sábado, 5 de junio de 2021

EL AUTOREMAKE EN EL CINE. CAPÍTULO V (III)

La colaboración entre Huston y Burnett, impuesta por Muni, fue una bendición. Ambos escribieron un guion que conservaba el espíritu de los personajes del autor, algo que raramente ocurría con las cintas adaptadas de los libros de Burnett: siempre solían dar más importancia a la acción que a la descripción de caracteres. La trama de High Sierra, aquí titulada El último refugio, arranca con la puesta en libertad de Roy Earle (Humphrey Bogart) que sale de prisión gracias a la intercesión de Big Mac, un antiguo compañero que se encuentra muy enfermo. Roy desea vivir tranquilo, pero se siente en deuda con Mac y acepta un último trabajo antes de retirarse: deberá robar unas joyas de un hotel cerca de Mount Whitney.[1] 


El atraco lo tendrá que planear y ejecutar junto a Red (Arthur Kennedy) y Babe (Alan Curtis), dos jóvenes inexpertos, y Marie (Ida Lupino), la mujer por la que ambos se pelean. Roy pone orden en la banda mientras se enamora de Velma (Joan Leslie), una joven minusválida, perteneciente a una familia de granjeros, que ha conocido en el viaje desde la prisión al lugar del atraco. Roy paga la operación que hará que Velma se reponga de su dolencia, pero también provocará su rechazo al ser ésta mucho más joven que él y verse libre para entablar una relación con alguien de su edad. Llega el día del atraco y todo sale mal: en un enfrentamiento con la policía, mueren los dos sicarios; Big Mac también fallece, y con él la posibilidad de vender las joyas. Roy decide huir con el botín hacia las montañas. En el viaje, Marie y Roy se dan cuenta que están hechos el uno para el otro, pero ya es demasiado tarde, la policía les sigue la pista. Al final, la pareja se separa y los agentes de la ley terminan acorralando y matando a Roy en la sierra.

  

Figura 5.1

El argumento de El último refugio se basa ligeramente en la vida del legendario bandido John Dillinger, al que Burnett cambia por Roy Earle —en la cinta, Doc (Henry Hull) conversa con Roy (véase figura 5.1) y llega a decirle que corre hacia la muerte como Dillinger. Roy es un gánster de la vieja escuela que al salir de la cárcel se encuentra totalmente desplazado en un mundo que ha cambiado sensiblemente. Los tiempos de la ley seca, del hampa organizada, ya han pasado y ahora sólo quedan los criminales que actúan de forma independiente como lobos solitarios (“perro rabioso” es el mote que los periodistas adjudican a Earle), que sólo persiguen dar un gran golpe y retirarse de una comunidad que los rechaza. El pesimismo prebélico —“correr hacia la muerte”— presente en otras cinematografías (en especial la francesa) aflora aquí con espontaneidad bajo la batuta de Raoul Walsh, que según algunos autores (Moss 2011) se enfrenta a su película de mayor riesgo por lo profundo de los caracteres. Un director al que se le ha tachado de simple, de no meterse en complicaciones a la hora de tratar a los personajes, en High Sierra hace gala de una habilidad muy presente en su filmografía —rebatimos a sus críticos— en el retrato de alguien tan complejo como Roy Earle. 


El expresidiario lo primero que hace al salir de la cárcel es pasear por el parque. Earle desea ver jugar a los niños y oler la hierba. En una emotiva secuencia, se detiene en el lugar donde nació y habla con un niño acerca del mejor sitio para pescar (fig. 5.2). Walsh sitúa a Roy conversando con su trasunto del pasado, con un pequeño que, de paso, también podría ser el propio director en su niñez. Para Marilyn Moss, el gánster era un personaje muy estimado por el cineasta porque igual que Walsh “recuerda una infancia que pasó hace tiempo y a la que idealiza” (2011, p.194). Añoranza que lleva a Roy a entablar amistad con unos emigrantes que se encuentra en la carretera —en un incidente con una liebre que casi les cuesta la vida (fig. 5.3), claro guiño al siniestro que sufrió el propio Walsh, por el que perdió el ojo derecho y, por tanto, otro signo más de empatía con el personaje. Por la misma razón, la atracción que siente Roy por la joven Velma sólo se explica desde el deseo que tiene el bandido de cambiar de vida y volver a los orígenes.[2]

 

Pero la realidad es bien distinta: Earle se halla metido de lleno en un trabajo oscuro, con unos compañeros deleznables a los que trata con desprecio y dureza. De ahí que Walsh no deje que las citadas secuencias caigan en el sentimentalismo. Ni siquiera llegan a rozarlo porque antes el director ejerce de aguafiestas: así, al final de la escena bucólica del parque, un periódico muestra la noticia de la salida de Earle de la cárcel; también, después de hablar Earle con el niño, alguien reconoce al exconvicto; o Velma, después de recobrar su salud, se aparta de Roy sin demasiados remordimientos.[3] Como bien apunta Ricardo Aldarondo (2008, p.173), la hierba que Roy tanto de­sea se convierte en roca desnuda al final de la película (fig. 5.4 y 5.5).

La ambigüedad y dualidad del carácter de Earle se refleja en todos los aspectos de la película. La fotografía en blanco y negro cobra todo su valor expresivo: el vestuario de Earle, de oscuro sobre blanco va en ese sentido; también el cabello negro sobre canas es adecuado y además sirve para subrayar el carácter crepuscular de la cinta cuando el protagonista es un gánster cansado de su oficio, que se lamenta de que los buenos tiempos hayan pasado. La ambivalencia del gánster-con-el-lado-bueno provoca que la película se aleje del maniqueísmo habitual de los años treinta y se introduzca de lleno en el cine negro.

Continuara...

Leer el capítulo desde el inicio.



[1] Mount Whitney es la cima más elevada de Estados Unidos con 4.420 metros de altura.

[2] La rehabilitación de los que han llevado una mala vida es un elemento presente en el cine de Walsh desde el principio. Pensemos en la citada Regeneration, aún muy lejos del cine negro por su mensaje cristiano, por la muerte de la protagonista para salvar el alma del gánster. También en la primera versión de Sadie Thompson, donde Gloria Swanson se ve obligada por el reformista Lionel Barrymore a cambiar de actitud; o, incluso, en Klondike Annie (1936), parodia al servicio de Mae West donde la célebre actriz cómica escribe sus propias líneas de diálogo en una cinta que comienza como amante en ambientes exóticos, como prostituta de lujo, para terminar como hermana en una misión del ejército de salvación.

[3] El rechazo de Velma era mucho más crudo en el guión original, pero Burnett al final tuvo que ceder ante Hellinger que no quería un castigo tan duro al personaje interpretado por Bogart. Algo resentido, William Burnett llegó a opinar que le gustaba más el libreto del remake que hizo Stuart Heisler en 1955: I Died a Thousand Times, con Jack Palance y Shelley Winters; si bien, el escritor reconoció que High Sierra era mejor visualmente porque “Raoul Walsh did a hell of a job (hizo un trabajo increíble)” (Burnett citado en Moss 2011, p.197). Para Nöel Simsolo, el remake de Heisler posee una “negrura romántica menos cautivadora que el original, pero con una sequedad distante que salva el proyecto de caer en una copia vulgar” (2007, p.329).




16 comentarios:

  1. Sólido ejercicio de cine negro. También recuerdo su remake en clave wéstern, "Juntos hasta la muerte" (1949), a cargo del propio Walsh y de la que supongo te encargarás en próximas entradas.

    Saludos

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    1. Supones bien: "Colorado Territory", que ese es su título original, es el tema de la segunda parte de este epígrafe, un autoremake con cambio de género incluido.
      Saludos.

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  2. Ambivalencia del criminal. Y en otro orden, ya recuerdo lo del accidente con la liebre, me lo dijiste en otra entrada.

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    1. Sí, hablábamos de ese accidente fortuito en la primera entrada del capítulo. Lo que demuestra que Walsh algo tuvo que ver con la confección del guion.

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  3. Soy un auténtico ignorante en la materia. Pero me encanta instruirme y aprender de tu mano los entresijos del cine.
    Un abrazo.

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    1. La verdad es que cuando profundizas algo más en las producciones de las películas te sueles llevar bastantes sorpresas.
      Abrazos.

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  4. ¡Hola!
    Pues esta no la he visto(o no la recuerdo porque mis padres veían todo lo de Bogart), pero me has creado una necsidad, jejejeje.
    En cambio la que mencionan más arriba, "Juntos ahasta la muerte", la vi(creo que salía Virginia Mayo).
    Muchas gracias por la reseña y tomo buena nota.
    Feliz semana.

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    1. Bueno, pues benditas necesidades jajaja porque la película hay que verla sí o sí.
      Cierto, en Colorado Territory la protagonista era la "bizca" Virginia Mayo, que hace un digno papel, quizás no tan bueno como el de Lupino, pero desde luego nada desdeñable.
      Feliz semana para ti también.

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  5. La naturaleza es como la protagonista en la sombra. Los títulos de crédito sobrevolando las montañas, cuando Bogart al salir de la cárcel lo primero que hace es contemplar los árboles del parque y el final cuando éste huye montaña arriba.
    Muy interesantes los secundarios: Arthur Kennedy, Cornel Wilde y Henry Hull; el llamado "Boris Karloff del teatro y primer hombre lobo del cine.
    Saludos!
    Borgo,.

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    1. Es verdad, esa montaña imponente es el testigo de la tragedia. Y como digo en el texto: esa hierba del principio se transforma en roca desnuda al final, menuda metáfora para una película estupenda y, en efecto, con un elenco de altura.
      Saludos!

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  6. Hola ethan
    Su último refugio es una de mis películas preferidas, no sabía que Muni había sido candidato al papel de Roy, Muni está genial en Soy un fugitivo, creo que no lo habría hecho mal en esta película, pero fue Bogart quien se llevó el gato al agua y de paso se subió al carro de la fama.
    Saludos, espero con impaciencia el resto del capítulo.

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    1. No sé, me imagino a Muni con metralleta en mano disparando a todo lo que se mueve, como en Scarface, pero no sé si esta película, ya de los cuarenta, le sentaría bien a un gánster de los treinta.
      Saludos!

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  7. Que tal Ethan!
    Tengo mis dudas sobre si he visto mas veces esta o "Casablanca", algo tiene esta película que me fascina y de que manera. Nada que añadir a tu extraordinaria entrada, únicamente un muy pequeño detalle. Cuando Bogart esta ultimando los planes para el atraco y les explica lo que sucede cuando se te va el dedo al gatillo, hace una especie de golpecito en la mesa para simular el ruido de una ráfaga, es tremendo!!!
    Ya te digo, me has despertado el apetito y mira que le he dado visionados.
    Saludos y feliz semana!

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  8. Se ve que conoces muy bien la cinta. Yo creo que Bogart era consciente de lo que se jugaba con la película y se preparó muy bien el personaje. De la insistencia en conseguir el papel se deduce que sabía que era su momento para pegar el salto. Se nota en cada secuencia lo concentrado que estaba y cómo ponía los cincos sentidos en bordar la interpretación.
    Saludos!

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  9. no la vi nunca me gustaron sus peliculas pero me ha encantado tu reseña

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    1. No sé si te refieres a que nunca te han gustado las películas de Raoul Walsh o las de Humphrey Bogart; en cualquier caso, te la recomiendo encarecidamente.

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