los mismos ataques casi siempre por el mismo motivo: por filmar
guiones que no estaban a la altura de su dirección. De hecho, gracias a su
habilidad en el manejo del ritmo narrativo, el director pudo salvar la mayoría
de estos largometrajes a pesar de lo débiles que eran algunos de sus
argumentos.<o:p></o:p></p>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><tbody><tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRHF9jNnRG-DUz-yZjp5fyFs6cMRMYnT9eTZ-MJrpd97MSzTPQluOpJahHWMavzVCZ_U82YevK3_kPt_64o9uJb_cEanPeKgEdLW7xijriuXjCVnhqchexWUmDFWy5IXHzv29Q_zWOQfcRqB9ZCdAv2X5gsA7gMXP2Anpj1hEayEdiC4ekTn1uKjZthzc/s895/imagen_2023-09-17_115901577.png" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="895" height="148" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRHF9jNnRG-DUz-yZjp5fyFs6cMRMYnT9eTZ-MJrpd97MSzTPQluOpJahHWMavzVCZ_U82YevK3_kPt_64o9uJb_cEanPeKgEdLW7xijriuXjCVnhqchexWUmDFWy5IXHzv29Q_zWOQfcRqB9ZCdAv2X5gsA7gMXP2Anpj1hEayEdiC4ekTn1uKjZthzc/w400-h148/imagen_2023-09-17_115901577.png" width="400" /></a></td></tr><tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"></td></tr></tbody></table><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><span style="text-indent: 18pt;">Aparte de la
subtrama amorosa, en </span><i style="text-indent: 18pt;"><b>Tambores lejanos</b></i><span style="text-indent: 18pt;">
podemos observar otros recursos narrativos que Walsh solía incorporar a sus </span><i style="text-indent: 18pt;">westerns</i><span style="text-indent: 18pt;">. Nos referimos a secuencias tan
simpáticas como las del afeitado de Wyatt con el cuchillo, a pelo, sin agua ni
jabón (5.45), una escena que se repetirá en </span><i style="text-indent: 18pt;"><b>Rebelión
en el fuerte</b></i><span style="text-indent: 18pt;">, esta vez con Alan Ladd presumiendo de sus habilidades como
barbero; secuencias tan inquietantes como los cantos mortuorios de los indios,
o el cementerio de los seminolas, utilizadas, como vimos, en </span><i style="text-indent: 18pt;"><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2022/01/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-vi.html" target="_blank">Juntos hasta la muerte</a></b></i><span style="text-indent: 18pt;">; tan metafóricas
como las de los soldados cavando las trincheras (5.46 igual que <a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2023/01/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-xii.html" target="_blank">5.35</a>); tan
tensas como la espera nocturna del ataque indio y el posterior asalto de los exploradores
nativos, una solución de suspense que Walsh no sólo emplea en </span><i style="text-indent: 18pt;"><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objetivo: Birmania</a></b></i><span style="text-indent: 18pt;"> y </span><i style="text-indent: 18pt;"><b>Tambores lejanos</b></i><span style="text-indent: 18pt;">, también está presente
en la muy citada </span><i style="text-indent: 18pt;"><b>Rebelión en el fuerte</b></i><span style="text-indent: 18pt;">;
y, en fin, tan aterradoras como el fatal descubrimiento de los compañeros torturados,
usadas en las dos películas que venimos analizando, pero también de una forma
mucho más explícita en </span><i style="text-indent: 18pt;"><b>Una trompeta
lejana</b></i><span style="text-indent: 18pt;"> (</span><i style="text-indent: 18pt;">A Distant Trumpet</i><span style="text-indent: 18pt;">, 1964).
Precisamente en esta cinta, la última del director, Walsh utiliza otra
secuencia que remite a </span><i style="text-indent: 18pt;"><b>Tambores lejanos</b></i><span style="text-indent: 18pt;">:
el héroe acosado por los indios le prende fuego a la pradera para ganar tiempo
y escapar.</span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Tantas
referencias cruzadas en su filmografía se pueden añadir al análisis de <i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2021/04/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-i.html" target="_blank">High Sierra</a></b></i>, <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objective, Burma!</a></b></i> y sus <i>remakes</i>
para confirmar, como dijimos al inicio del capítulo, que Raoul Walsh fue un
director personal, y no sólo un artesano como reclaman algunos. Un autor que,
aunque habitualmente no retenía la responsabilidad de todos los elementos de la
producción, sí que supo imprimirle a sus cintas el sello característico de un
realizador único. Un cineasta con una claridad expositiva ejemplar en películas
siempre en movimiento. Walsh sabía manejar perfectamente el ritmo de cada cinta
para acelerarlo en las escenas de acción, donde era un maestro, o para contenerlo
en las más dramáticas. Desde aquí nos gustaría reivindicar a este profesional
para que la crítica y el mundo del cine lo sitúe donde corresponde: a la altura
de los más grandes.<o:p></o:p></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2021/04/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-i.html" target="_blank">Leer el capítulo V desde el inicio.</a></b></i></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2023/12/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-iii-i.html" target="_blank">Leer el capítulo III</a></b></i></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2014/03/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-iv-i.html" target="_blank">Leer el capítulo IV</a></b></i></p><p align="center" class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-align: center; text-indent: 18pt;"><b>REFERENCIAS
BIBLIOGRAFICAS DEL QUINTO CAPÍTULO</b></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">
</p><table border="0" cellpadding="0" cellspacing="0" class="MsoNormalTable" style="border-collapse: collapse; margin-left: 2.75pt; mso-padding-alt: 0cm 3.5pt 0cm 3.5pt; width: 560px;">
<tbody><tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-firstrow: yes; mso-yfti-irow: 0;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Aldarondo, R. 2008, "El Último refugio (High Sierra,
1941)", en Latorre, J.M. (coord.) 2008, <i>Raoul Walsh</i>, Donostia
Kultura, San Sebastian.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 1;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Álvarez, J.L. 2007, <i>Bogart y Bacall. Dos estrellas y un
destino</i>, T&B Editores, Madrid.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 2;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><st1:placename w:st="on"><i><span lang="EN-GB">Colorado</span></i></st1:placename><i><span lang="EN-GB"> <st1:placetype w:st="on">Territory</st1:placetype></span></i><span lang="EN-GB"> (Vídeo) 2010, Turner Entertainment,
<st1:city w:st="on"><st1:place w:st="on">Atlanta</st1:place></st1:city>.<i><o:p></o:p></i></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 3;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Cueto, R. 2008, "Tambores lejanos (Distant Drums,
1952)", en Latorre, J.M. (coord.) 2008, <i>Raoul Walsh</i>, Donostia
Kultura, San Sebastian.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 4;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><i><span lang="EN-GB">Distant
Drums</span></i><span lang="EN-GB"> (Vídeo)
2004, Republic Pictures Home Video, <st1:city w:st="on"><st1:place w:st="on">Los
Angeles</st1:place></st1:city>.<i><o:p></o:p></i></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 5;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-GB">Flynn, E.
2003, <i>My Wicked, Wicked Ways: The Autobiography of Errol Flynn</i>, Cooper
Square Press, Inc., <st1:state w:st="on"><st1:place w:st="on">New York</st1:place></st1:state>. <o:p></o:p></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 6;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><i><span lang="EN-GB">High
Sierra</span></i><span lang="EN-GB"> (Vídeo)
2006, <st1:place w:st="on"><st1:placename w:st="on">Warner</st1:placename> <st1:placename w:st="on">Home</st1:placename></st1:place> Video, Burbank.<i><o:p></o:p></i></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 7;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal" style="text-align: justify;"><span style="color: #333333;">Huston,
J. 1998, <i>Memorias</i>, Espasa Calpe S.A., Madrid<o:p></o:p></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 8;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Latorre, J.M. (coord.) 2008, <i>Raoul Walsh</i>, Donostia
Kultura, San Sebastián.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 9;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-GB">McNulty,
T. 2004, <i>Errol Flynn: The Life and Career, </i>McFarland & Company,
Inc., Publishers, <st1:place w:st="on">Jefferson</st1:place>.<o:p></o:p></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 10;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-GB">Meyers,
J. 2001, <i>Gary Cooper: American Hero</i>, Cooper Square Press, Inc., <st1:state w:st="on"><st1:place w:st="on">New York</st1:place></st1:state>.<o:p></o:p></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 11;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Moix, T. 1996, <i>La Gran Historia del Cine</i>, ABC,
Madrid.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 12;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-GB">Moss,
M.A. 2011, <i>Raoul Walsh: the true adventures of <st1:city w:st="on">Hollywood</st1:city>'s
legendary director</i>, The University Press of Kentucky, <st1:city w:st="on"><st1:place w:st="on">Lexington</st1:place></st1:city>.<o:p></o:p></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 13;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><span lang="EN-GB">Nott, R.
2005, <i>Last of the cowboys heroes: The westerns of Randolph Scott, Joel
McCrea and Audie Murphy</i>, McFarland & Company, Inc., Publishers,
Jefferson.<o:p></o:p></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 14;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal"><st1:place w:st="on"><st1:city w:st="on"><i><span lang="EN-GB">Objective</span></i></st1:city><i><span lang="EN-GB">, <st1:country-region w:st="on">Burma</st1:country-region></span></i></st1:place><i><span lang="EN-GB">!</span></i><span lang="EN-GB"> (Vídeo) 2003, <st1:place w:st="on"><st1:placename w:st="on">Warner</st1:placename> <st1:placename w:st="on">Home</st1:placename></st1:place>
Video, Pyrmont.<i><o:p></o:p></i></span></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 15;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Scorsese, M. y Wilson, M.H. 2001,<i> Un Recorrido personal
por el Cine Norteamericano</i>, Akal, Madrid.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 16;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Simsolo, N. 2007, <i>El Cine Negro, Pesadillas verdaderas
y falsas</i>, Alianza Editorial, Madrid.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
<tr style="height: 47.25pt; mso-yfti-irow: 17; mso-yfti-lastrow: yes;">
<td style="height: 47.25pt; padding: 0cm 3.5pt; width: 420pt;" width="560">
<p class="MsoNormal">Vanoye, F. 1996, <i>Guiones modelo y modelos de guión</i>,
Paidós, Barcelona.<o:p></o:p></p>
</td>
</tr>
</tbody></table>
<span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><br clear="all" style="break-before: page; mso-special-character: line-break; page-break-before: always;" />
</span>
<div><!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span>
Veamos algunos ejemplos: La citada <i><b>Rebelión
en el fuerte</b></i>, donde Shelley Winters es recogida por Alan Ladd después de
haber sufrido un ataque de los indios; <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2008/06/silencio-se-graba-semana-del-27-de.html#El%20Hidalgo%20de%20los%20Mares" target="_blank">El Hidalgo de los mares</a></b></i> (<i>Captain Horatio
Hornblower R.N.</i>, 1951) donde Gregory Peck rescata a Virginia Mayo,
prisionera de un cacique centroamericano; o <i><b>Northern
Pursuit</b></i>, con Errol Flynn teniendo que cuidar de Julie Bishop que sin
quererlo se ha metido en las garras del lobo. <o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn2">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span> Se
llegó a rumorear que Gary Cooper y Mari Aldon tuvieron un <i>affaire</i> durante el rodaje de la película. Claro que también se dijo
algo de un posible romance entre Cooper y… ¡Mary Walsh! Lo que sí está claro es
que el actor en esa época estaba pasando por una situación difícil, recién
separado, pero sin vivir abiertamente con su amante, Patricia Neal. Asuntos del
corazón aparte, la alta estima que Mari Aldon tenía de Cooper lo confirman sus
propias palabras: “fue una inspiración para mí, muy resistente en lo físico,
nada era demasiado duro para él, no tenía dobles y nunca pedía favores
especiales” (citada en Meyers 2001, p.238). <o:p></o:p></p>
</div>
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/el-autoremake-en-el-cine-obsesion-o-repeticion-/" target="_blank"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm2YbWDzJHR6mD7VeqC-c7xB4apQdGuvGGya9sRe81zGEt002fIcV9FqtzUlJFuxGXj7E2DwrudlFNy-BMlLYxV1wXMfZ8RICCvY10jvlpLdG9IBzhd2SmbC6cQDsVOp5aQpBdnNkS-7k/s1600/banner2.jpg" style="display: block; height: 78px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></a></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/puentes-y-sombras/"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com24tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-56835591604456443142023-09-03T11:13:00.001+02:002024-01-29T18:56:43.122+01:002 X 1: "EL HOMBRE DE MÁRMOL" y "EL HOMBRE DE HIERRO" (Andrzej Wajda)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><a name="_Hlk99037013"><b><i><span style="font-size: 20pt;">El hombre de mármol </span></i></b></a><span style="font-size: 20pt;">(Czlowiek z
marmuru, 1977)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW1xStGe2hxyctvADDOeDLx-kBpmbSt0K8efbBCsNApPrkesHVO5ltwt65Qnr_PPYzNF0ud20MnsqSrTc1IesDOULvrl-oaVcgd8eeEArQ_M8fvh2nc7fhf_G-wO6rZ2RLe8RBIj05A6vbsSI7SE2_nME9iRTP_8ZXmVkQh5yUN2V6bTwxvAUv0iQNzlg/s1000/hombre%20de%20marmol.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1000" data-original-width="705" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW1xStGe2hxyctvADDOeDLx-kBpmbSt0K8efbBCsNApPrkesHVO5ltwt65Qnr_PPYzNF0ud20MnsqSrTc1IesDOULvrl-oaVcgd8eeEArQ_M8fvh2nc7fhf_G-wO6rZ2RLe8RBIj05A6vbsSI7SE2_nME9iRTP_8ZXmVkQh5yUN2V6bTwxvAUv0iQNzlg/s320/hombre%20de%20marmol.jpg" width="226" /></a>El
director Andrzej Wajda <span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">—junto con Roman Polanski—</span>probablemente haya sido el cineasta más influyente de la
historia del cine polaco. Hijo de un oficial del ejército, que murió en la
masacre de Katyn,
y resistente antinazi en la Segunda Guerra Mundial, Wajda comenzó su carrera
como director con una serie de películas sobre dicho conflicto (más tarde denunció
la matanza de Katyn perpetrada por la Unión Soviética aprovechando la invasión alemana con una más que interesante película). Conocido por sus
buenas adaptaciones de novelas polacas, Wajda hizo a finales de los años
setenta un díptico que analizaba a su manera tres décadas de la historia de
Polonia:</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En
la primera película,<b><i> El hombre de mármol</i></b>, una joven estudiante
(Krystyna Janda) intenta hacer una película como tesis de fin de carrera sobre
el estajanovismo de los años cincuenta en Polonia. Cuando se documenta para el
trabajo, se topa con la figura de Birkut (literalmente, con una escultura de
mármol abandonada, de ahí el nombre del filme de Wajda), un héroe de esa época,
capaz de poner miles de ladrillos en un solo día, famoso en toda la nación,
pero que más tarde fue olvidado. Krystyna tratará de dar con él —ahora
desaparecido— y con los motivos por los que cayó en desgracia.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Wajda
utiliza una estructura muy reconocible, estilo <b><i>Ciudadano Kane</i></b>, donde
la joven aprendiz entrevista a los amigos de Birkut, a su mujer, al director de
cine que lo encumbró, etc., de tal forma que el espectador, a base de <i>flashbacks</i>,
se da una idea de cómo era este hombre y, sobre todo, de por qué desapareció. De
su subida a la cumbre y de su bajada a los infiernos de la cárcel.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmclIvtUAiTFLqCmuXMJ_2H_M5sZ1wY7LVx1GL4sIvR2LkDY5SvJLnP_4Akg4bpWF7-DYZprNBwTVlfRtYNNXKJ5qbN9xd6aZCJZZR2suA5qTDj2sMhtQZ2zgvKw3fTgKNffzg_R35IoZqiq9Yq2w_Mb9bcoUB8qE1dLpuUm0I_NlQ4v3G89wtdOUyqCs/s1200/hombre%20de%20marmol1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="800" data-original-width="1200" height="266" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgmclIvtUAiTFLqCmuXMJ_2H_M5sZ1wY7LVx1GL4sIvR2LkDY5SvJLnP_4Akg4bpWF7-DYZprNBwTVlfRtYNNXKJ5qbN9xd6aZCJZZR2suA5qTDj2sMhtQZ2zgvKw3fTgKNffzg_R35IoZqiq9Yq2w_Mb9bcoUB8qE1dLpuUm0I_NlQ4v3G89wtdOUyqCs/w400-h266/hombre%20de%20marmol1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">La
película tiene un doble mensaje: en primer lugar critica la época de la posguerra,
de dura influencia estalinista, por no decir injerencia soviética en la vida
social y política de Polonia. Las mejores secuencias tienen que ver con la utilización
de la figura de Birkut con el propósito de la propaganda descarada. En
especial, cabe destacar el rodaje de un documental de la época donde Wajda
presenta los entresijos de la filmación (si el héroe se santigua, cortan, si se
cansa, tampoco lo ruedan, etc.).<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">El
segundo mensaje es con respecto al cine dentro del cine. Wajda se mete con la
censura y las dificultades que ponen las autoridades para rodar determinados
temas. La joven protagonista se las ve y se las desea para terminar su
película. Supera una depresión y sigue buscando al protagonista. El propio
Wajda comenzó con la idea de esta magnífica cinta en 1962, (en plena época del
deshielo soviético) pero aun así no le permitieron rodarla hasta pasados quince
años.<span style="background-color: white;"> </span></p><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/yVKdrnbmQlU?si=ehu9vW8zvdP_G0qg" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><b style="text-align: justify;"><i><span style="font-size: 20pt;"><br /></span></i></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: left;"><b style="text-align: justify;"><i><span style="font-size: 20pt;">El hombre de hierro </span></i></b><span style="font-size: 20pt; text-align: justify;">(Czlowiek
z zelaza, 1981)</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;">
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeQdtE59yZqdbmhAArVFOhI2uFXuDUXSdjyt065DimPvR0fy9XrDTiAzfjduzGSTlo8HBwEtt8Jx2pS4gUIKivLioRWDbvfQlw1boz31dmity8DS8Gtz4B6U7wyFYiLbxIyqLoik4WqpNJmXpR8IFT6jGs65WmPSlzPbF_vtvq01P9NKOTWAAG18qX25s/s1059/hombre%20de%20hierro.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1059" data-original-width="747" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeQdtE59yZqdbmhAArVFOhI2uFXuDUXSdjyt065DimPvR0fy9XrDTiAzfjduzGSTlo8HBwEtt8Jx2pS4gUIKivLioRWDbvfQlw1boz31dmity8DS8Gtz4B6U7wyFYiLbxIyqLoik4WqpNJmXpR8IFT6jGs65WmPSlzPbF_vtvq01P9NKOTWAAG18qX25s/s320/hombre%20de%20hierro.jpg" width="226" /></a>Cuatro años después de <b><i>El
hombre de mármol</i></b>, Andrzej Wajda cierra el díptico con una secuela titulada
<b><i>El hombre de hierro</i></b>. Una película muy similar en cuanto a la
estructura narrativa (Ahora es un periodista radiofónico el que quiere hacer un
reportaje sobre la figura de Birkut y de su hijo, ambos interpretados por el
mismo actor que en la película anterior: Jerzy Radziwilowicz).</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La diferencia entre este filme y
el primero de la serie es que ahora los poderes públicos le encargan el trabajo
al reportero con el fin de desprestigiar al que fuera líder del movimiento
obrero y a su hijo. El primero ya fallecido y el segundo casado con aquella
cineasta de <b><i>El hombre de mármol</i></b>, a la que de nuevo encarna
Krystyna Janda.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">El periodista va siguiendo un
recorrido muy similar al de la cineasta, cuando entrevista a los amigos del
hijo de Birkut, a la madre, a su mujer, etc. Otra vez, poco a poco, el
espectador irá sacando conclusiones sobre la figura de ambos personajes, padre
e hijo: sabrá cómo murió el primero y cuál es la vida del segundo.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8hWDhyugLvwhD8gwTBBCf1muREdMgfBJRgw8r5RjFs6OSjNhn0cWGaa7k4cnFx4lNPr8yTvl2388FfTZuRbA-ebF-vAt_gG6dMynEpxyFeHEkkCknGDV3hXG9E8wDc2Ldupb7Jp7CGPepJ2AymZsbYUeNfOwgfmMN287rorWLhe-qc7bsAjP9eqiU8rc/s620/hombre%20de%20hierro1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="310" data-original-width="620" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8hWDhyugLvwhD8gwTBBCf1muREdMgfBJRgw8r5RjFs6OSjNhn0cWGaa7k4cnFx4lNPr8yTvl2388FfTZuRbA-ebF-vAt_gG6dMynEpxyFeHEkkCknGDV3hXG9E8wDc2Ldupb7Jp7CGPepJ2AymZsbYUeNfOwgfmMN287rorWLhe-qc7bsAjP9eqiU8rc/w400-h200/hombre%20de%20hierro1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">Wajda se esconde detrás de este
formato de semidocumental, lo carga de objetividad, para, de nuevo, encubrir lo que en realidad
pretende el director, que no es otra cosa que criticar el sistema político de
su país. Conforme el periodista va hallando pistas sobre el tema de su reportaje,
va cambiando su manera de pensar hasta resistirse a hacer el trabajo tal como
se lo habían encargado. <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Otra diferencia de </span><b style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"><i>El hombre de hierro</i></b><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;"> con respecto a la anterior
es su interés desde el punto de vista histórico, ya que desgrana el nacimiento
del sindicato </span><i style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">Solidaridad</i><span style="font-family: "Times New Roman", serif; font-size: 12pt;">. Hasta el propio líder Lech Walesa tiene un
papel en la cinta, haciendo de él mismo. El largometraje fue más reconocido que
el anterior —aunque me quedo con el primero—, ya que ganó la Palma de Oro de
Cannes y fue designado como candidato al Óscar. Más tarde, el gobierno polaco
lo retiró de la carrera a los premios de Hollywood porque no quería que
representara a ese país.</span></p><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/Tsql_0xEZ5A?si=M4ES7JKFPtXnxQoc" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/puentes-y-sombras/"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/dp/B0B5HK6JDP/" target="_blank"><img border="0" height="71" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjW8pm230-Y8KwQzMregAYigIBpkTFtXOlSTihm6R3sIyCz2Ka_0_myPjF1eiz9inM7vA17P0xmGZ1c60eFeNLnqpEVHk2x08eGjasCyygIXS8ZHLAId-HQ9-3bGIp8TFAGS0BL5Sa1t4w/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com22tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-65855282718695791812023-07-31T12:03:00.002+02:002024-01-29T18:57:00.992+01:00ESTAMBUL (Journey into Fear de Orson Welles y Norman Foster, 1943)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;">A principios de los años cuarenta se realizaron en Hollywood una serie de películas precursoras del ciclo negro que a su vez abarcaban varias temáticas. Desde el cine de gánsteres hasta el fantástico, pasando por el de propaganda antinazi, dichas cintas comenzaron a exhibir los códigos del <i>noir</i> en la puesta en escena, en la trama y en los personajes, hasta el punto de confundirse con los largometrajes que verdaderamente iniciaron y continuaron el ciclo. Uno de aquellos filmes casi negros fue <i><b>Estambul</b></i>. La no pertenencia de la película al género negro radica en la temática, ya que nos encontramos con una trama de espías, más propia de las cintas de propaganda bélica que de las policíacas. Sin embargo, la estética del filme se corresponde con el ciclo que estaba a punto de comenzar. También el tratamiento del guion:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj00Sa-gTm8I29tOWJSs9oPQ9Z6RIqwokF1FTovXM1T0CBcgUuYS-bNSAYjZDQAxsfClNNJXB-8OciI3pzWfnTWHNQhlmOINkCYXbpGwing_DjTn3o-kq8fVrDA8xXmYyjiTXxF68Sq0KbpZQwzfGZUF_gK9Ir8KR0OVpx-96FXFwJoAPtwUgx7mKv3NgY/s1487/estambul.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1487" data-original-width="1000" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj00Sa-gTm8I29tOWJSs9oPQ9Z6RIqwokF1FTovXM1T0CBcgUuYS-bNSAYjZDQAxsfClNNJXB-8OciI3pzWfnTWHNQhlmOINkCYXbpGwing_DjTn3o-kq8fVrDA8xXmYyjiTXxF68Sq0KbpZQwzfGZUF_gK9Ir8KR0OVpx-96FXFwJoAPtwUgx7mKv3NgY/w269-h400/estambul.jpg" width="269" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both;">El matrimonio Graham (Joseph Cotten y Ruth Warrick) se dispone a salir de Estambul para volver a Estados Unidos. Graham es un experto en armamento naval al que los nazis intentan eliminar para retrasar todo lo posible la construcción de los nuevos barcos turcos. El coronel otomano Haki (Orson Welles) alerta a Graham del peligro que corre después de que a éste lo hayan intentado asesinar en una sala de fiestas. Haki prepara un plan para enviar al ingeniero sano y salvo a Batumi, última escala del matrimonio antes de volar a América. Graham se embarcará en el “Talasia”, un carguero donde, entre otros, viaja el asesino nazi...</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Realizada en 1941, cuando Estados Unidos aún no había entrado en la guerra, <b><i>Estambul</i></b> no fue estrenada hasta dos años más tarde, en pleno conflicto. La cinta se basa en una novela de Eric Ambler. En un principio el rol de Orson Welles iba a ser tan solo el de actor secundario, pero enseguida se le asignó la labor de productor y director. Welles se metió de lleno en un rodaje que iba a coincidir en el tiempo con la finalización de <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2009/09/silencio-se-graba-semana-del-18-al-24.html#El%20Cuarto%20Mandamiento" target="_blank">El cuarto mandamiento</a> </i></b>y con el inicio del documental <i><b>It’s all true</b></i>. Atender a tantas producciones era imposible teniendo en cuenta que para filmar el documental debía trasladarse a Brasil con un equipo de la <i>RKO</i>. El joven cineasta no tuvo más remedio que delegar la realización de <b><i>Estambul</i></b> a Norman Foster, que al final figuró en los créditos como director de la película.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilN20Ie0TL0_AVzQoZG6xmnuYZHV2J8LLg3jWWLsdQjMAkwyFRq8y9hAKyZBCx66KQvO6luQ3sIl3ed_0fQnFzekQLOO8WwAIqdFLUddXNsRUjyfT-VkMnwXikVsr_s2TPZ4AXnFEXv5D-6nAqdQCegny_PlqtFd0HLDesJlY0I2ZDxLBavJewtPdz0kc/s300/estambul.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="168" data-original-width="300" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEilN20Ie0TL0_AVzQoZG6xmnuYZHV2J8LLg3jWWLsdQjMAkwyFRq8y9hAKyZBCx66KQvO6luQ3sIl3ed_0fQnFzekQLOO8WwAIqdFLUddXNsRUjyfT-VkMnwXikVsr_s2TPZ4AXnFEXv5D-6nAqdQCegny_PlqtFd0HLDesJlY0I2ZDxLBavJewtPdz0kc/w400-h224/estambul.jpeg" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">No obstante, la presencia de Welles en el filme es tan diáfana como barrocos son sus planos. Todo se distorsiona a partir del descubrimiento del cadáver del comerciante turco al que han asesinado los nazis. El cuerpo del finado casi se sale de pantalla mientras Joseph Cotten se agacha para comprobar si está muerto. El contrapicado es tan exagerado como el del protagonista bajando el portalón mientras en tierra le esperan los alemanes. No sólo los encuadres son de Welles sino también las luces y sombras, la profundidad de campo y un par de planos secuencias. El primero realizado con grúa, atravesando varias cubiertas para finalizar con los actores apoyados en el pasamanos; y el segundo en el interior, rodado en travelling de retroceso siguiendo a los protagonistas por los pasillos del carguero.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">El largometraje es claramente de Orson Welles si uno observa la ironía típica del director al describir situaciones y personajes. El realizador retuerce los caracteres secundarios hasta convertirlos en los títeres de una especie de guiñol por el que Graham se desenvuelve como puede. Ya no son los elementos de una estructura tipo “barco de los necios”, sino caricaturas que observan la desgracia del protagonista, participando de forma pasiva en la pesadilla y burlándose del antihéroe. El propio director se mofa descaradamente del héroe cuando lo pertrecha con un paraguas y un cortaplumas, “poderoso armamento” con el que enfrentarse a los nazis. La rompedora forma de dirigir de Welles, en contraste con la narrativa clásica de Hollywood es patente en <i><b>Estambul</b></i> y queda claro que se debe a su personal manera de entender el cine y no a la del anodino Norman Foster.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><span>El post es un extracto corregido para la ocasión del capítulo dedicado a <b><i>Estambul</i></b></span><span> en mi libro: </span><a href="https://www.fernandodecea.com/products/cine-y-navegacion-los-7-mares-en-70-peliculas/" target="_blank">CINE Y NAVEGACIÓN. Los 7 mares en 70 películas</a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="text-align: center;"><a href="https://www.amazon.es/dp/8416750491/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="332" data-original-width="1600" height="82" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyQpWeKUCG9r1P0pfeu5NDBbytPcj2vPCLlY5GDoKGRBsCWFlbCBHctkYiwDHhfHud__Q_c4rlw1H3G-np0VweMeOJZvPMO_8dPsfvNI1m9FtVb6WK3Q0c4mMKpjRh8_SOoFZWY-xh0jE/s400/cine+y+navegacion.jpg" width="400" /></a></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<br />
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com28tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-50992559743302118292023-07-09T10:00:00.004+02:002024-01-29T18:57:20.941+01:002 X 1: "GENTE VIVA" y "TAXI" (Roy del Ruth)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><a name="_Hlk99037013"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Gente viva </span></i></b></a><span style="font-size: 20pt;">(Blonde Crazy, 1931)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpSDNnXHw4fPkM_uFs5Yh698xePSX_ReVpSCRx5CApUMxtUcGcx5BW_rdrb45UCupS5BzzIF6TV8VTUz5dTsC2iU_OwgYmDERRdgUmEGCUBT0G9j7yGp8Tv5cYtA68F1Lhi9G9VUujEDgKImO3--4LLEiG4X1Ab0GtX3-sxGC3lwv8HU4wBAzi6fk0zRg/s450/gente%20viva.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="297" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpSDNnXHw4fPkM_uFs5Yh698xePSX_ReVpSCRx5CApUMxtUcGcx5BW_rdrb45UCupS5BzzIF6TV8VTUz5dTsC2iU_OwgYmDERRdgUmEGCUBT0G9j7yGp8Tv5cYtA68F1Lhi9G9VUujEDgKImO3--4LLEiG4X1Ab0GtX3-sxGC3lwv8HU4wBAzi6fk0zRg/s320/gente%20viva.jpg" width="211" /></a>La
larga carrera del actor James Cagney comenzó con el inicio de los años treinta en
la <i>Warner Brothers</i>, estudio en el que se mantuvo durante toda la década, la más
prolífica de su carrera (33 películas). Uno de los directores que más veces lo
dirigieron en esa época fue Roy del Ruth. Dos películas de este artesano son
las que vamos a comentar ahora:</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En
la primera, <b><i>Gente viva</i></b>, Cagney es el pícaro y mujeriego botones
de un hotel en el que realiza pequeñas estafas hasta que se enamora de una camarera
recién contratada (Joan Blondell). Junto a ella va dando golpes cada vez
mayores, pero en el camino la relación entre los dos sufre altibajos a medida que
los “trabajos” se vuelven más peligrosos. </p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Atractivo
filme de Del Ruth, un realizador que se especializa en musicales y películas policíacas,
casi como el propio Cagney, actor con un registro ideal para las segundas
cintas, pero también con condiciones de bailarín ⸺en la cinta hace sus pinitos con
el claqué en alguna escena. No en vano, comenzó su carrera en las tablas del <i>music-hall</i>,
interviniendo en comedias musicales y en obras dramáticas hasta que la llegada
del sonoro le cambió la vida al ser contratado por la <i>Warner</i>.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhP957NNSWENkyXDcfFr902vqb-tBISJGIP8JlPrETJQ7K-SpxlEl4kfyfog6_UxHVgkimPi4ZIjjjPnNEKoFDpuZruSdTTLPlZHHuXirZhqgwZ__eJlVA6uAzoD-kdqm6s2VnEu5ZFLuLji-Lp3g6V2pR09Op6vWXVY1jR1Gwx-MRSWUKmHq-ZEcHtm0M/s1280/gente%20viva1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhP957NNSWENkyXDcfFr902vqb-tBISJGIP8JlPrETJQ7K-SpxlEl4kfyfog6_UxHVgkimPi4ZIjjjPnNEKoFDpuZruSdTTLPlZHHuXirZhqgwZ__eJlVA6uAzoD-kdqm6s2VnEu5ZFLuLji-Lp3g6V2pR09Op6vWXVY1jR1Gwx-MRSWUKmHq-ZEcHtm0M/w400-h225/gente%20viva1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">En
cualquier caso, <b><i>Gente viva</i></b> no es ni un musical ni un largometraje
de gánsteres, aunque se le acerque a este segundo género poco a poco. De hecho,
lo mejor de la cinta es el cambio que va sufriendo la película desde una comedia
romántica hasta un policíaco. Es verdad que no llega a la altura de obras coetáneas
como <b><i>Enemigo público</i></b> (<i>The Public Enemy</i>, William A.
Wellman, 1931), pero se queda en un filme entretenido, con giros continuos de
guion donde los estafadores también son estafados como en la secuencias de los
falsos billetes falsos, y en la de la carrera de caballos.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La
interesante trama se complementa con buenos planos de Del Ruth donde destaca el
cenital de la enfermería de la cárcel, con fotografía de bajo tono, muy
minimalista, casi abstracto, muy del estilo de la Warner; y con finales de
secuencia <i>made in</i> Cagney, rematados por el tipo duro que es, enfrentándose
a otros más grandes que él, pero menos atrevidos. Ojo a un Ray Milland
jovencísimo, casi irreconocible. Como pasatiempo extra les recomiendo contar el
número de bofetadas que se dan unos y otros.</p><p class="MsoNormal"><br /></p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Taxi </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(Taxi!,1932)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbWAUsRd58w3VmyXnrsF013WBKGclpXb8pEe6WdG2YokStb4BlMGTIo4INXb2goGV9kh6Dxr4EJKiRWvZxjKV5je_n_p-zgFclpOpM_QSp-C306mrTcbCfBRvTzBJwcVUtdjGi7XMqm8ta-S9MBhQHCYdSgak6CzhpliGR3fwhljwloNRkFpAjcMwGD3o/s1295/taxi.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1295" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbWAUsRd58w3VmyXnrsF013WBKGclpXb8pEe6WdG2YokStb4BlMGTIo4INXb2goGV9kh6Dxr4EJKiRWvZxjKV5je_n_p-zgFclpOpM_QSp-C306mrTcbCfBRvTzBJwcVUtdjGi7XMqm8ta-S9MBhQHCYdSgak6CzhpliGR3fwhljwloNRkFpAjcMwGD3o/s320/taxi.jpg" width="247" /></a>Justo después de <b><i>Gente viva</i></b>,
el director Roy del Ruth vuelve a colaborar con James Cagney en <b><i>Taxi</i></b>,
otra película del mismo corte que la anterior, pero, digamos, más negra:</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Cagney ahora es Matt Nolan, un
taxista independiente que no se deja intimidar por la todopoderosa compañía
Consolidated, que quiere deshacerse de los pequeños taxistas y no duda en usar
métodos gansteriles para hacerlo. Uno de los compañeros de Matt, es el padre de
Sue (Loretta Young), que en su lucha por mantenerse independiente termina en la
cárcel y muere allí. A pesar de la tragedia, Sue opta por el diálogo para solucionar
el problema, mientras que Matt está más por la labor de responder a la violencia
con violencia…</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">El tema que trata la película, el
de las controversias entre los taxistas independientes que luchan por sus licencias,
y las grandes empresas que intentan que el reparto del pastel sea cada vez más
grande para ellos, es bastante actual y ayuda a que la cinta mantenga su interés
a pesar de los años.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgosvNFiKHkZxiifH71WmKKO8jM534QYAbkAWXIS-KQB-bQJCAHaSG1LKTikcnBEj14jDK40o3prPNp-jjj0C94CaifRg3RiCPEcXcvBiBdvKDdNfr_JC8nQOyjS_ChlQThrlHgf_PBKI5kCq3cTqeTRWo-TA3Xd0ZENn1171K_hFLzzfnlaHo1S31b9ww/s1280/taxi1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgosvNFiKHkZxiifH71WmKKO8jM534QYAbkAWXIS-KQB-bQJCAHaSG1LKTikcnBEj14jDK40o3prPNp-jjj0C94CaifRg3RiCPEcXcvBiBdvKDdNfr_JC8nQOyjS_ChlQThrlHgf_PBKI5kCq3cTqeTRWo-TA3Xd0ZENn1171K_hFLzzfnlaHo1S31b9ww/w400-h225/taxi1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">El carácter radical de Cagney,
aunque permanece en el bando teórico de los buenos, recuerda mucho al registro de
sus películas de malvado, con sonrisa que hiela la sangre como en la citada <b><i>Enemigo
público</i></b> de ese mismo año. De hecho, las mejores secuencias se reservan
a Cagney enfrentándose a sus enemigos. También funcionan los planos fijos de la
pareja Cagney-Young, sencillos, pero eficaces.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Cagney de nuevo, a la menor
oportunidad, quiere lucirse como bailarín y hace algunos bocetos de números que
demuestran lo bien que se le da el musical ⸺no olvidemos que ganará el Óscar
unos años después con <b><i>Yanqui Dandy</i></b> (<i>Yankee Doodle Dandy</i>,
Michael Curtiz, 1942). Esas secuencias quedan perfectas gracias a que Roy del
Ruth sabe cómo introducirlas en una puesta en escena desenfadada. Al menos hasta
que el drama se torna en tragedia y la película se vuelve cada vez más oscura;
algo parecido, pero más intenso, a lo que sucedía en <b><i>Gente viva</i></b>.</p><p class="MsoNormal"><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/5cKY_Fw1PhA" title="YouTube video player" width="560"></iframe></p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/dp/B08288SQKX/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="131" data-original-width="781" height="66" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj9AV1b9O4Z7KNPUtTtuY5ESuu1xHxCjDN5HvbmlhfSEJV8QHHiCACKYshndp6QV2xkAFGmLAt-BmxVFJ2KdxXftAl1CEWxfYO2K8i725XlpTIKt0DcsTMlSaV3xQRKmh7IFbvZ_MIejHc/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com25tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-80699223414205698872023-06-25T11:52:00.003+02:002024-01-29T18:57:42.110+01:00EL AUTOREMAKE EN EL CINE. CAPÍTULO V (XV)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Gary Cooper,
como Errol Flynn, encarna al típico héroe solitario de las mejores películas de
Walsh; igual que su antecesor, la actuación de Cooper destaca por su sobriedad
y laconismo. Sin embargo, es en torno al personaje al que da vida el actor
donde se concentran algunas de las diferencias que existen entre <i><b>Tambores lejanos</b></i> y <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objetivo: Birmania</a></b></i>:<span style="text-indent: 18pt;"> </span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">El capitán
Wyatt de Cooper se aísla más, si cabe, en su soledad que el capitán Nelson de
Flynn, y se encuentra muy por encima de los soldados a los que manda, con los
que apenas se relaciona. Es un héroe con un pasado trágico (su esposa fue
asesinada por unos soldados) que vive en una isla rodeada por los Everglades
(evidente metáfora); que está acostumbrado a la selva (otra diferencia con
Nelson), que prefiere la vida salvaje a la civilización y que incluso viste
distinto al resto (5.41),<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> con una indumentaria de
explorador que se mimetiza con el entorno y que refleja su íntima relación con
los nativos (su mujer era india y tiene un hijo mestizo). A pesar de partir de
un perfil típico de héroe de <i>western</i>
psicológico,<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span>
Walsh no se decanta por desarrollar el posible deseo de venganza del capitán,
prefiere atender a la aventura propiamente dicha y saldar el drama particular
de Wyatt con una declaración final donde perdona a los agresores de su mujer.<o:p></o:p></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOTzXuGwR_rtjPPMWONz8-H8HUuUz4AExEaG7cb0aCXLLxn1ntCmwAyARe6LOrseAY0g3UwDyRs_-LRsrksOwMTiIaqt77EKlo7U5V2L93htzkkS5ztlTewFjCNxuet0RRV76lNwwASLqR68ygDmhfUKD1UpKS52h1viuXNMcECpUMYrE6O-4GbP45bag/s966/imagen_2023-06-25_110448188.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="360" data-original-width="966" height="149" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOTzXuGwR_rtjPPMWONz8-H8HUuUz4AExEaG7cb0aCXLLxn1ntCmwAyARe6LOrseAY0g3UwDyRs_-LRsrksOwMTiIaqt77EKlo7U5V2L93htzkkS5ztlTewFjCNxuet0RRV76lNwwASLqR68ygDmhfUKD1UpKS52h1viuXNMcECpUMYrE6O-4GbP45bag/w400-h149/imagen_2023-06-25_110448188.png" width="400" /></a></div>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">El contexto social
también marca una importante distinción entre las dos películas. En <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objetivo: Birmania</a></b></i>, la guerra en el
Pacífico aún estaba por decidir y la crudeza del conflicto se hace sentir en el
naturalismo de las imágenes en blanco y negro; mientras que en <i><b>Tambores lejanos</b></i>, la historia que se
cuenta no es contemporánea, la propaganda carece de sentido y eso hace que
Walsh no profundice demasiado en la personalidad de los protagonistas y se
centre más en la colorista aventura que en el drama; aunque, eso sí, ponga el
mismo acento en la batalla del hombre contra la naturaleza. Aspectos, ambos, el
de la aventura y la lucha por la supervivencia, que resalta el director cuando
al final resuelve el conflicto con un duelo a muerte entre el jefe indio y
Wyatt (5.42). Secuencia submarina muy bien fotografiada por Sid Hickox, el
hábil operador de la Warner con el que Walsh trabajó en numerosas ocasiones y
que aquí hace un excelente trabajo con el <i>technicolor</i> de la época.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span><o:p></o:p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">El reclamo
estelar de Cooper —el único de la película— deja poco protagonismo a los
secundarios que, comparados con los de <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objetivo: Birmania</a></b></i>, son bastantes menos, podríamos decir que sólo tres (5.43), y con
pocas líneas de diálogo, todo para beneficiar a la acción. Por el lado cómico,
se sitúa Arthur Hunnicutt, un actor que debe su fama al registro de películas
como <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2016/12/especial-kirk-douglas-rio-de-sangre-big.html" target="_blank">Río de sangre</a></b></i>, o el que hemos
visto en <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2016/02/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-42-vii.html" target="_blank">El Dorado</a></b></i>, exactos, ambos,
al que utiliza en <i><b>Tambores lejanos</b></i>,
esto es, el explorador veterano que conoce al dedillo cada palmo de terreno y
que es capaz de seguir el rastro como si de un indio se tratase.<o:p></o:p></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-align: center; text-indent: 18pt;"></p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhs48BN_jMKBn_YPDfzGvUtbk1JT7fbD77pOMiDoDaI_i_NE0UTJ_-XilCWflN7rdUABy-iIQBanwzXzwlWeLgIu0kYkqn_K-mA_nngpFfz7pV8gthgNNN8MjyP4LJ_PPpl7Gy8pYyYNEo2aCjbroWSJFVE7Q_UohsadNLsfTRCGCZZE_H65IjqZs6jKi8" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img alt="" data-original-height="368" data-original-width="972" height="151" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhs48BN_jMKBn_YPDfzGvUtbk1JT7fbD77pOMiDoDaI_i_NE0UTJ_-XilCWflN7rdUABy-iIQBanwzXzwlWeLgIu0kYkqn_K-mA_nngpFfz7pV8gthgNNN8MjyP4LJ_PPpl7Gy8pYyYNEo2aCjbroWSJFVE7Q_UohsadNLsfTRCGCZZE_H65IjqZs6jKi8=w400-h151" width="400" /></a></div><p></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Junto a
Hunnicutt, el otro actor de reparto que destaca es Richard Webb. Interpreta al
teniente Tufts, un oficial de marina tan desplazado de su ambiente naval como
el barco al que arrastran por tierra (5.44). Tufts es el blanco de los ataques
de las serpientes, pero también de las burlas de Wyatt. El teniente se nos
antoja el sustituto del reportero de la película original, por lo extraño que
se siente en tierra, pero, sobre todo, porque se erige en el narrador de la
historia, aunque en este caso la <i>voice
over</i> de Tufts acompañe a la acción a lo largo de todo el metraje.<span style="text-indent: 18pt;"> </span></p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Como bien ha
visto Roberto Cueto (2008, p.197), el arranque de <i><b>Tambores lejanos</b></i> es muy similar al que más tarde se usará en <b><i>Apocalipsis Now</i> </b>(<i>Apocalypse Now</i> de Francis Ford Coppola, 1979) o, lo que es lo
mismo, al de la novela en la que se basa la película, “El Corazón de las Tinieblas”
de Joseph Conrad. Tufts relata a bordo de la embarcación el objetivo de su
misión: encontrarse con el capitán Wyatt, un militar que vive en la jungla y
hace la guerra por su cuenta (como el coronel Kurtz, al que interpretaba Marlon
Brando en la cinta de Coppola).<o:p></o:p></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 32px; text-indent: 18pt;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2023/09/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-y.html" target="_blank">Seguir leyendo...</a></b></i></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 32px; text-indent: 18pt;"><i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2021/04/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-i.html" target="_blank">Leer el capítulo desde el inicio.</a></b></i></p>
<div><!--[if !supportFootnotes]--><br clear="all" />
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> Como
Alan Ladd en <i><b>Rebelión en el fuerte</b></i> (<i>Saskatchewan</i>, 1954), otro <i>western </i>de Walsh que guarda ciertas
semejanzas con <i><b>Tambores lejanos</b></i>. El
protagonista es un inspector de la Policía Montada del Canadá, hijo adoptivo de
un jefe indio, que siempre que puede se cambia la casaca roja por la
indumentaria de explorador. Además, termina por liderar un grupo que tiene que
atravesar un territorio hostil de intrincados bosques infestados de indios. <o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn2">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span>
Pensemos en <i>westerns</i> del estilo de <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2008/05/encubridora-rancho-notorious-de-fritz.html" target="_blank">Encubridora</a></b></i> (<i>Rancho Notorious</i> de Fritz Lang, 1952) o <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2009/02/silencio-se-graba-semana-del-6-al-12-de.html#El%20Último%20Tren%20de%20Gun%20Hill" target="_blank">El último tren de Gun Hill</a></b></i> (<i>Last
Train from Gun Hill</i> de John Sturges, 1959), donde el protagonista sólo vive
para vengarse de los asesinos de su pareja.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn3">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span> Como
ya vimos, Sidney Hickox fue el director de fotografía de <i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2022/01/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-vi.html" target="_blank">Juntos hasta la muerte</a></b></i>, pero también de <i><b>Al rojo vivo</b></i>, <i><b>Camino de la
horca</b></i>, <i><b>Fighter Squadron</b></i>, <i><b>Silver River</b></i>, <i><b>Uncertain Glory</b>, <b>Northern Pursuit</b></i>, <i><b>Gentleman Jim</b></i>, <i><b>The Man I Love</b></i>,
<i><b>One Sunday Afternoon</b></i> y <i><b>Más allá de las lágrimas</b></i>, todas de
Walsh.<o:p></o:p></p>
</div>
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/el-autoremake-en-el-cine-obsesion-o-repeticion-/" target="_blank"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm2YbWDzJHR6mD7VeqC-c7xB4apQdGuvGGya9sRe81zGEt002fIcV9FqtzUlJFuxGXj7E2DwrudlFNy-BMlLYxV1wXMfZ8RICCvY10jvlpLdG9IBzhd2SmbC6cQDsVOp5aQpBdnNkS-7k/s1600/banner2.jpg" style="display: block; height: 78px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></a></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/puentes-y-sombras/"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com27tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-34896163524075810192023-06-11T13:31:00.002+02:002024-01-29T18:57:59.891+01:002 X 1: "I'LL SEE YOU IN MY DREAMS" y "PARA ELLA UN SOLO HOMBRE" (Michael Curtiz) (II)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><a name="_Hlk99037013"><b><i><span lang="EN-US" style="font-size: 20pt; mso-ansi-language: EN-US;">I’ll See You in My
Dreams </span></i></b></a><span lang="EN-US" style="font-size: 20pt; mso-ansi-language: EN-US;">(1951)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgks1WP2x9GbkyKIRQEGfOwmT7aiLtRAxJIBulyN4yUURCYMPvL5ewDXDduLBcu-jEefyYMav6bCAOr-Bnarl-LIxwMIiP4iV5ZC1Vy_IPlq8Wg2CyUQ36_MpuoLVu94MTzg51Pn-MC9Q77b07qbsyfdZFuxTT6FuCkFMJi8lyEwRUarCj94520OFV5/s1425/i'll%20see%20you%20in%20my%20dreams.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="1425" data-original-width="1000" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgks1WP2x9GbkyKIRQEGfOwmT7aiLtRAxJIBulyN4yUURCYMPvL5ewDXDduLBcu-jEefyYMav6bCAOr-Bnarl-LIxwMIiP4iV5ZC1Vy_IPlq8Wg2CyUQ36_MpuoLVu94MTzg51Pn-MC9Q77b07qbsyfdZFuxTT6FuCkFMJi8lyEwRUarCj94520OFV5/s320/i'll%20see%20you%20in%20my%20dreams.jpg" width="225" /></a>El
realizador húngaro, y ahora reconocido como uno de los grandes, Michael Curtiz,
arrancó la década de los cincuenta asentado en la <i>Warner Brothers</i>, productora
donde estuvo casi tres décadas y donde cosechó los mayores éxitos de su carrera
(<b><i>Casablanca</i></b>, <b><i>Robin de los bosques</i></b>, <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2015/05/especial-2-x-1-el-capitan-blood-y-el.html" target="_blank">El capitán Blood</a></i></b>, <b><i>El lobo de mar</i></b>, <b><i>Alma en suplicio</i></b> y
un largo, larguísimo etcétera). Michael Curtiz se entregó en cuerpo y alma al
sistema de producción del Hollywood clásico y acaso fue el paradigma de director
de los grandes estudios.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Así,
era capaz de supeditar todos los recursos cinematográficos al servicio del género para caracterizarlo y definirlo. No solo lo hizo en dramas, películas de
aventuras, de cine negro, del oeste o bélicas, también se adentró en el musical
con algunos éxitos ⸺aunque no fue su género preferido⸺ casi siempre dando vida
a personajes que habían existido en la realidad. Después del éxito de <b><i>Yankee
Doodle Dandy</i></b> (1942), homenaje al compositor George M. Cohan, y del fallido
largometraje a mayor gloria de Cole Porter, <b><i>Noche y día</i></b> (<i>Night
and Day</i>, 1946), Curtiz rodo en 1950 el excelente filme <b><i>El trompetista</i></b>,
inspirado en el músico de <i>jazz</i> Bix Beiderbecke. A partir de aquí, en la
década de los cincuenta rodó otros dos <i>biopics</i>, tan desconocidos en
España como interesantes, de los que vamos a hablar ahora: <b><i>I’ll See You in
My Dreams </i></b>y <b><i>Para ella un solo hombre</i></b>.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En
el primero de ellos, Curtiz recrea la vida y obra del letrista Gus Kahn (Danny
Thomas), famoso músico popular de los años veinte y treinta, que llegó a trabajar
en Broadway, nada menos que para el célebre productor de revista Florenz Ziegfeld.
La cinta versa sobre el ascenso al estrellato, la caída y el resurgir del
compositor, y arranca cuando Kahn conoce en una agencia musical a Grace (Doris
Day), la que será su futura esposa, e insiste en venderle su primera canción, a
la sazón el primer éxito de Kahn.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirm59_AhdGTDTDA4C5Ytb5iRBL_MBZZWyBeMCOY9D39HfnS90hUokb2NhOSL62EOitWgcpgz9zhmaE7Gy0YxIsOjbo0nq-ri8GG8wUgdYkAAb9SLI4QDc-1ZGwtpK1TfMUa-UkF9JcLjqyHP85eGjaYfjuaM0d3zGv3idugIakUxtssj-epY6e3R9l/s278/i'll%20see%20you%20in%20my%20dreams1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="181" data-original-width="278" height="260" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEirm59_AhdGTDTDA4C5Ytb5iRBL_MBZZWyBeMCOY9D39HfnS90hUokb2NhOSL62EOitWgcpgz9zhmaE7Gy0YxIsOjbo0nq-ri8GG8wUgdYkAAb9SLI4QDc-1ZGwtpK1TfMUa-UkF9JcLjqyHP85eGjaYfjuaM0d3zGv3idugIakUxtssj-epY6e3R9l/w400-h260/i'll%20see%20you%20in%20my%20dreams1.jpg" width="400" /></a> </o:p></p>
<p class="MsoNormal">Ni
que decir tiene que aunque el personaje protagonista sea el músico, el centro
de las miradas se dirigen a Doris Day y a los números musicales en los que ella
actúa. Con Doris Day ya había trabajado Curtiz en otro musical: <b><i>Romance
en alta mar</i></b> (<i>Romance on the High Seas</i>, 1948) y en la citada <b><i>El
trompetista</i></b> (<i>Young Man with a Horn</i>, 1950). <o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La
trama de <b><i>I’ll See You in My Dreams</i></b> sigue la estructura de “Ha nacido una estrella”, con los años veinte
como telón de fondo y con un buen número de canciones célebres, todas ellas
escritas por Kahn y cantadas por ambas estrellas, Danny Thomas y, sobre todo,
Doris Day: Comenzando por la que da título a la película, “I’ll See You in My
Dreams” y continuando con “It Had To Be You”, “Pretty Baby”, “My Buddy”, “The
One I Love (Belong to Somebody Else)”…, y así hasta más de veinte canciones (algunas
solo parcialmente) desfilan en una película muy del gusto del pueblo
norteamericano.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/H9-blGrPsd4" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br />
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Para ella un solo hombre </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(The
Helen Morgan Story, 1957)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHTrueoG_uzzC7UrwHJZY-wFs04_PML2Bwmeq9a5bh6rKAn0oRy-9dcXyKPtNbk70QOPib0Tgs1tmimPG1eIlT8XMmHDTYtm87txESfE7LzXD5-jrQ0Ehuh-wZYvn8urMiJ5wceOqpww6d39a-lgJgU3pLve0gc8SaF9vz5WDi6am1zpm0XmWaMI0Y/s348/para%20ella%20un%20solo%20hombre.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="348" data-original-width="250" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHTrueoG_uzzC7UrwHJZY-wFs04_PML2Bwmeq9a5bh6rKAn0oRy-9dcXyKPtNbk70QOPib0Tgs1tmimPG1eIlT8XMmHDTYtm87txESfE7LzXD5-jrQ0Ehuh-wZYvn8urMiJ5wceOqpww6d39a-lgJgU3pLve0gc8SaF9vz5WDi6am1zpm0XmWaMI0Y/s320/para%20ella%20un%20solo%20hombre.jpg" width="230" /></a>Seis años después de <b><i>I’ll
See You in My Dreams</i></b>, Michael Curtiz vuelve al mundo de la música
popular, a los años veinte, a la revista, a Broadway y al éxito que significa
trabajar para el mito que fue Florenz Ziegfeld, y lo hace con el <i>biopic</i>
de Helen Morgan, una cantante legendaria estadounidense.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Mal traducida en España, (<b><i>Para
ella un solo hombre</i></b>), <i>The Helen Morgan Story</i> está protagonizada
por Ann Blyth (su último largometraje) y cuenta con una pareja
estelar encabezando el reparto: nada menos que Paul Newman. La cinta sigue de
nuevo el auge y la progresiva caída de la protagonista, hasta llegar a un final
tan emocionante ––y tan calcado–– como el de <b><i>I’ll see you in my dreams</i></b>.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">No obstante, la historia de Helen
Morgan trata, en realidad, de las idas y venidas de un triángulo formado por Helen,
por el poco recomendable Larry Maddux (Paul Newman), un pendenciero aficionado
a los trapicheos, en especial al contrabando de alcohol en la época de la prohibición,
y por el eminente abogado Russell Wade (Richard Carlson), un hombre casado y
muy rico que apostará por la estrella emergente.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Ko74E7gQ_a_f6h7x6XKJSVlIXBxae26uQESfQU95nMskbwPF-ayzv-_-muBC14t3iv6BIlI3_zQ2HRjdFwH9m8lhyBqI5owRIukyi4-wtJphoV1DTP2csQ-p4fTCMqGe0w2wD2dF83sLHe3piBFeEhofR9kTP7oXA19FT5qS1CS5RsLD2hL0ICZD/s450/para%20ella%20un%20solo%20hombre1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="190" data-original-width="450" height="169" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg3Ko74E7gQ_a_f6h7x6XKJSVlIXBxae26uQESfQU95nMskbwPF-ayzv-_-muBC14t3iv6BIlI3_zQ2HRjdFwH9m8lhyBqI5owRIukyi4-wtJphoV1DTP2csQ-p4fTCMqGe0w2wD2dF83sLHe3piBFeEhofR9kTP7oXA19FT5qS1CS5RsLD2hL0ICZD/w400-h169/para%20ella%20un%20solo%20hombre1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">De nuevo las canciones son lo
mejor de una cinta donde brillan la voz de Ann Blyth (doblada por Gogi Grant).
La película es mucho más dramática que la anterior debido al citado triángulo
amoroso y, sobre todo, a la caída de la cantante, que es mucho más acusada. Circunstancia
que aprovecha Curtiz para manejar escenas nocturnas de calles mojadas, donde reinan
los claroscuros y la luz de bajo tono, mientras Helen es arrojada,
literalmente, al arroyo.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En <b><i>The Helen Morgan Story</i></b>
aparecen personajes que ya estuvieron en <b><i>I’ll See You in My Dreams</i></b>,
como Florenz Ziegfeld, y suenan canciones que ya se escucharon en dicha
película como “The One I Love (Belong To Somebody Else)”. También se cuenta cómo
Helen llega a la cima de su carrera cuando actúa para Ziegfeld en la famosa
revista “Show Boat”, aquí llamada “Magnolia” y recreada en varias ocasiones en
el cine. Todo suena muy familiar, pero es bienvenido en una cinta tan entrañable
como emocionante.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/uk__dHQWfys" title="YouTube video player" width="560"></iframe><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/Cementerio-Babel-conclusi%C3%B3n-sorprendente-recortada-ebook/dp/B07TS3NFPL/ref=asap_bc?ie=UTF8" target="_blank"><img border="0" data-original-height="131" data-original-width="792" height="65" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlVz-pY3yGZX-CBh6FR08cdqhBLs6aFLkEHQtkDsoIoMD7tyfgfpwPdmPDM_OVGlxiqcZjRAf1ii3Vv-odyaetPn8Pkr-f-pNw6X-VRwCelJcA1BsLFmz8s0674Rv5Jj_B4LaMYSCtpsM/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com30tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-71498793663713100752023-05-29T11:56:00.002+02:002024-01-29T18:58:19.380+01:00MASTER AND COMMANDER. AL OTRO LADO DEL MUNDO (Master and Commander: The Far Side of the World de Peter Weir, 2003)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both;">Daba la impresión de que en 2003 se volvía atrás en el tiempo, a la edad dorada de Hollywood cuando los grandes estudios apostaban por las películas de género. Igual que en dicha época, <b><i>Master and Commander</i></b> se basó en los libros de un autor muy conocido, en este caso Patrick O’Brien, escritor de novelas históricas del estilo de Rafael Sabatini o C.S. Forester. </div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghtaw-sNbHtGseZjbXNhw46PTOtU3V6OlCsgvoWURyC49-fvw10pg8yt4qXrF98vyaUyyX3qLn6bF5XHp6Wm5oGjnFIRQvg7JEa_setOYTYg3zMcm4hBpEKzSzpbd7mFqMUAHsJEwODJLBlIAfm4iKmZqf2jFzEbeMNl8ERMVi7vQDKC97Xedj_SHs/s755/masterandcommander.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="755" data-original-width="503" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEghtaw-sNbHtGseZjbXNhw46PTOtU3V6OlCsgvoWURyC49-fvw10pg8yt4qXrF98vyaUyyX3qLn6bF5XHp6Wm5oGjnFIRQvg7JEa_setOYTYg3zMcm4hBpEKzSzpbd7mFqMUAHsJEwODJLBlIAfm4iKmZqf2jFzEbeMNl8ERMVi7vQDKC97Xedj_SHs/w266-h400/masterandcommander.jpg" width="266" /></a></div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Desde el principio el filme se planteó como una película de autor donde el director era a la vez productor y guionista. Para un cineasta tan personal como Peter Weir esta circunstancia sólo tuvo consecuencias positivas. De entrada, el realizador hizo los cambios pertinentes a las novelas de O’Brien para hacerlas suyas, para idear una trama original que tratase los temas que le interesaban:</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Estamos en abril de 1805, Napoleón es el amo y señor de Europa y sólo Inglaterra le hace frente. La fragata británica “Surprise”, al mando del capitán Jack Aubrey (Russell Crowe), navega en aguas de Brasil. Su misión es interceptar al corsario francés “Acheron”. Con Jack navega su amigo de siempre, el doctor Maturin (Paul Bettany), médico ilustrado y naturista con ideales bastante más progresistas que los del conservador Aubrey. Después de dos breves, pero intensos encuentros con el “Acheron”, que ponen de manifiesto la superioridad del barco francés, la “Surprise” se adentra en el Pacífico y llega a las islas Galápagos...</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Para confeccionar el guion, Weir eligió la primera y la décima de las novelas de la saga: “Master and Commander” y “The Far Side of the World”. De la primera extrajo los dos enfrentamientos con el “Acheron”, y de la segunda la estructura de la película que se basa en la persecución en aguas del Pacífico. La diferencia principal entre el guion y los libros de O’Brien radica en el rival a batir, ya que en la época en la que se desarrolla la trama del segundo libro (1812) Inglaterra se encontraba en guerra contra Estados Unidos y no contra Francia. El cambio de enemigo de un corsario americano a uno francés se entiende debido a la nacionalidad estadounidense de la película. Además, 1805 como referencia histórica es mucho más interesante debido a la proximidad de la batalla de Trafalgar y al giro que le dio a toda la guerra cuando se impidió la invasión francesa del Reino Unido.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Aparte del cambio obligado de enemigo debido a la audiencia, el resto de aportaciones del director al guion son más personales y tienen que ver con su excelente filmografía. Películas donde destaca el contraste entre dos mundos y la disparidad entre los distintos personajes de sus filmes como reflejo de lo anterior. En <b><i>Master and Commander</i></b> las personalidades de Jack y Maturin, inglés e irlandés, son casi opuestas. Mientras el primero dedica su vida al honor y al deber como oficial de la armada que es, el segundo no cree en la violencia y sostiene que se puede discutir la autoridad. Maturin le echa en cara a su amigo el que se mueva más por orgullo que por obediencia. </div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggRbDAU6IahhRSmIlNl2suqY5Ns5SSugMzSVAAp9DP7Kl9_AaIh_oROMqYUV1v0cPiOhptfgOLaMs8FLgsieyZVRas0CdoyimHQ8w38KkUy2xjTJ4-dKEhFAhKH3FfSqx-AmlBmvuQWFNPho4EFwDZH6dn3svEtGV-q6u054ERSWxmdrI1mfzeqR72/s1366/master%20and%20commander.jpeg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="768" data-original-width="1366" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEggRbDAU6IahhRSmIlNl2suqY5Ns5SSugMzSVAAp9DP7Kl9_AaIh_oROMqYUV1v0cPiOhptfgOLaMs8FLgsieyZVRas0CdoyimHQ8w38KkUy2xjTJ4-dKEhFAhKH3FfSqx-AmlBmvuQWFNPho4EFwDZH6dn3svEtGV-q6u054ERSWxmdrI1mfzeqR72/w400-h225/master%20and%20commander.jpeg" width="400" /></a></div><br /><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Algo de cierto hay en los reproches del médico cuando Jack no ceja en el empeño de perseguir al “Acheron” aunque eso suponga poner en peligro la vida de su tripulación; todo con tal de dar caza a un barco mucho más poderoso que la fragata. Sólo cuando Maturin cae enfermo, Jack da su brazo a torcer y abandona la caza. Al final, Peter Weir nos dice que la amistad lo puede todo; que es capaz de hacer a los hombres más tolerantes. Así, Maturin pasa por encima de sus ideas y se une a Jack en el combate con tal de ayudar a su amigo; éste también cede y deja al doctor que gaste tiempo en investigar la flora y la fauna de las Galápagos, y hasta utiliza los conocimientos sobre la evolución de las especies para aplicarlos en la batalla final.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Los dos amigos son por encima de todo, eso, amigos, y ni la guerra ni los diferentes puntos de vista impedirán que se reúnan en los ratos de ocio para tocar música clásica. Las secuencias en las que el capitán practica con el violín y el médico con el violonchelo —toque de flema británica estilo Holmes y doctor Watson— son un alto en el camino no sólo para los personajes, sino también para el espectador que se deleita escuchando la música de Mozart o Boccherini aunque ésta finalmente se mezcle con el sonido de los tambores que tocan a zafarrancho de combate. Peter Weir, director detallista y concienzudo, aparece aquí con toda su fuerza: la ambientación de la película es extraordinaria. La vida a bordo de una fragata de comienzos del siglo XIX debía ser como la imagina el lector de las novelas de O’Brien, que es exactamente como la presenta Weir en pantalla.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Gracias a las distintas subtramas presentes en <b><i>Master and Commander</i></b>, la película contiene todos los elementos que caracterizan este tipo de filmes: combates navales; amago de motín repelido con castigos en cubierta; descripción de un viaje de exploración e investigación (Maturin llega a anticipar las teorías de Darwin descubiertas en los viajes del “Beagle”), etc. Además resulta una película apta para toda la familia donde los jóvenes guardiamarinas, unos niños, viven la aventura junto a su comandante al que admiran, persiguen al enemigo como si estuvieran participando en una regata, pero mueren en combate igual que los adultos.</div><div class="separator" style="clear: both;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both;">Un largometraje que es una loa a la amistad, pero también al amor por los barcos tal como nos dice aquella escena en la que Jack, tras la batalla, toca el mamparo de la cámara de oficiales en el lugar donde ha impactado un proyectil enemigo. El capitán acaricia la astillada madera como si fuera —que es— una herida de guerra mientras asegura que el barco no es tan viejo, que no existe en el mundo mejor fragata que la “Surprise”.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/CAHnATci56k" title="YouTube video player" width="560"></iframe></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><span>El post es un extracto corregido para la ocasión del capítulo dedicado a <b><i>Master and Commander</i></b></span><span> en mi libro: </span><a href="https://www.fernandodecea.com/products/cine-y-navegacion-los-7-mares-en-70-peliculas/" target="_blank">CINE Y NAVEGACIÓN. Los 7 mares en 70 películas<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></a><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div><div style="text-align: center;"><a href="https://www.amazon.es/dp/8416750491/" target="_blank"><img border="0" data-original-height="332" data-original-width="1600" height="82" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjyQpWeKUCG9r1P0pfeu5NDBbytPcj2vPCLlY5GDoKGRBsCWFlbCBHctkYiwDHhfHud__Q_c4rlw1H3G-np0VweMeOJZvPMO_8dPsfvNI1m9FtVb6WK3Q0c4mMKpjRh8_SOoFZWY-xh0jE/s400/cine+y+navegacion.jpg" width="400" /></a></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div><div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com48tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-34708743572147042482023-05-14T10:00:00.003+02:002024-01-29T18:58:37.146+01:002 X 1: "PRIVATE DETECTIVE 62" y "MATANDO EN LA SOMBRA" (Michael Curtiz) (I)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Private Detective 62 </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(1933)</span><span style="font-size: 20pt;"> </span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdTnPhRC2JmJF6nAB991P_5QTULmybsXLUX_L5sV-2AZQ7vPOQKXPz-tvRGGvTnLWOjK2wAWW7NsYyQ3Y9lOM0yxpUR-1rWCJqbNOfJOKT2LkW99oMHPtohXHsIrTlDqG6A5dovcH90JvHVF9n21T4-T_3eB5UEFShNT2_exzU3oZY5JzsRVKiibfw/s450/private%20detective%2062.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="299" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdTnPhRC2JmJF6nAB991P_5QTULmybsXLUX_L5sV-2AZQ7vPOQKXPz-tvRGGvTnLWOjK2wAWW7NsYyQ3Y9lOM0yxpUR-1rWCJqbNOfJOKT2LkW99oMHPtohXHsIrTlDqG6A5dovcH90JvHVF9n21T4-T_3eB5UEFShNT2_exzU3oZY5JzsRVKiibfw/s320/private%20detective%2062.jpg" width="213" /></a>El
gran director Michael Curtiz tuvo una de las filmografías más extensas y de
mayor calidad del universo cinematográfico que ahora llamamos cine clásico. De todas
sus películas destacan aquellas que dirigió en el seno de la <i>Warner Brothers</i>.
De origen húngaro, Curtiz llamó la atención de Jack Warner allá por los años
veinte cuando veía lo bien que se desenvolvía el realizador en Austria dirigiendo
<span style="color: #464646;">películas épicas (<b><i>Esclava Reina</i></b>, <b><i>Sansón
y Dalila</i></b>, <b><i>Sodoma y Gomorra</i></b>, etc.). Cuando lo contrató, el
productor seguramente ya tenía en mente encargarle <b><i>El arca de Noé</i></b>
(<i>Noah’s Ark</i>, 1928), una cinta estilo DeMille con la que prácticamente se
decía adiós al cine mudo.<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><span style="color: #464646;">Pero a Curtiz no solo se le daban bien las superproducciones,
enseguida demostró su habilidad para todo tipo de estructuras narrativas. Se
quedó en la Warner y ellos que salieron ganando. Dos ejemplos de aquellos
filmes tan bien realizados son los policíacos que dirigió en los primeros años
treinta con William Powell de protagonista:</span></p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">En
<b><i>Private Detective 62</i></b>, el primero de ellos, Powell es Donald Free,
el detective privado del título. Después de haber caído en desgracia por haber
sido declarado persona non grata en Francia, Free tampoco tiene demasiada
suerte al asociarse con Dan Hogan, un colega con pocos escrúpulos, que sigue
las instrucciones del dueño de un casino. Free reacciona cuando Hogan y el
mafioso planean engañar a una joven a la que el segundo debe mucho dinero.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCDjIxVwwQhDh0YWCmA2YvJaK12J75Q7ATOYrBzcuSATPIP_UKKeoTqat3B1knG702sSp38cG6vrYxQHDRfNgGfiS8HVvgmjlu8uNaj7rStxlD_CpiQJQ0r5sYk8a1gP8QmOpjgccDr1p-jDGxO6zCXluSVGOZ7KVa-XpDbt9EjoSSE-oMqOtMmWa3/s564/private%20detective%20621.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="449" data-original-width="564" height="319" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgCDjIxVwwQhDh0YWCmA2YvJaK12J75Q7ATOYrBzcuSATPIP_UKKeoTqat3B1knG702sSp38cG6vrYxQHDRfNgGfiS8HVvgmjlu8uNaj7rStxlD_CpiQJQ0r5sYk8a1gP8QmOpjgccDr1p-jDGxO6zCXluSVGOZ7KVa-XpDbt9EjoSSE-oMqOtMmWa3/w400-h319/private%20detective%20621.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">Entretenido
filme, que Curtiz realiza sin muchos medios, al estilo de las películas de
serie B, pero con un ritmo muy rápido, una narrativa casi perfecta y un dominio
de las elipsis prodigioso. Así, Curtiz es capaz de pasar de un país a otro en pocas
secuencias mientras el protagonista se mete en problemas, lo detienen, lo
juzgan, viaja en un barco, escapa de él y busca trabajo. </p><p class="MsoNormal">El caso de Curtiz no deja de ser curioso
porque le sucedió lo contrario que a la mayoría de directores: de especialista
en rodar largometrajes colosalistas, con grandes medios, superproducciones costosas
del cine mudo, pasó a dirigir películas de escaso presupuesto, policíacos,
dramas, comedias, cintas de aventuras, es decir, de cualquier género, pero
siempre con su sello de realizador imaginativo, que manejaba ⸺y acaso
inventaba⸺ todos los recursos cinematográficos para convertirse en uno de los
que cambió el cine norteamericano para siempre.</p><p class="MsoNormal"><br /></p></div><p style="background: white; margin: 6pt 0cm;"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal"><b><i><span style="font-size: 20pt;">Matando en la sombra </span></i></b><span style="font-size: 20pt;">(The
Kennel Murder Case, 1933)<o:p></o:p></span></p>
<p class="MsoNormal"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5TwANEXpF7iaxKMQERp1U8DDJ18I05jjLWW9ioFalDEFo0h5yyK1A9F8NPNIHnDb6HCJ00WzdGUVRSdXHl4mCG1lte2Slj9yp7AQKp5bRaMWeyY7LSEqfDP3hhIXxFUnjluAf-lZ6UvOm9H8wLdTOeTGaf7DDwmyCA1sO47aMFsFYRDBf0vOWFm9i/s471/matando%20en%20la%20sombra.jpg" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em; text-align: center;"><img border="0" data-original-height="471" data-original-width="329" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg5TwANEXpF7iaxKMQERp1U8DDJ18I05jjLWW9ioFalDEFo0h5yyK1A9F8NPNIHnDb6HCJ00WzdGUVRSdXHl4mCG1lte2Slj9yp7AQKp5bRaMWeyY7LSEqfDP3hhIXxFUnjluAf-lZ6UvOm9H8wLdTOeTGaf7DDwmyCA1sO47aMFsFYRDBf0vOWFm9i/s320/matando%20en%20la%20sombra.jpg" width="224" /></a>El segundo de los filmes que
Curtiz dirigió en 1933 con William Powell al frente del reparto fue <b><i>Matando
en la sombra</i></b>, adaptación para la gran pantalla de la novela homónima de
S.S. Van Dine, creador del personaje protagonista, el detective Philo Vance:</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Vance sospecha que el suicidio de
un magnate y coleccionista de cerámica china es en realidad un asesinato. La
lista de sospechosos (la sobrina, la amante, la pareja de la amante,
el secretario, el cocinero chino, el mayordomo que no falte, el hermano, etc.) es extensa debido
al mal carácter del finado y a sus chanchullos comerciales, pero la solución
del caso se presenta complicada, ya que la víctima se hallaba en un cuarto
cerrado por dentro.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">Entretenida trama donde todos tenían
motivos para matar a la víctima; donde un jarrón chino y una daga son las
claves del misterio; y donde la policía se deja aconsejar ⸺y mandar⸺ por un
detective famoso, al estilo de las novelas de Sherlock Holmes o Agatha
Christie.</p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal" style="text-align: center;"><o:p> </o:p><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6CKaa7FQ6uiqsNFwa-oEGTXXp4DIE_INaJysjfZXTvgUCBcS0pZvPppXJXnvlSuruHxsCLuWmfOfqcfYWkjAnw3cSqTC33GJRIM4uGaw5QCkIz4aQBVsk1a9FL30z5WDt2q7at15kT6JJ7d_jUmbXTmaSMYoQ8g5c9uUngs5m9YT3Dk5ejI3LKQGu/s1280/matando%20en%20la%20sombra1.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="720" data-original-width="1280" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6CKaa7FQ6uiqsNFwa-oEGTXXp4DIE_INaJysjfZXTvgUCBcS0pZvPppXJXnvlSuruHxsCLuWmfOfqcfYWkjAnw3cSqTC33GJRIM4uGaw5QCkIz4aQBVsk1a9FL30z5WDt2q7at15kT6JJ7d_jUmbXTmaSMYoQ8g5c9uUngs5m9YT3Dk5ejI3LKQGu/w400-h225/matando%20en%20la%20sombra1.jpg" width="400" /></a></p>
<p class="MsoNormal">La cinta es un ejemplo del típico
misterio <i>locked-room</i> o habitación cerrada, también llamado “crimen
imposible”. Es, sin duda, la mejor de la larga serie de películas que se
realizaron sobre la figura del detective Philo Vance ⸺en 1940 se hizo un <i>remake</i>
titulado <b><i>Calling Philo Vance </i></b>(William Clemens)⸺; <b><i>Matando en
la sombra</i></b> es la quinta de la saga, la cuarta y última protagonizada por
William Powell, y la única dirigida por Michael Curtiz, con su acostumbrada
maestría.<o:p></o:p></p>
<p class="MsoNormal">La película es un <i>pre-noir</i>
donde ya hay algunos estilemas del género que se desarrollaría en los años
cuarenta, con la presencia de William Powell ⸺y de Mary Astor, futura <i>femme fatale</i>⸺
un año antes del éxito <b><i>La cena de los acusados</i></b> (<i>The Thin Man</i>,
W.S. Van Dyke, 1934), que iniciaría otra larga serie de películas inolvidables con
Powell, Myrna Loy y el perrito Asta, que por cierto también actúa en <b><i>Matando
en la sombra</i></b>.</p><p class="MsoNormal"><br /></p><p class="MsoNormal"><o:p></o:p></p><iframe allow="accelerometer; autoplay; clipboard-write; encrypted-media; gyroscope; picture-in-picture; web-share" allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/K40yOrmRJIY" title="YouTube video player" width="560"></iframe><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div><div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://www.amazon.es/HABITACI%C3%93N-thriller-suspense-inesperado-recortada-ebook/dp/B07Y2B7N5L/ref=asap_bc?ie=UTF8" target="_blank"><img border="0" data-original-height="133" data-original-width="794" height="66" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrwHrRpoABxQObZQMc5MLguZNHSAc3EW3_1F1hvYKsA6hieQD7UDPO-sq4ErAdVNj4XSLAOn8xBJIiYx_W85dW3Q3HzrE_1i5u1eHq_9jNMCvCJUu1aFF2vQJPckPXKu72vBovakSBujk/s400/banner.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com31tag:blogger.com,1999:blog-7135144468733022269.post-54410241161193040252023-04-30T12:42:00.005+02:002024-01-29T18:59:50.026+01:00EL AUTOREMAKE EN EL CINE. CAPÍTULO V (XIV)<div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Raoul Walsh organiza <b><i>Tambores lejanos</i></b> con
pocas diferencias en la estructura con respecto a <b><i><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objetivo: Birmania</a></i></b>: un pequeño grupo liderado por un valiente jefe
que se interna en territorio hostil, que cumple su misión, pero que no puede
regresar como estaba previsto y tiene que volver caminando por una intrincada
jungla, hostigado por los enemigos. No sólo el planteamiento general es igual,
también existen similitudes en elementos más concretos: hay una invasión en
marcha; Wyatt divide sus fuerzas; la mitad de la tropa es torturada y asesinada
por los indios; al final se desarrolla una batalla nocturna en las trincheras,
etc. </p><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgb8l5HbEBSNqZF6keAQFYQRQ5SD0rGGN4cF1PDlLM_6XkMbcgycVkItWuubIDYXMtzxTScWtQccwZMIO0PDcHHJbhTiOkpAN3I2sd6OYXbcph9SxEMz6PKxne3e_bRF9dpdaqGKPSh9OEcg5aqkPaa7lCB1d742wu2ifCdAS3xKNdQDEVzY1ad5sNR/s970/5.37%20y%205.38.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="970" height="154" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgb8l5HbEBSNqZF6keAQFYQRQ5SD0rGGN4cF1PDlLM_6XkMbcgycVkItWuubIDYXMtzxTScWtQccwZMIO0PDcHHJbhTiOkpAN3I2sd6OYXbcph9SxEMz6PKxne3e_bRF9dpdaqGKPSh9OEcg5aqkPaa7lCB1d742wu2ifCdAS3xKNdQDEVzY1ad5sNR/w400-h154/5.37%20y%205.38.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;"><span style="text-indent: 18pt;">Tan afines son ambas películas que Walsh no sólo repite secuencias sino
que vuelve a planos como los del ataque a la aldea enemiga (la aproximación es
semejante, también el lanzamiento del cuchillo al centinela y la impresión que
les causa a los militares el descubrimiento de sus compañeros asesinados que,
en este caso, han servido de alimento a los caimanes); o los del grupo que
vadea el pantano, cada vez más hundido en el agua a medida que aumenta el peligro
(5.37 y 5.38 en vez de 5.31 y 5.32).</span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">En <i><b>Distant Drums</b></i>, Walsh también persiguió
el mayor realismo posible. A diferencia de lo sucedido en el rodaje de la cinta
bélica, aquí sí filmó los exteriores en el mismo lugar donde acontecieron los
hechos: en los Everglades de Florida, en Silver Springs y en San Agustín, en el
castillo de San Marcos, una fortaleza española del siglo diecisiete enclavada
en los pantanos. No contento con la fauna que le proporcionaban las localizaciones,
el director mandó traer serpientes desde California para acompañar a los caimanes
de Florida en el acoso a los soldados. </p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Aunque el verdadero peligro, tanto en la
ficción como en la realidad, lo representaban los indios seminolas. Una tribu
especialmente beligerante con el hombre blanco, que tiene el orgullo de ser la
única que no ha llegado a firmar la paz con los estadounidenses.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> Walsh los filma más
exóticos de lo normal para sacar mayor rendimiento a la fotografía en color:
como si fueran mayas o aztecas, sus pinturas de guerra y las ropas que visten
en algunas escenas se hacen eco de la rica variedad cromática de la selva,
mientras en otras contrastan con ella (5.39). </p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-align: center; text-indent: 18pt;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXXEiA8EPL-6CvKX_p2VWkjq_9juvg0LOLvaG7gqTOOD3XfyBAzPG-9YkC2v5fnTFwe4st88tK43q8VKkZNOATqUVyAq3rooCE4rhkko53jZsQEVZ7Fd9rFjsdfS9MfoDnb_F_dIlwHpYt-Hoq8MJkhlcOFfXVdWaxuwuEHBZPW8_uMTjSMStqt1De/s1000/5.39%20y%205.40.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em; text-indent: 0px;"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="1000" height="150" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiXXEiA8EPL-6CvKX_p2VWkjq_9juvg0LOLvaG7gqTOOD3XfyBAzPG-9YkC2v5fnTFwe4st88tK43q8VKkZNOATqUVyAq3rooCE4rhkko53jZsQEVZ7Fd9rFjsdfS9MfoDnb_F_dIlwHpYt-Hoq8MJkhlcOFfXVdWaxuwuEHBZPW8_uMTjSMStqt1De/w400-h150/5.39%20y%205.40.jpg" width="400" /></a></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Desde luego, son indios que se
alejan del estereotipo del nativo medio desnudo, el que se suele identificar
con el paisaje más tradicional del <i>western</i>
desértico. Con ese peculiar enemigo, y con una primera parte que más bien parece
“una de piratas” (la presencia del teniente de la Armada, la navegación por el
lago, el asalto al fuerte colonial, los contrabandistas que protegen la
fortaleza (5.40), etc.), <i><b>Tambores lejanos</b></i>
es un <i>western </i>tan atípico como original;
una película sin caballos, que se desarrolla en la selva y que trata un tema
que ha sido llevado muy pocas veces al cine, el de las guerras con los seminolas.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span> </p>
<p class="MsoBodyText" style="line-height: 200%; text-indent: 18pt;">Igual que en <i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2022/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-ix.html" target="_blank">Objetivo: Birmania</a></b></i>, la estrella de la
película, Gary Cooper, también se quejó de lo duro del rodaje; si bien sus
declaraciones no fueron siempre tan críticas como las de Errol Flynn. Mientras
por un lado aseguraba que “había donado un galón de su mejor sangre a los
mosquitos y sanguijuelas”, por otro, confesaba que había aprovechado los
parones entre rodajes para buscar caracolas, para jugar al golf y relajarse en
un lugar ideal para descansar lejos de la civilización (Meyers 2001, p. 238).
Independientemente de las agotadoras —o no tanto— condiciones de la filmación,
la relación entre Cooper y Walsh fue casi mejor que la que existió entre Flynn
y el realizador, seis años atrás. De hecho, el director estaba encantado de
poder contar con la colaboración del actor, con el que siempre había querido
trabajar.<span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="color: #464646; font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-font-size: 7.0pt; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span><o:p></o:p></p>
<div><!--[if !supportFootnotes]--><p class="MsoBodyText" style="line-height: 32px; text-indent: 18pt;"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 12pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;"><i><b><a href="https://elblogdeethan.blogspot.com/2023/06/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-xv.html" target="_blank">Seguir leyendo...</a></b></i></span></p><p class="MsoBodyText" style="line-height: 32px; text-indent: 18pt;"><i><b><a href="http://elblogdeethan.blogspot.com/2021/04/el-autoremake-en-el-cine-capitulo-v-i.html" target="_blank">Leer el capítulo desde el inicio.</a></b></i></p>
<hr align="left" size="1" width="33%" />
<!--[endif]-->
<div id="ftn1">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[1]</span></span><!--[endif]--></span> Walsh
presumió de ser el primero en rodar en esos parajes y de contar con verdaderos
seminolas como extras, aunque según él, “no era el pueblo más fácil de
domesticar e incluso me llegaron a amenazar de muerte” (Walsh citado en Moss
2011, p.312).<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn2">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[2]</span></span><!--[endif]--></span> Se
nos ocurre el largometraje de Budd Boetticher, <i><b>Traición en Fort King</b></i> (<i>Seminole</i>,
1953) y pocos más.<o:p></o:p></p>
</div>
<div id="ftn3">
<p class="MsoFootnoteText"><span class="MsoFootnoteReference"><!--[if !supportFootnotes]--><span class="MsoFootnoteReference"><span style="font-family: "Times New Roman",serif; font-size: 10pt; mso-ansi-language: ES; mso-bidi-language: AR-SA; mso-fareast-font-family: "Times New Roman"; mso-fareast-language: ES;">[3]</span></span><!--[endif]--></span> Se
llevaban estupendamente, solían cazar y pescar juntos. Walsh llegó a decir:
“nunca he conocido a un hombre más bueno que Gary Cooper, o lo que es lo mismo,
a un amigo mejor” (Moss 2011, p. 311). <o:p></o:p></p>
</div>
</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: justify;"><br /></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div></div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/el-autoremake-en-el-cine-obsesion-o-repeticion-/" target="_blank"><img border="0" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjm2YbWDzJHR6mD7VeqC-c7xB4apQdGuvGGya9sRe81zGEt002fIcV9FqtzUlJFuxGXj7E2DwrudlFNy-BMlLYxV1wXMfZ8RICCvY10jvlpLdG9IBzhd2SmbC6cQDsVOp5aQpBdnNkS-7k/s1600/banner2.jpg" style="display: block; height: 78px; margin: 0px auto 10px; text-align: center; width: 400px;" /></a></div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
</div>
<div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/products/puentes-y-sombras/"></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><br /></div>
<div style="clear: both; text-align: center;">
<a href="http://www.fernandodecea.com/">www.fernandodecea.com</a></div>
</div>
</div>
ethanhttp://www.blogger.com/profile/03278097545906031491noreply@blogger.com30