PALMARÉS DEL XIII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA

Último día el de ayer en el XIII Festival de Cine Europeo de Sevilla. Con el palmarés ya en la mano, asistimos a la proyección de Land of Mine, una de las cintas que más prometían dentro de la categoría de la European Film Academy. Sin premio alguno en el certamen, pero con el puesto honorífico de haber sido la segunda más votada por el público (la primera, como veremos, fue la excelente Toni Erdmann), la expectación era máxima y el público que aún no la había visto llenó la sala.

Land of Mine (Bajo la arena se subtituló aquí) es la historia de un grupo de prisioneros alemanes tras el final de la Segunda Guerra Mundial. Diez niños (así eran los últimos soldados reclutados para defender el III Reich) obligados a limpiar de minas las playas danesas. Con un sargento aliado bajo su cargo, los adolescentes sufrirán las consecuencias de la guerra, una más; un episodio poco conocido, pero igual de cruento que la más terrible batalla, con el agravante de haber ocurrido en tiempo de paz.

Con el buen sabor de boca de la visión de esta impresionante película del danés Martin Zandvliet damos por terminada nuestra crónica, no sin antes dar cuenta del palmarés de la presente edición:

GIRALDILLO DE ORO | GOLDEN GIRALDILLO

Película: MA LOUTE (Francia, 2016)
Dirigida por: Bruno Dumont

Premio ESPECIAL DEL JURADO | SPECIAL JURY Award

Película: MIMOSAS (España, Marruecos, Francia, Qatar 2016)
Director: Oliver Laxe
  

Premio Mejor DIRECCIÓN | Best DIRECTION Award

Película: STAYING VERTICAL (RESTER VERTICAL) (Francia, 2016)
Director: Alain Guiraudie

Premio al Mejor GUIÓN | Best SCREENPLAY Award

Película: LE FILS DE JOSEPH (Francia, Bélgica 2016)
Escrita por: Eugène Green
   

Premio a la Mejor ACTRIZ | Best ACTRESS Award

Película: MA LOUTE (Francia, 2016)
Actriz: Raph
  

Premio al Mejor ACTOR| Best ACTOR Award

Película: LE FILS DE JOSEPH (Francia, Bélgica 2016)
Actor: Victor Ezenfis
  

Premio a la Mejor DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA
Best CINEMATOGRAPHY Award

Película: AMERICAN HONEY (Reino Unido, EEUU, 2016)
Director de Fotografía: Robbie Ryan
  

MENCIÓN ESPECIAL AL MEJOR SONIDO Y MONTAJE
SPECIAL MENTION TO BEST SOUND DESIGN AND EDITING

Película: MIMOSAS (España, Marruecos, Francia, Qatar 2016)
Director: Oliver Laxe
   

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN LAS NUEVAS OLAS
NEW WAVES SECTION BEST FILM AWARD

Película: THE SUN, THE SUN BLINDED ME (Polonia, Suiza 2016)
Dirigida por: Anka Sasnal y Wilhelm Sasnal
   

PREMIO ESPECIAL LAS NUEVAS OLAS | SPECIAL AWARD NEW WAVES

Película: ALBÜM (Turquía, Francia y Rumania, 2016)
Dirigida por: Mehmet Can Mertoğlu

MENCIÓN DE HONOR | HONOR MENTION

Película: DAYDREAMS (L'INDOMPTÉE) (Francia, 2016)
Director: Caroline Deruas
 

PREMIO LAS NUEVAS OLAS NO FICCIÓN | NEW WAVES NON FICTION AWARD

Película: PARADISE! PARADISE! (Austria, 2016)
Dirigida por: Kurdwin Ayub
  

PREMIO EURIMAGES A LA MEJOR COPRODUCCIÓN EUROPEA
EURIMAGES AWARD TO THE BEST EUROPEAN COPRODUCTION

Película: TONI ERDMANN (Alemania, 2016)
Dirigida por: Maren Ade
 

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA COMPETICIÓN OFICIAL RESISTENCIAS
BEST FILM AWARD OF THE RESISTANCES OFFICIAL COMPETITION

Película: LOS OBJETOS AMOROSOS (España, 2016)
Dirigida por: Adrián Silvestre David

Película: DIÁS COLOR NARANJA (España, 2016) - Las Nuevas Olas
Dirigida por: Pablo Llorca

GRAN PREMIO DEL PÚBLICO | GRAND AUDIENCE AWARD

Película: TONI ERDMANN (Alemania, 2016)
Dirigida por: Maren Ade
 

PREMIO GIRALDILLO JUNIOR | JUNIOR GIRALDILLO AWARD

Película: AVES DE PASO (LES OISEAUX DE PASSAGE) (Bélgica, Francia 2015)
Dirigida por: Olivier Ringer
 

PREMIO FUNDACIÓN SGAE AL MEJOR CORTOMETRAJE PANORAMA ANDALUZ
THE BEST ANDALUSIAN PANORAMA SHORT FILM SGAE AWARD

Película: UN BILLETE A NUNCA JAMAS (España, 2016)
Dirigida por: Jorge Naranjo
 

PREMIO ESPECIAL FUNDACIÓN SGAE A LA CATEGORÍA ARTÍSTICA DE DIRECCIÓN
SPECIAL SGAE AWARD FOR ARTISTIC CATEGORY TO THE DIRECTION

Película: LA VIDA SIGUE IGUAL (España, 2016)
Director: Mateo Cabeza

PREMIO ASECAN A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN OFICIAL
OFFICIAL SECTION ASECAN BEST FILM AWARD

Película: GODLESS (Bulgaria, Dinamarca, Francia, 2016)
Dirigida por: Ralitza Petrova
  

III PREMIO OCAÑA A LA LIBERTAD | 3rd OCAÑA AWARD TO FREEDOM

Película: HEARTSTONE (Islandia, 2016)
Dirigida por: Guðmundur Arnar Guðmundsson

Visto el palmarés y analizado por la crítica internacional y el público, la valoración de los distintos jurados ha sido más contestada que en anteriores ocasiones. La primera sorpresa es la ganadora del festival, Ma Loute, película que también se hizo con el premio a la mejor actriz y que da la impresión de que haya nacido para desconcertar a todos. A nosotros no nos parece mala elección la de premiar a un cine tan cercano al surrealismo, pero tan libre en su propuesta. Si bien, esperábamos más de Personal Shopper, cinta que nos encantó y que no dudamos pronto tendrá repercusión en las pantallas de todo el mundo.

Lo que no sorprende en absoluto es la buena acogida por parte de la audiencia de Toni Erdmann, la película que se llevó el otro galardón importante, el del público (por el que compiten los mejores filmes seleccionados por el festival de entre todos los que optan a los premios de la Academia de Cine Europeo). El filme de Maren Ade  también logró hacerse con el premio que otorga el fondo EURIMAGES.

Largometrajes como Mimosas y Le Fils de Joseph (que finalmente nos quedamos sin ver por cuestiones de calendario) fueron otros de los triunfadores al ganar dos importantes premios cada uno: el premio especial del jurado y una mención a los aspectos más técnicos, el primero; y el galardón al mejor guión y el premio al mejor actor, el segundo.

Y esto, en líneas generales, ha sido lo más destacado en el certamen. Ya sólo nos queda un año para volver a disfrutar con las mejores propuestas cinematográficas europeas, en un festival que nos parece adictivo. Tras los 365 días de síndrome de abstinencia prometemos volver para contarles lo que suceda aquí, en la capital andaluza.

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PERSONAL SHOPPER (Olivier Assayas, 2016)

A pocas horas del fallo del jurado, aquí en el XIII Festival de Cine Europeo de Sevilla, ayer pudimos asistir a la que es nuestra apuesta de cara a ganar el Giraldillo de Oro: la última película de Olivier Assayas, admirado director de cine —reconocemos que es nuestra debilidad—, con una carrera tan sólida como la cinta que presentó en persona el propio realizador, minutos antes de la proyección.

Personal Shopper es la historia de Maureen (Kristen Stewart), una joven médium que acaba de perder a Lewis, su hermano gemelo. Antes de continuar con su vida, Maureen espera una señal de Lewis desde el más allá que confirme que hay vida en el otro mundo. Mientras tanto se dedica a su profesión: personal shopper, es decir la encargada de hacer las compras de ropas, joyas y demás efectos a Kyra, una celebridad.

Assayas corrigió a la organización del Festival y aclaró en la sala que él no ganó el premio a mejor director de Cannes por esta película, sino el de mejor puesta en escena (Mise-en-scène). Y dijo que compartía el galardón con Kristen Stewart; excelente actriz que ya confirmó su buen hacer en Café Society donde demostró haber superado y dejado bien atrás Crepúsculo. No obstante, suponemos que de aquella saga algún recurso habrá utilizado ahora como corresponde a una profesional con cierto recorrido. En cualquier caso, Assayas reconoció que los dos crearon la historia de Personal Shopper y que ambos dieron vida al personaje de Maureen. Y es que la película es casi un soliloquio de la actriz; toda la cinta es para ella, y ella es la cinta.

El largometraje, como afirmó el realizador, es una película de fantasmas. Assayas explicó que no cree en fantasmas, pero tampoco en la vida real, sólo en las ideas. Según el director, en realidad todas las películas son de fantasmas. Una opinión que flota en el ambiente de la cinta, a la que es difícil de catalogar. Colgarle el adjetivo de película de terror, o thriller, o drama, sería quedarse corto.

Personal Shopper es ese tipo de filmes de los que no dejas de hablar en días y que tienes que ver varias veces para comprenderlo del todo. Sólo una advertencia para el que tenga la suerte de dar con él: hay que estar atento a todo. Y eso que la puesta en escena es sencilla, en apariencia. Y la realización con largas secuencias perseguidas por la cámara de Assayas y con Stewart en el centro de todo, tampoco parece demasiado complicada. No se dejen engañar. 

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UNITED STATES OF LOVE (Zjednoczone stany milosci de Tomasz Wasilewski, 2016)

De Polonia, pasando por Berlín donde consiguió el Oso de Plata, llega esta cinta del director Tomasz Wasilewski, con serias aspiraciones a llevarse algunos de los premios del presente certamen del Cine Europeo, aquí en la capital andaluza.

De nuevo la mujer es el centro sobre el que pivota esta película episódica. Un largometraje que en realidad son cuatro cortos relacionados entre sí, que abordan otras tantas historias de mujeres centradas en temas casi siempre relacionados con las insatisfacciones amoroso-sexuales.

Mientras Agata tan sólo siente asco por su marido y le atrae el cura de la parroquia, Iza (Magdalena Cielecka) es la directora de un instituto y la amante del padre de una de las alumnas. La hermana de Iza, Marzena, quiere ser modelo a toda costa, y su vecina, Renata aspira a conseguir ser su pareja.

Cuatro historias sórdidas, de amores soterrados, de sexualidad malsana y de cuerpos desnudos, como crudo es el guión. Libreto que encaja perfectamente en un entorno como el de Polonia justo después de la caída del Muro de Berlín. La represión sexual, la falta de libertad, el frío interno y externo, mas los viejos traumas se apelotonan en la salida hacia la libertad, pero no todo parece tan fácil.

Las cintas de vídeo, el aeróbic, la música occidental, son algunas señales de la apertura que viene del Oeste, aunque en la cinta de Wasilewski parezcan tan rancias como la fotografía de baja saturación. No es casual que el tono cromático se sitúe entre el color y el blanco y negro. Un color que no termina por definirse del todo, igual que las vidas de las protagonistas, intentos fallidos de cambio, como si se hubieran quedado encerradas tras el Telón de Acero para siempre.

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MA LOUTE (Bruno Dumont, 2016)

Sin abandonar la Sección Oficial del XIII Festival de Cine Europeo de Sevilla, ayer pudimos asistir con sorpresa a una de las cintas más disparatadas que se han rodado en Europa en los últimos años. La responsabilidad de tan singular obra hay que adjudicársela al director francés Bruno Dumont.

En la costa norte de Francia, en las marismas que dan acceso al Canal, la desaparición de varios turistas ha puesto en guardia a las fuerzas del orden. Una pareja de policías investigan lo que podría ser un caso de asesinatos en serie. Mientras en lo alto del acantilado disfrutan de sus vacaciones estivales la familia Van Peteghem, a nivel del mar pescan los mariscadores de la familia Brufort, que también dedican parte de su tiempo a dar paseos a los turistas.

Nada extraño en una trama que podría ser convencional, sino fuera porque la pareja de policías la forman un obeso mórbido tan inepto como su insignificante compañero, agentes de la ley que se limitan a rodar por las dunas y a constatar que hay un misterio que resolver; sino fuera porque la familia Van Peteghem la forman los personajes más extravagantes que han pisado un plató, que ni siquiera el más delirante Fellini hubiese imaginado; sino fuera porque la familia Brufort son unos degenerados; sino fuera…

Incestos, canibalismo, travestismo, y varios “ismos”  más forman parte de una absurda parodia de crítica social (los de “arriba” y los de “abajo”), de un remedo de Romeo y Julieta cuando la chica/chico (no se sabe bien qué es) de los Peteghem se lía con Ma Loute, el mayor de los Brufort. Historia de amor que quiere dar sentido a una película que si alguna vez lo tuvo, lo pierde para siempre en un momento dado en el que la falta de gravedad suma el surrealismo a una comedia negra con guiños a Hergé (por lo de los policías con bombín) y al citado Federico Fellini.

Actores conocidos (Juliette Binoche, Valeria Bruni-Tedeschi, homenajeada en el festival, Fabrice Luchini) dan rienda suelta a la sobreactuación improvisada que por una vez se encuentra justificada. Algo que imaginamos habrá resultado liberador para profesionales siempre ajustados a guiones más o menos dramáticos. Argumentos que aquí brillan por su ausencia para convertir todo en un disparate saturado de golpes (lo de los golpes es literal: el slapstick que no falte) muy graciosos que hacen sonoras las carcajadas de un público entregado al absurdo; también liberado.

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SÓLO EL FIN DEL MUNDO (Juste la fin du monde de Xavier Dolan, 2016)

Desgarradora la película que pudimos ver ayer en la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla. El director canadiense Xavier Dolan, que viene con un premio en Cannes debajo del brazo, fue certero en su disparo directo a los corazones de los espectadores y creemos que salió triunfante en una proyección donde no se oía una mosca, tan sólo un reloj de cuco.

La cinta es una coproducción Canadá-Francia —de ahí que se presente al certamen—, y trata un tema algo manido en obras de teatro, filmes, series y hasta documentales: las reuniones familiares al cabo de los años y los conflictos que llevan consigo. Una trama que siempre ha dado buenos resultados, incluso magníficos (pensemos en Celebración, Larga jornada hacia la noche o El desencanto, entre muchísimas otras), quizás por el hecho de que el espectador pueda verse reflejado en ella.

A pesar de un argumento tan poco original, Xavier Dolan ha sabido darle una vuelta de tuerca cuando el motivo de la reunión es el regreso del hijo pródigo, Louis, que después de doce años ausente viene con una terrible noticia que dar: tiene una enfermedad terminal; se muere. Louis pronto comprobará que sus problemas en realidad son los más sencillos, tan sólo la muerte, comparados con la complejidad de la convivencia día a día en el seno de la familia que dejó atrás.

La película posee una estructura muy definida, un acto por conversación entre el recién llegado y cada uno de los miembros de la familia: su hermana pequeña, el mayor (Vincent Cassel), la madre (Nathalie Baye) y su cuñada (Marion Cotillard). Sin disimular el origen teatral de la cinta, Xavier Dolan incluye ligeros flashbacks que dan algunas pistas acerca del pasado de esta familia disfuncional, de los buenos recuerdos, de los viejos traumas pendientes de resolver.

Con el suspense de cuándo se va a decidir Louis a contar la verdadera causa de su regreso, el filme va revelando lo dependientes que son todos y cada uno de ellos del recién llegado, el único que ha triunfado, el que podría haber mantenido unida la familia si no se hubiera ido. Los diálogos a flor de piel, los rostros rozando el objetivo, la luz escasa, revelan que la familia espera desesperadamente la ayuda del exterior. La noticia que trae Louis puede ser la bomba que destruya lo poco que queda.

Cinta de actores (el elenco es extraordinario), y de hábil director, el largometraje contiene además una de las mejores escenas finales —por las que se puede recordar toda una película— vistas hasta ahora en el presente certamen, o en cualquier otro.

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A WAR (Krigen de Tobias Lindholm, 2015)

“Una guerra”, así de escueto y sencillo es el título de la nueva película de Tobias Lindholm (casi como una continuación de su excelente A Hijacking , "Un secuestro", con la que tiene muchos elementos en común). Dos palabras, unas y otras, que en su concisión encierran toda la complejidad posible en un mundo tan crispado como el que nos ha tocado vivir. Con A War, Tobias Lindholm ha querido enumerar algunas de las consecuencias que puede acarrear un conflicto bélico en la vida de los soldados que allí combaten y en la de sus familias. Tarea nada fácil, pero resuelta de forma brillante, en nuestra opinión.

Claus Pedersen (Johan Philip "Pilou" Asbaek, actor en primera línea del star system escandinavo, presente en todas las películas importantes que vienen de allí, también el protagonista de A Hijacking) es el oficial de mayor grado al mando de un destacamento danés en el frente de Afganistán. Tras sufrir algunas bajas decide acudir él mismo a las patrullas en vez de supervisarlas desde el centro de operaciones, como es su obligación. En pleno ataque del enemigo, toma una polémica decisión para salvar las vidas de sus soldados, pero no puede evitar daños colaterales entre la población civil. Suspendido de sus funciones, es enviado de vuelta a casa a la espera de ser juzgado por crímenes de guerra.

El director danés Tobias Lindholm se atreve a abordar el espinoso asunto que enfrenta al respeto a la ley por encima de todo, contra la comprensión hacia personas que se juegan la vida y tienen que tomar decisiones en décimas de segundo. Algo que no es nuevo, pero que el realizador gestiona desde la posición neutra del crupier que se limita a repartir las cartas para que sea el espectador el que finalmente tome parte en el juego.

Y la baraja es harto complicada. Por un lado, las ansiedades del frente, las situaciones extremas por las que personas corrientes, por muy preparadas que estén, tienen que soportar en territorio ajeno donde viven otros seres humanos que, cómo ellos, tienen familia y aspiran a una vida mejor. Lo malo es que a simple vista no se distinguen esos lugares comunes: los cascos, los uniformes mimetizados, la tez pálida, los cabellos rubios frente a los burkas, las barbas y la tez morena. Parecen seres de diferentes planetas; y no lo son.

Por el otro lado se sitúa la batalla cotidiana, la de los que se quedan en casa esperando el regreso del soldado. Una lucha también difícil de llevar, donde el objetivo es mantener la estructura de la familia intacta. Cuando ambos mundos se encuentran, en el caso de A War, no es precisamente para recuperar lo que dejaron atrás, sino para enfrentarse a otro dilema: al de la aplicación de una justicia implacable que amenaza con destruir lo poco que queda de su vida anterior.

Dilemas morales entre compañeros, tensión entre abogados, remordimientos en los acusados, presión desde las familias, son algunas de las fuerzas que entran en colisión en una cinta para el debate, muy bien rodada desde el realismo, tanto en las escenas domésticas como en las bélicas. Y aquí hay que decir que nada fue igual desde Salvar al soldado Ryan; todas las películas que vinieron después se benefician de una tecnología donde el verismo en la acción es siempre uno de los activos más importantes; igual que sucede en A War.

Por cierto, ¿se trata de la segunda parte de una trilogía que comenzó con la muy citada A Hijacking y que puede hacer historia en el cine europeo?... Lo ignoramos, pero estaremos atentos a Tobias Lindholm.

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EL DIA MÁS FELIZ EN LA VIDA DE OLLI MÄKI (Hymyilevä mies de Juho Kuosmanen, 2016)

De Finlandia viene esta correcta película del casi debutante en el largometraje, Juho Kuosmanen. Un biopic acerca de la figura legendaria del boxeo finés, Olli Mäki, que no nos cautivó demasiado quizás debido al fulgurante arranque del festival de cine europeo de Sevilla y a otra cinta escandinava que pudimos ver antes: A War, de la que hablaremos en su momento.

Olli es un panadero, un joven de pueblo que triunfa en el boxeo amateur y que acaba de dar el salto al deporte profesional. Disputar el campeonato del mundo es la propuesta que le acaban de hacer y todavía no se lo puede creer. Eso significa tener que trasladarse a la capital, entrenar mucho y perder peso. Olli está dispuesto a todo siempre que en su aventura le acompañe Raija, la mujer de la que acaba de enamorarse.

Casi todos los tópicos del boxeo: el afán de superación, el sacrificio, la competencia y los oscuros asuntos financieros, aparecen en una película poco original en ese sentido. Un filme que, no obstante, se sostiene gracias al contraste entre el entrenamiento de un deporte tan violento, y la evolución de una tierna y hasta bucólica historia de amor entre dos jóvenes. La colisión entre ambos mundos será inevitable: Olli se debate entre aislarse de su novia si quiere estar en condiciones de disputar el combate con ciertas garantías de éxito, o seguir con ella a pesar de la prohibición explícita de su entrenador.

La mayor virtud de la película, a nuestro entender, es el aspecto formal y la ambientación, ambos elementos muy unidos, todo un acierto del director. La trama, como se ha dicho, se encuentra basada en una historia real que transita por el año 1962 y todo, el vestuario, el atrezzo, los peinados, el maquillaje, etc., son los de la época. Tan conseguido está el diseño de producción, que nadie diría que no se trata del propio documental que se rueda dentro de la cinta (un buen ejemplo de “cine dentro del cine”, estilo felliniano).

 Pero si la ambientación es de diez, la puesta en escena y la forma de rodar, en blanco y negro, con una cámara en permanente movimiento, casi subjetiva, siguiendo al protagonista, es maravillosamente engañosa. Sabemos que la cinta se ha rodado en 2016, pero posee todo el encanto de los largometrajes de las nuevas olas que surgieron en Europa en los sesenta. Parece extraído de la filmografía del primer Polanski, o más bien —por la temática pugilística— de su compañero Jerzy Skolimowski. La nostálgica frescura que destila la película nos hace situarnos en los cine clubes de esos años donde directores disidentes con los regímenes autoritarios soviéticos se jugaban sus carreras.

Quizás esto último sea lo que no cuadre del todo. Finlandia fue un país que a pesar de las concesiones que tuvo que hacer a la URSS al final de la Segunda Guerra Mundial, se mantuvo neutral en la Guerra Fría. Es verdad que algo de política hay en la cinta, pero es más la denuncia hacia los sectores capitalistas que organizan el combate, que a otra cosa.

Si lo que pretendía el director era emular no solo la forma sino también la combatividad de los realizadores de la Europa Oriental en los años sesenta, entonces ha fallado en su intento. Si su objetivo era mucho más sencillo —y es lo que creemos—, es decir simplemente mostrar una historia de amor donde para el protagonista el triunfo sentimental es más importante que el deportivo, entonces el director ha acertado; aunque su acierto, eso sí, haya sido más con el envoltorio que con el contenido.

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UNE VIE (Stéphane Brizé, 2016); TONI ERDMANN (Maren Ade, 2016)

La primera jornada del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2016 giró en torno a la mujer. Ayer pudimos asistir a dos cintas con ese tema como denominador común, aunque muy diferentes en el género, en la época (primera mitad del siglo XIX, la primera, y primeros compases del XXI, la segunda), y que además competían en distintas secciones:

UNE VIE

La película del director Stéphane Brizé —que se ve le ha gustado el festival pues es de los realizadores que repiten—, es un retrato de época tal como corresponde a la adaptación de la ópera prima de Guy de Maupassant. Pero, sobre todo, es la constatación de las dificultades por las que la mujer de cualquier estamento social (¡ojo! no sólo las de clase baja) debia pasar en aquellos años debido a los convencionalismos, a las tradiciones, a la religión y al machismo imperante. 

La película se narra bajo el punto de vista de Jeanne (Judith Jemla) y arranca en el momento en el que la joven de familia acaudalada sale del convento, donde se le enseña todo menos a transitar por la vida. Un matrimonio de conveniencia y una noche de bodas traumática no es nada más que el principio. Desengaños, infidelidades, traiciones, enfermedades y todo tipo de calamidades se aguantan peor desde el lado de la sufridora que desde la postura del que se va de cacería o del hijo que vive a costa de la madre. 

Si a eso se le une un reverendo que en vez de solucionar un problema lo que consigue, en nombre de Dios, es provocar el desastre, pues el dramón está servido. Lo que podría ser un melodrama estilo Orgullo y prejuicio se torna en tragedia cuando se le despoja de todo el glamour y se observa lo que se esconde detrás de una historia de amor y lujo. Así, la luminosidad de las lámparas de los bailes de salon se convierte en la luz mortecina de las velas de los largos días invernales; y los románticos duelos se transforman en asesinatos a sangre fría.

El director aborda la trama de forma lineal, pero episódica; digamos, y salvando las distancias, como haría Tarkovsky pero con estructura clásica. Con el maestro ruso coincide en los insertos a base de flashback de recuerdos felices, y con el ropaje telúrico de una película que transcurre en la campiña normanda. Las estaciones del año son utilizadas por el realizador de Une vie como compartimentos estancos donde guardar las secuencias del filme: la primavera y el verano coinciden con los instantes de felicidad; mientras que el otoño y el invierno sacuden el cuerpo y el alma de la protagonista que ve como su vida se deshace, al tiempo que el sonido del crepitar del fuego de una chimenea que ya no calienta se convierte a veces en la única banda sonora de la película.

TONI ERDMANN

Mientras Une vie competía en la sección Oficial, la segunda película que tuvimos la suerte de ver pertenece a la EFA, es decir a las cintas seleccionadas para los premios de la Academia Europea de Cine. Premiada en Cannes y propuesta por Alemania para los Óscar, este filme de la directora germana Maren Ade es una delicia para el espectador, a pesar de su larga duración:

¿Qué serías capaz de hacer para reconducir la vida de tu hija, cuando te sientes culpable de que viva de esa forma? Esa es la pregunta que la realizadora parece hacerse desde el comienzo de esta original tragicomedia que estamos seguros de que va a dar mucho que hablar en los próximos meses.

Maren Ade describe una familia desestructurada formada por un matrimonio divorciado donde él es un profesor de música cuya vida bohemia es un desastre. Winfried, que así se llama (interpretado por un magnifico Peter Simonischek) padece del corazón, se refugia en un perro moribundo y en su particular y extravagante sentido del humor. Por otro lado, Inés (Sandra Hüller, tan fría como adecuada para su papel) es la hija que vive en Bucarest. Ejecutiva agresiva y déspota con sus subordinados —de uno de ellos se aprovecha para vivir una falsa aventura basada en el sexo— no trabaja para vivir, sino todo lo contrario. 

La existencia de Inés transcurre en continuo estrés, sin importarle demasiado que su profesión consista en externalizar servicios para empresas, aunque eso signifique el despido de cientos de trabajadores. Cuando Winfried acude a ver a Inés por sorpresa se da cuenta de lo infeliz que es su hija. Entonces decide inventarse un personaje (Toni Erdmann) para intentar cambiar la vida de su hija.

Atractiva historia para una película donde la comedia y el drama se dan la mano para gestionar situaciones muy divertidas que van a tener consecuencias en la relación entre padre e hija y en las vidas de ambos. A Toni Erdmann le basta una peluca y unos dientes postizos para poner patas arriba la vida de su hija y la de la empresa donde ella trabaja. Todos se verán afectados por la presencia de un personaje que sólo pretende que la gente se tome un respiro, se mire al espejo y se haga la última gran pregunta que nos propone la directora: ¿merece la pena vivir así?

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XIII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2016

Un año más se acerca el momento de celebrar la fiesta del cine europeo en la capital andaluza. Del 4 al 12 de noviembre se proyectarán en Sevilla más de doscientas películas distribuidas en las diferentes secciones de las que consta el certamen. Algunas ya tradicionales y otras novedosas, pero siempre con un nivel que cada año parece superarse, y con más de una sorpresa como vamos a ver a continuación.

Con un estupendo cartel dedicado a los “malos” de la película (por aquello de la edición número 13), el festival promete emociones. En primer lugar desde la sección oficial que este año cuenta con la participación de directores consagrados como Philippe Grandieux (recuerdo el impacto de Sombre), Olivier Assayas (cómo nos gustaron Finales de agosto, primeros de septiembre, Demonlover o Clean) o Ulrich Seidl, asiduo al festival. En la actual edición coincide una nutrida representación francesa y bastantes galardonados en Cannes en sus distintas categorías, lo cual garantiza calidad en las proyecciones.

Nos repetimos año a año, pero siempre recomendamos desde estas líneas y prestamos especial atención a la sección de los premios EFA (European Film Academy), pues allí suelen concentrarse los mejores filmes del Viejo Continente. Este año podremos asistir a cintas tan atractivas como A War de Tobias Lindholm, del que ya disfrutamos en años anteriores con el guión de The Hunt o la realización de A Hijacking;  El día más feliz en la vida de Olli Mäki, apuesta de Finlandia para los Óscar de prácticamente un debutante como es Juho Kuosmanen; o Sieranevada, la nueva propuesta del rumano Cristo Puiu (¿recuerdan La muerte del Sr. Lazarescu?).

Las Nuevas Olas, Resistencias, Panorama Andaluz, Shot Matters!, Tour/Detour, etc., son otros apartados tan sugerentes como los descritos anteriormente. De hecho, del último señalado intentaremos no perdernos el documental del veterano Bertrand Tavernier, Las películas de mi vida, cuyo título original (Voyage à travers le cinéma français) parafrasea el excelente filme de Martin Scorsese y promete ser tan interesante como él.

En el apartado de ciclos y retrospectivas, destacan el dedicado a la actriz y directora Valeria Bruni-Tedeschi con una trayectoria artística que da vértigo y que pudimos admirar aquí hace un par de años protagonizando la película ganadora del premio del público: El capital humano.

Valeria Bruni-Tedeschi en "Actrices"

Mucho a lo que asistir en tan solo una semana. Intentaremos “sacrificarnos” y darnos un atracón de buen cine, del que normalmente no se suele ver en las carteleras. Esperamos que la suerte nos acompañe a la hora de elegir las proyecciones, y prometemos dar testimonio de todo lo que alcancemos a ver en los siguientes días.

LEER LA CRÓNICA Y LAS PELÍCULAS DEL FESTIVAL DE CINE EUROPEO SEVILLA 2016

Ver programación del festival.

Ver ediciones anteriores SEFF15, SEFF14, SEFF13, SEFF12, SEFF11, SEFF10

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CINE FÓRUM: DOS O TRES COSAS QUE SÉ DE ELLA (2 ou 3 choses que je sais d'elle de Jean-Luc Godard, 1967)

Uno de los movimientos cinematográficos que más nos interesan y que no podía faltar en nuestra sección analítica es la Nouvelle Vague. No es la única vez que tratamos a un autor de dicho grupo (aquí se puede repasar la entrada sobre Claude Chabrol), aunque sí la primera en la que nos detenemos para hablar de la obra de quizás el director más polémico de la nueva ola francesa: Jean-Luc Godard.

El debate sobre el realizador, que lejos de haberse cerrado aún sigue dando que hablar, se mueve tanto por la sinceridad —o la falta de ella— y por la vigencia de su cine, como por el aspecto autocomplaciente y críptico que tanto irrita a algún sector de la crítica, el mismo que no duda en calificar a su obra como tendente a la boutade.

Aunque admitimos que gran parte del cine de Godard ha envejecido mal, sin embargo no dudamos de la intención rompedora del cineasta en sus primeros años, quizás la más radical y comprometida políticamente de su generación. Desde luego nadie podrá negar que Godard, junto a los Truffaut, Resnais, Rivette o Chabrol, tuvo en su haber el lograr darle frescura a un cine que se estaba agotando, y en sentar las bases del cine actual de calidad, un cine más ecléctico que mezcla la modernidad de autores como Godard con el clasicismo narrativo de siempre.

Dos o tres cosas que sé de ella es un buen ejemplo de aquellas primeras cintas de Godard donde primaba la descomposición del modelo institucional clásico impuesto por Hollywood. La no-trama de la cinta, el discurso de personajes/actores que mezclan realidad con ficción, el manejo arbitrario —no tanto— de cámara y encuadre, la susurrante voice over (la del propio Godard) y la intelectualidad de todo el conjunto configuran un modelo radicalmente opuesto a todo lo que se venía haciendo anteriormente.  

Sólo hay que fijarse en el arranque para darse cuenta de que algo estaba cambiando en el cine europeo: los primeros encuadres presentan a Marina Vlady, Godard habla de ella como la actriz que es, la describe con detalle y al final observa como gira la cabeza hacia un lado, pero "esa mirada no tiene importancia". Marina habla con el espectador y nombra a Bretch. A continuación el objetivo la sitúa en el lado contrario y ahora Godard la describe como Juliette, el personaje. La joven vuelve a mirar a otro lado, y Godard insiste en que ese movimiento no supone nada especial. En dos planos se resume perfectamente lo que Godard pretende: confundir realidad con ficción o, mejor dicho, desmontar lo poco de ficción que hay para que el espectador pueda reflexionar sobre lo que se dice, sobre las imágenes que ve, sin el artificio de dejarse llevar por la acción, por la “falsedad” del cine. La cita de Bretch no es gratuita.

A lo largo de la película la estructura clásica se difumina hasta desaparecer: así, un niño hace sus deberes, lee la redacción sobre el compañerismo, pero luego dispara a la cámara con una metralleta de juguete; Juliette lleva a su hijo a una guardería que en realidad es una casa de citas; Juliette engaña a su marido o se prostituye junto a su amiga, con la mayor de las indiferencias, una actividad más, como la de ir de compras o tomar un café; etc. Es decir, Godard destroza la narrativa acostumbrada basada en la presentación, el nudo y el desenlace y la sustituye por una agrupación premeditadamente inconexa de imágenes donde las ideas prevalecen sobre cualquier atisbo de argumento. Es una forma de diferenciar, de reivindicar, el nuevo cine revolucionario frente al clásico asociado a la burguesía. Todo es política en el cine de Godard.

Así plantea el filme en su conjunto, pero también en cada secuencia, como vamos a ver enseguida. En las escenas concebidas por Godard los personajes confunden diálogo con pensamientos, y la acción carece de continuidad y de relación con la dialéctica o con el discurso del narrador:

La secuencia que acabamos de ver sigue el mismo esquema que el resto de la película: Godard intercala planos generales de una ciudad, con escenas donde los personajes deambulan por el metraje sin ninguna razón aparente. La cinta, como se ha dicho, carece de estructura, desde luego nada que ver con la narrativa clásica de la que se aleja definitivamente tras un amago de argumento más o menos legible; algo que se puede resumir con el visionado de esta secuencia, que podría ser la primera o la última, o cualquiera de las escenas centrales, como si fuera una novela de Cortázar.

El arranque con las imágenes de unas obras públicas lo explica el propio director entre susurros y más adelante en boca de sus personajes (en la secuencia donde las dos amigas se prostituyen debaten acerca del significado de los elementos urbanos con respecto al observador que se relaciona con ellos).

A continuación, en la segunda parte de la secuencia, Juliette entra en un bar. Mientras camina habla para sí misma, y para nosotros, (dice que se considera indiferente ante la vida). Su discurso se confunde entre la realidad de la propia actriz y la ficción del personaje, ya sea en su relación con los demás o en pensamientos en alto. No sabemos a qué atenernos.

Sigue una parte más o menos normal: ella se sienta, saluda a su amiga e intercambian algunas palabras; luego, la cámara la acompaña cuando va a por tabaco. El espectador digamos que se “acomoda” con una escena que se desarrolla en condiciones habituales de narración. Es un espejismo. La cámara abandona a la actriz para pararse en una cliente de la barra. Godard quiebra por completo la narrativa cuando el personaje/actriz se vuelve hacia la cámara para contarnos su vida (¿la del personaje?, ¿la de la actriz?) que nada tiene que ver con Juliette, cuya voz en off oímos mientras pide el tabaco.

Se trata de que el espectador sienta que las imágenes son un artificio y reflexione sobre las ideas que aquí y allá va soltando el director. De nuevo el discurso bretchiano llevado a sus límites más extremos. La rotura de la narración no es gratuita, ahora hay que estar atentos.

En la última parte de la secuencia el realizador inserta un diálogo sin aparente importancia: vemos con dificultad a Juliette en contraluz —Godard insinúa que el personaje no es esencial, que cualquier cosa puede pasar, o no puede pasar nada…—, mientras Juliette se acerca a la maquina de música, se habla en off de los zapatos americanos, de que sirven para aplastar vietnamitas y sudamericanos; después Juliette habla con una pareja de las relaciones fallidas y de la guerra, todo como quien comenta la predicción meteorológica. Godard se sale con la suya.

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2 X 1: “TENUE DE SOIRÉE” y “DEMASIADO BELLA PARA TI” (Bertrand Blier)

Tenue de soirée (1986)

Si hay un director francés que utiliza el cine para provocar a la burguesía de su país este es Bertrand Blier. Hijo del actor Bernard Blier, con el que no hay que confundir, se inició en el cine con el documental y destacó como realizador de éxito con la singular Los rompepelotas (Les valseuses, 1974), obra iconoclasta y descarada que le guiaría en su carrera posterior hasta el día de hoy.

En la misma línea desafiante contra la moral conservadora, y con el mismo actor protagonista (Gerard Depardieu), Blier rodó en los años ochenta una serie de éxitos entre los que destacan las dos películas que hoy reseñamos.

Tenue de soirée es una comedia muy cercana a Los rompepelotas, en cuanto trata de un trío (dos hombres y una mujer) que se dedican al robo tan sólo por ir en contra del sistema establecido. La diferencia entre los dos filmes es la perversión sexual que padecen los protagonistas de Tenue… debido a las relaciones bisexuales que se establecen entre ellos: mientras Antoine (Michel Blanc) no puede dejar de amar a su mujer Monique (Miou-Miou), ella se siente atraída por Bob (Gerard Depardieu), que a su vez intenta seducir a Antoine. El conflicto plantea situaciones cómicas, pero también dramáticas hasta el punto de llevar a los personajes a prostituirse con tal de no cejar en su intento de normalizar una situación que es imposible de manejar.

Con un guión en ningún caso políticamente correcto, que seguro hará sonrojar a más de un espectador —hoy el efecto es menor aunque se adivina lo que supuso en su día—, Blier parece querer dar un golpe en la mesa que haga saltar todo tipo de prejuicios, en especial el sexual, para finalmente salirse con la suya.

Ver ficha de Tenue de soirée.

Demasiado bella para ti  (Trop belle pour toi, 1989)

A finales de los ochenta el cine de Blier se vuelve algo menos retador (sólo un poco), y también más serio con este estupendo melodrama que, de todas formas, sigue rozando el surrealismo, de nuevo con Gerard Depardieu al frente del reparto.

El argumento es otra vez osado: el director de una empresa de automoción (Gerard Depardieu), casado y con dos hijos, se lía con su secretaria. Hasta ahí nada nuevo, un triángulo amoroso con sus conflictos, separaciones y reconciliaciones que no aporta originalidad si exceptuamos un detalle: la mujer del empresario no puede ser más bella y joven (la espectacular Carole Bouquet), mientras que la amante es bastante mayor, gorda y fea (Josiane Balasko).

Una ocasión más para que Blier reparta polémica para todos los lados: los prejuicios sociales, el tema de la mujer objeto, el rechazo a la fealdad sin tener en cuenta a la persona, etc. No obstante, la trama parece ir en el sentido correcto cuando el marido se enfrenta a su mujer y reconoce que se ha enamorado de otra persona, y esta vez no ha sido por su físico como la propia esposa podrá comprobar.

Claro que Blier no se conforma con la moralina fácil: pronto la nueva pareja se tambalea cuando el personaje interpretado por Depardieu comienza a aburrirse y a darse cuenta que sólo le atraía el sexo. Enseguida la vergüenza por salir con una mujer poco agraciada y de una clase social baja saldrá a la luz y todo se vendrá abajo. Es decir, la realidad finalmente se impone a una situación a todas luces anómala. Eso sí, cuando el empresario quiera volver con su esposa “modelo” ya las cosas no serán igual…  

Ver ficha de Demasiado bella para ti

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CAFÉ SOCIETY ( Woody Allen, 2016)

Después de la simpática Irratonial Man (2015), Woody Allen recupera la nostalgia por tiempos pasados, que se nos antoja fueron mejores para él, con una agradable película de guión especular:

Café Society se podría encuadrar en la serie de filmes a los que últimamente nos tiene acostumbrados el director neoyorquino donde la melancolía predomina sobre una trama melodramática con ligeros toques de humor. Desde Midnight in Paris (2011), paradigma de este tipo de largometrajes —el mejor de todos ellos—, Woody Allen alterna su particular visión del mundo soñado (vivido en su infancia y juventud) con historias más o menos acertadas del mundo actual. Se trata de una especie de actualización de sus películas “turísticas” (Roma, París, Barcelona, etc.) donde la forma parece haberse impuesto definitivamente sobre el fondo.

Algo que se puede apreciar en Café Society gracias al notable esfuerzo fotográfico de Vittorio Storaro (Apocalipsis Now, El último emperador,…), operador a las órdenes de Allen también contratado para su siguiente película. Storaro acude a los clásicos para resolver algunos planos con maestría: así, utiliza sólo las luces de las velas en el interior, como hiciera Kubrick en Barry Lyndon, o encuadra una secuencia de amor entre los límites de una cueva imitando al mejor John Ford. El director de fotografía alterna los tonos cromáticos con clara intención dramática y gestiona admirablemente el formato scope, para que Woody Allen se luzca en su primera incursión con el video digital.

Con la belleza de las imágenes como principal herramienta, Allen presenta al Hollywood de los años treinta en todo su esplendor. Por supuesto no abandona su discurso acerca del sexo, la muerte o la religión (se ensaña especialmente con su comunidad judía); ni tampoco prescinde de su personaje preferido, el atolondrado héroe que Woody solía interpretar aquí adjudicado a Jesse Eisenberg. El joven protagonista es de los destacados del casting, y por momentos se parece al propio Woody en la primera mitad, y a Joseph Cotten en la segunda cuando camina maravillosamente inseguro por un plató que se asemeja al de Gilda.

Mientras secuencias de la Warner o la Metro de los años dorados de la industria americana salpican el metraje de clasicismo, Allen se mueve por un trama muy afín a aquellas donde triunfaban Barbara Stanwyck o Jean Harlow (las dos aparecen en pantalla). Además lo hace utilizando insertos de lo que parece un filme de gangsters con final a lo James Cagney, todo con una intención entre satírica, desmitificadora y melancólica muy agradable a la vista del espectador.

Así, entre notas de Jazz, celuloide con sabor clásico, pequeños toques de humor y muy buena fotografía discurre esta nueva propuesta de un director que agradecemos siga dirigiendo películas.

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