PALMARÉS DEL XXIII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2026

Ayer asistimos a la última jornada del festival sevillano donde pudimos ver dos películas muy diferentes que competían en la Sección Oficial por el Giraldillo de Oro. Ahora ya podemos decir, conociendo el palmarés que luego analizaremos, que la primera de ellas, Blaise, ha conseguido una mención especial por la «mejor creatividad». 

Esta película de animación, dirigida por Jean-Paul Guigue y Dimitri Planchon, adapta el cómic del segundo con acierto. Aquí reina el malentendido. Así, el joven del título, un introvertido adolescente de 16 años, conoce a una chica en una fiesta y, debido a un equívoco, ambos creerán que el contrario es un revolucionario violento y peligroso. Mientras tanto, la madre de Blaise quiere quedar bien en su nuevo puesto de trabajo con los de arriba, pero también con los de abajo, hasta tal punto —otra confusión— que se convierte, sin quererlo, en la amante de una subordinada. El tercero en cuestión, el padre de Blaise, acapara la atención de la psicóloga de su hijo debido a su complejo de inferioridad. Con algunos personajes más, que mejoran y mucho la película, esta divertida comedia no consigue arrancar las carcajadas del público, salvo en alguna ocasión, pero sí mantiene la sonrisa durante todo el metraje. La original animación usa una técnica de fotomontaje y recortes de papel, con ello se obtiene un estilo realista, casi estático, donde los gestos del rostro son suficientes para expresar lo que cada personaje quiere decir en cada momento y en cada situación, por incómodo —y graciosa— que esta sea.

El segundo filme, Black Money for White Nights, (Cherni pali za beli noshti, Kristina Grozeva y Petar Valchanov, 2026), es una película búlgara que se ocupa de la pareja formada por Marina, una enfermera de maternidad que acepta sobornos, y Gosha, jefe de estación ferroviaria, que se corrompe por hacer la vista gorda a pequeños robos de gasoil.

Con el dinero negro que han ido ahorrando, compran unos billetes de avión para hacer realidad su sueño: ir a San Petersburgo para ver las famosas noches blancas. Pocos días antes de viajar, Rusia invade Ucrania, y los vuelos se cancelan. Cuando van a la agencia de viajes a recuperar el dinero, ven que tal empresa ya no existe. A partir de aquí, todo se vuelve en contra de la pareja protagonista. Gosha inicia una caída a los infiernos empeñado en recuperar el dinero obtenido por la corrupción, al tiempo que el matrimonio se tambalea cuando salen a relucir antiguos sucesos del pasado. Película con buenas intenciones, pero de resultado más bien flojo. Con elipsis demasiado bruscas, y con algunos planos secuencia en interiores muy meritorios, pero que no consiguen salvar un producto abocado a la indiferencia del público y al fracaso, igual que el viaje de los dos protagonistas.

Y ahora vayamos con el palmarés:

SECCIÓN OFICIAL

 Premio Giraldillo de Oro a la Mejor Película: You don't belong here, con

dirección y guion de Florin Şerban.

 Gran Premio del Jurado: Casa en ruinas, de Mohsen Gharaei con guion de

Mohsen Gharaei y Amirmohammad Abdi.

 Premio Puerta América: Adult Supervision, con dirección y guion de Alex

Schulman.

 Mención Especial Puerta América: Rose, de Markus Schleinzer con guion de

Markus Schleinzer y Alexander Brom.

 Premio a la Mejor Dirección: Tomasso Landucci por Children of the monkey.

 Premio al Mejor Guion: Alejandro Hernández y Michel Gaztambide por El

director.

 Premio a la Mejor Actriz: Melania Cruz por Tralovento.

 Premio al Mejor Actor: Gustaf Skarsgård, Fares y Linus Wahlgren por

Adult Supervision.

 Premio al Mejor Montaje: Evelyn Rack y Emad Khodabakhsh por Casa en

ruinas.

 Premio a la Mejor Fotografía: Noé Bach por Elephants in the fog.

 Premio a la Mejor Dirección Artística: Bogdan Ionescu por You don't belong

here.

 Mención a la Mejor Creatividad: Blaise, de Dimitri Planchon y Jean-Paul

Guigue con guion de Dimitri Planchon y Clémence Lebatteux, a partir del cómic

de Dimitri Planchon.

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES

 Premio al Mejor Cortometraje de Animación: Gently, con dirección y guion de

Jamaica Kindlová

 Premio al Mejor Cortometraje de Imagen Real: Fresh cut, de Hadrien Bels con

guion de Hadrien Bels y Jasmine Badr.

EMBRUJO

 Premio a la Mejor Película: Revolutionaries never die, de Mohanad Yaqubi con

guion de Mohanad Yaqubi y Mathilde Rouxel.

 Mención Especial: Ulya, de Viesturs Kairišs con guion de Kārlis Arnolds Avots,

Livia Ulman y Andris Feldmanis, con la participación de Viesturs Kairišs y

Wojciech Staroń.

RAMPA

 Premio a la Mejor Película: House of the Wind, con dirección y guion de

Auguste Bernard Kouemo Yanghu.

 Primera mención especial: Lover, not a fighter, con dirección y guion de Martina

Buchelová.

 Segunda mención especial: Marie Madeleine, con dirección y guion de Gessica

Généus.

ALUMBRAMIENTO

 Premio a la Mejor Película: Four minus three, de Adrian Goiginger con guion

de Senad Halilbašić.

PANORAMA ANDALUZ FICCIÓN

 Premio Juan Antonio Bermúdez a la Mejor Película: Un hombre en un puente,

con dirección y guion de David Martín de los Santos.

PANORAMA ANDALUZ DOCUMENTAL

 Premio Juan Antonio Bermúdez a la Mejor Película: Como todo mortal, con

dirección y guion de María Molina Peiró.

 Mención especial: 200 vidas. Paco Rabal, con dirección y guion de Vanesa

Benítez.

PANORAMA ANDALUZ CORTOMETRAJES

 Premio Rosario Valpuesta al Mejor Cortometraje: Stellzz2000, con dirección

y guion de Rosendo M. Diezma.

 Premio Especial Rosario Valpuesta a la Contribución Artística: OAO, con

dirección y guion de Rocío Mesa.

PREMIO EUROPEAN FILM ACADEMY

 Premio del Público a la Mejor Película de la Sección de la European Film

Academy: Coward, de Lukas Dhont con guion de Lukas Dhont y Angelo

Tijssens.

PREMIO CINÉFILOS DEL FUTURO: In Waves, de Phuong Mai Nguyen con guion de

Fanny Burdino y Samuel Doux, a partir de la novela gráfica de AJ Dungo.

PREMIO EUROPA JUNIOR: Momonsters. La película de Navidad, de Javier Martínez y

Christian Garnez con guion de Javier Martínez, David Ramírez Ros y Maider Ávila.

 

OTROS PREMIOS

 JURADO ASECAN

o Premio al Mejor Guion de Largometraje: Remedios Malvárez y Adelfa

Calvo por Acuérdate de mí, de Remedios Malvárez.

o Premio al Mejor Guion de Cortometraje: Álvaro León por ¿Qué comen

los dragones?, de Álvaro León.

 Mención APSA al Mejor Sonido de Película Española de la Sección Oficial,

Rampa o Embrujo: Monstro, de Andrés Goteira con guion de Andres Goteira y

Alicia Albares. Equipo de sonido: Juan Gay (jefe de Sonido), David Machado

(diseño y mezclas de sonido), Javier Pato (montaje de sonido y grabación de

Foley) y Óscar Nieto (artista Foley).

 Premio AAMMA Women in Focus: Roya, con dirección y guion de Mahnaz

Mohammadi.

 Premio Queer Ocaña a la Libertad (ex aequo): La Bola Negra, de Javier

Ambrossi y Javier Calvo, con guion de Javier Calvo, Javier Ambrossi y Alberto

Conejero; y Coward, de Lukas Dhont, con guion de Lukas Dhont y Angelo

Tijssens.

 XIX PREMIO EUROPEO DE CINE-GUION CINEMATOGRÁFICO

UNIVERSIDAD DE SEVILLA

o Primer premio: El sonido sordo del frontón, de Pablo Ignacio Roncero

Garrido.

o Segundo premio: Luis Spinetta que estás en los cielos, de Cristina

Martín Núñez.

Dos de los protagonistas de Adult Supervision

Amplio palmarés, que cubre todas las secciones del certamen, pero con la Sección Oficial como centro de atención. El Giraldillo de Oro ha sido otorgado a la película rumana You don’t Belong Here (Nou e local tau aici, Florin Serban, 2026). Cinta que también ha sido galardonada a la mejor dirección artística, pero que no llegamos a ver debido a su larga duración —a la misma hora otras cintas nos atraían más— y que, en opinión del jurado, es una película «de factura exigente para el espectador, tanto por su tono, construido en largos planos secuencia, como por la aparente crudeza del relato»

Entre otros galardones, nos alegra especialmente los concedidos a Adult Supervision, nuestro filme favorito y uno de los triunfadores del certamen: se ha llevado el Premio Puerta de América, y el de mejor actor, otorgado a cada uno de los tres protagonistas de la película: Gustaf Skarsgård, Fares Fares y Linus Wahlgren.

También nos unimos al reconocimiento del jurado a Noé Bach, director de fotografía de la cinta Elephants in the Fog. En nuestra reseña destacábamos las secuencias nocturnas, que predominaban en esta película, creo que el jurado ha sabido valorar la dificultad que entrañaba rodar en esas condiciones.

Por otro lado, decir que la multipremiada en otros certámenes, La bola negra de los Javis, sólo se ha llevado el premio Queer Ocaña a la Libertad, compartido con la ganadora del Premio del Público: Coward, del director Lukas Dhont.

Y esto ha sido todo lo que ha dado de sí la XXIII edición del festival sevillano. Un certamen que creemos es el lugar donde se puede ver el mejor cine hoy en día producido en el Viejo Continente. Con la esperanza de volver a asistir a este evento dentro de un año, nos despedimos de los lectores del blog con un fuerte abrazo.

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THE SPIRAL (L'estranea de Paolo Strippoli, 2026)

En la recta final del XXIII Festival de Cine Europeo, ayer pudimos asistir a la proyección de la cinta italiana The Spiral, una película entre el thriller y el terror, dirigida por Paolo Strippoli, que viene a Sevilla con un par de premios bajo el brazo cosechados en Venecia, y que se presenta a las nominaciones de los Óscar de Hollywood:

En una noche de tormenta, Anna (Jasmine Trinca), se presenta en la casa de su hija Alicia (Romana Maggiora), a la que no ve desde hace tiempo. La madre viene con una historia del todo increíble, que comienza cuando eran una familia feliz y Alicia sufrió el ataque de su perro por el que casi pierde la pierna. Entonces fue cuando Anna hizo un pacto con una extraña (Valeria Bruni Tedeschi) por el que elegía mantener la pierna de su hija a cambio de que su hermano Tobia, un atleta guapo y extrovertido, se convirtiese en un niño gordo, feo e introvertido. El trato funcionó enseguida, pero lo que no sabía Anna es que ese pacto iba a desencadenar una serie de terribles consecuencias.

La historia suena a conocida y se podría encuadrar en el tipo de filmes donde una persona hace un trato con el diablo. Así, desde El estudiante de Praga (Der Sudent von Prag, Stellan Rye, 1913) hasta la reciente El contrato. Un pacto con el diablo (The Contract, Massimo Paoluccci, 2024), pasando por todas las versiones de Fausto, hay infinidad de largometrajes que tratan el tema.

Quizás lo original de la propuesta de Strippoli radica en el largo flashback en el que se estructura el filme, y en la cadena de acontecimientos —cada uno se explica en un capítulo—, que se dispara a partir del primer trato. También lo circular de la trama es interesante; y cómo esta se resuelve: con una secuencia final que resume toda la película para desembocar en una escena, ahora sí, claramente, de terror.

El origen de la trama reside, en parte, en el egoísmo de Anna que tiene una espina clavada desde que sus padres no la dejaron dedicarse a la interpretación, su sueño de siempre. Cuando Alicia es contratada para un anuncio publicitario, Anna se implica mucho en que su hija consiga lo que ella no pudo hacer. De ahí viene ese afán de cambiar la pierna de Alicia por la vida de Tobia, un estupendo futbolista, líder de su grupo, que se convierte en un obeso mórbido, blanco del bullying de sus antiguos amigos —de nuevo el acoso escolar sale a relucir en un festival que parece haberse especializado en este tema.

No obstante, lo más destacable de la película es la actuación de las tres actrices principales. En especial brilla el duelo interpretativo entre Jasmine Trinca y Valeria Bruni Tedeschi, una actriz, esta última, asidua al certamen sevillano tanto delante como detrás de la cámara. Así, la vimos en una retrospectiva que se hizo de su carrera en el XIII Festival de Cine Europeo, y en películas como El capital humano o Ma Loute, por nombrar solo dos, las que en su día reseñamos. 

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3 WEEKS AFTER (3 nedelje posle de Miroslav Terzic, 2026)

A cuestas con el tema del bullying, después de ver la muy buena película que es Adult Supervision, ayer pudimos asistir a la proyección de 3 Weeks After, cinta serbia del director del mismo país Miroslav Terzic, que también compite por el Giraldillo de Oro en la Sección Oficial aquí, en el XXIII Festival de Cine Europeo de Sevilla.

El largometraje balcánico arranca con el viaje en autobús de una clase de alumnos de instituto que se van de excursión. Todos, estudiantes y profesores, se sorprenden al ver que se une al grupo Tzotza, después de varias sesiones con un psiquiatra. El adolescente ha estado intentado superar la muerte de su mejor amigo, que tres semanas antes se había suicidado después de un episodio de acoso escolar. El problema es que, mediado el viaje, se sube al autobús, a escondidas, el responsable de aquel bullying. Una avería en el vehículo provoca que todos se refugien en un hotel vacío y alejado de la civilización. Un sitio ideal para montar una fiesta y seguir con el acoso…

3 Weeks After es una vuelta de tuerca —más de una— al tema del abuso escolar. Menos compleja y completa que la citada Adult Supervisión, es mucho más incisiva, como un puñetazo directo al mentón del espectador. Resuelto en largo planos generales, para invitar a la audiencia a que participe con su reflexión, el filme se estructura en dos partes: la de antes de la llegada al hotel y la que viene después, la que convierte al largometraje en una pesadilla, en casi una película de terror.

Mientras el acoso se convierte en una realidad, los profesores, de vuelta de todo, no son capaces de reaccionar, no saben cómo frenar el problema ni cómo solucionarlo. Prefieren acudir a la estrategia del avestruz. El director serbio no les deja a los maestros sin palabras, pero decir que «cada generación de estudiantes es peor que la anterior» y sentir compasión por la víctima, sin intervenir, no soluciona nada, al revés, acrecienta el problema.

Basada en hechos reales, la cinta de Terzic está dedicada a Aleksa Jankovic, de 14 años, un adolescente que se suicidó en 2011 para escapar de sus acosadores. La terrible secuencia final de 3 Weeks After, con Tzotza mirando a la cámara, en silencio, es un oxímoron, un grito al espectador, al mundo, que parece decir: ¿Y tú, qué vas a hacer para resolver el problema? 

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LA BOLA NEGRA (Javier Ambrosi y Javier Clavo, 2026)

En el ecuador del XXIII Festival de Cine Europeo de Sevilla, ayer pudimos asistir a la proyección de La bola negra, una de las películas señeras de este certamen —y de todos donde se ha presentado—, con premios tan importantes como el de mejor director en Cannes, y con el honor de haber sido elegida para representar a España en los Óscar. Aquí en Sevilla, la película de “los Javis” compite en la Sección EFA (European Film Academy) y, por tanto, aspira a ganar el premio del público.

La cinta es un recorrido por tres historias donde sendos personajes gais llevan a cuestas su identidad sexual en un mundo abiertamente hostil a ella: En 1937, Sebastián (Guitarricadelafuente, debutando en el cine) es un soldado del bando nacional al que le asignan la vigilancia de Rafael (Miguel Bernardeau), prisionero muy especial condenado a muerte, por el que Sebastián se siente atraído. En 1932, Carlos intenta ser aceptado en el casino de su ciudad, pero es rechazado por su condición de homosexual. En 2017, Alberto, también gay, indaga sobre su familia y descubre el manuscrito de una obra de teatro perdida.

Tres tramas diferentes entre sí, que suceden en distintos contextos históricos, pero guardan un denominador común como es la defensa de la identidad. La compleja estructura de la cinta alterna las historias de la trilogía de forma casi experimental y críptica en la primera hora —el que dos de los actores principales se parezcan tampoco ayuda—, de tal forma que, si no se ha visto la película anteriormente, o no se sabe cómo se conectan las tramas unas con otras, el espectador anda bastante perdido.

En esa fase del filme, la película se sostiene gracias a algunas secuencias tan brillantes como la del arranque, muy felliniana —también recuerda a la obra de los hermanos Taviani—, donde un bombardeo destroza un pueblo. En las ruinas, uno de los protagonistas sube con dificultad por unos escombros que incluyen los restos de la escultura de un San Sebastián (evidente símbolo gay). Metáfora de lo cuesta arriba que se lleva la homosexualidad en aquella, y en todas, las épocas. Otra secuencia destacada es la musical protagonizada por una irreconocible Penélope Cruz, que nos retrotrae a las cintas españolas de la época.

Es más adelante —casi una hora y media más tarde, con la seria amenaza de volverse plúmbea la narración— cuando las tres historias consiguen conectar entre sí. El largometraje toma cuerpo y se hace mucho más atractivo e interesante a pesar del excesivo metraje. Descubrimos que la obra inacabada de Federico García Lorca, La bola negra, es el elemento que imbrica las tres narraciones y da consistencia a la cinta.

Así, aunque el largometraje de Los Javis continúa con su simbología —la secuencia de la ilusoria ejecución a nadie se le escapa que recrea la muerte de Lorca—, se van revelando personajes que existieron en realidad; esa mezcla entre ficción y autenticidad es necesaria para presentar este buen tríptico y darle empaque y fuerza dramática a todo el conjunto.

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ADULT SUPERVISION (Arkipelag de Alex Schulman, 2026)

De vuelta a la Sección Oficial, aquí en el XXIII Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026, hemos podido asistir a la proyección de la película sueca Adult Supervision, una cinta que compite por el Giraldillo de Oro y que hasta ahora es la que más nos ha impactado:

Los alumnos de una clase van a disfrutar de tres días de campamento en una isla. Aparte de los monitores, casi tan jóvenes como algunos de ellos, también ayudan como voluntarios tres padres de sendas alumnas del grupo. Desde el principio, Bill (Gustaf Skarsgard), uno de ellos, presencia lo que parece un bullying. Bill intenta detener el abuso, pero al final será Bobo (Fares Fares), otro de los adultos, pero más autoritario que Bill, el que pondrá orden en el campamento; mientras tanto Pontus (Linus Wahlgren), el tercer padre, se siente atraído por una de las monitoras…

El filme del realizador escandinavo Alex Schulman, que debuta en el largometraje y se ocupa también del guion —basado en las experiencias del director como padre voluntario para supervisar un campamento escolar—, arranca ya con señales de que el grupo a controlar es complicado cuando una de las profesoras enseña a los padres parte de un chat de los alumnos. Insultos, acoso xenófobo y racista, violencia, etc., todo parece indicar que les esperan tres días difíciles en la isla.

Adult Supervision pertenece a lo que es ya un género, el de profesores y alumnos, con obras tan interesantes como Sala de profesores, El taller de escritura o Class Enemy, por citar algunas de las películas que hemos visto en el festival en otras ocasiones. Lo que diferencia la cinta de Schulman de las demás es que ahora el drama se desarrolla entre padres y alumnos, sin mediar profesores, y en un entorno aislado.

Aparte del acoso escolar, existe otro problema similar que se refleja en los padres de los alumnos cuando salen a relucir los traumas del pasado. En una película donde las apariencias engañan, donde el mal uso del móvil y de las redes sociales no hacen nada más que amplificar los conflictos, se ve lo lejos que andan los adultos de lo que realmente sucede en el interior del grupo de estudiantes. Pronto el drama muda a thriller para que ayude a que la película obtenga lo que el director pretende: que el poso que quede después de haber digerido el impactante final sea el de la crítica social hacia las distintas problemáticas que aborda la película.

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LA VIOLINISTA (The Violinist de Raúl García y Ervin Han, 2026)

Sin abandonar la Sección EFA (European Film Academy), ni la animación, seguimos aquí en el XXIII Festival de Cine Europeo de Sevilla con La violinista, una película coproducida por España, Italia y Singapur, dirigida por el español Raúl García y por el singapurense Ervin Han, también responsable del guion y cofundador del estudio de animación Robot Playground Media. 

La historia de La violinista se desarrolla en Singapur donde Fei es una niña que toca el violín desde temprana edad y Kai es un sirviente con un oído increíble que solo de escuchar a Fei, y con unas pocas clases, toca el violín como un maestro, y hasta compone. Juntos dan pequeños conciertos y sueñan con ser grandes violinistas y tocar por todo el mundo cuando sean mayores, pero la guerra los separa y trunca todos sus planes. Acabado el conflicto, Fei sigue su carrera de concertista con el objetivo y la esperanza de dar con Kai, al que se le da por muerto cuando militaba en la resistencia.

El filme se estructura en un largo flashback donde un periodista español consigue una entrevista con la anciana Fei, virtuosa violinista, que le cuenta su vida junto a Kai. La película no solo trata de la vida de Fei, tal como anuncia el título, podría ser perfectamente la historia de un violín (el de Kai, que toca Fei cuando este desaparece), o la historia de una sonata compuesta por Kai: Sonata al atardecer.

Pero también puede ser la historia de Singapur a lo largo del siglo XX, con especial atención a la ocupación japonesa durante la Segunda Guerra Mundial. Al comienzo de la guerra, Kai abandona Singapur y se une a la resistencia, mientras que Fei se queda en la colonia inglesa ahora gobernada por los nipones. Solo le queda como recuerdo el violín de Kai y la sonata incompleta compuesta por su novio.

Ni que decir tiene que la música es uno de los elementos a destacar. Compuesta por Isabel Latorre y por Ricky Ho, reconocido compositor de Singapur, acompaña prácticamente todo el metraje, con una sensibilidad extrema y cargada de emoción. Por otro lado, la animación vintage recuerda a las series de dibujos de los años ochenta y se desmarca del manga para tener entidad propia, a pesar de la pertenencia a un estudio asiático.

La emoción, la ternura, el drama y el interés que despierta la historia se unen —junto a la música— en una secuencia hacia el final donde, sin palabras, solo con imágenes acompañadas por la sonata compuesta por Kai y terminada por Fei, se explica qué fue de Kai en todos esos años. Una conclusión conmovedora para una maravillosa película, que, auguro, provocará ríos de lágrimas entre la audiencia.

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¡VIVA CARMEN! (Carmen, l'oiseau rebelle de Sébastien Laudenbach, 2026)

Segundo día en el XXIII Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026, donde nos pasamos a la Sección EFA, de los nominados a los premios de la Academia de Cine Europeo, para ver una cinta francesa de animación —no será la única que veamos—, que fue la elegida para inaugurar el certamen sevillano.

¡Viva Carmen! es una original versión de la célebre historia ideada por Prosper Mérimée y llevada a la ópera por Georges Bizet. El director de la película, Sébastien Laudenbach, lleva la trama a la mitad del siglo XIX y la reduce a un cuento de solo dos días en el cual Salvador, una especie de lazarillo, es el ayudante del afilador Tonio. Un viejo ciego que, sin embargo, tiene visiones y puede predecir el futuro cuando afila los cuchillos de los clientes. Después de que Tonio, mientras está afilando la navaja de José, adivine la muerte de Carmen a manos del cabo, Salvador (el nombre no es gratuito) reúne a unos amigos de la ciudad para impedir que suceda la tragedia.

Enésima versión de Carmen, ingeniosa y entretenida con unos dibujos animados que ya son el sello de Laudenbach, a base de trazos, colores pastel y estética de acuarela. La misma técnica que empleó en su último filme Linda quiere pollo (Linda veut du poulet!, 2023) —¡la que se lía en la ciudad por el capricho de Linda!— un estupendo largometraje, muy divertido.

En ¡Viva Carmen! se narra la frenética búsqueda contrarreloj de la navaja de José —sin navaja no hay crimen— por parte de Salvador y sus amigos. La cinta transcurre por la Sevilla de la Giralda y la Torre del Oro, bañada por el Guadalquivir, donde solo hay una pasarela construida sobre barcazas, mientras se levanta el que será puente de Triana. Acertada, pues, la elección de esta cinta para dar el pistoletazo de salida al presente festival andaluz.

Y claro, la música compuesta por Bizet está más que presente, ora cantada por Carmen, ora tocada por la flauta de Salvador o coreada por el pueblo en la secuencia de la corrida de toros. Resuena en los callejones de Sevilla, en las murallas de la ciudad o en las orillas del río, escenario de las mejores secuencias de esta buena película. 

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ELEPHANTS IN THE FOG (Tiniharu de Abinash Bikram Shah, 2026)

Primer día aquí, en el XXIII Festival de Cine Europeo de Sevilla, y primera proyección a la que asistimos dentro de la Sección Oficial: una cinta del Nepal, coproducida por, entre otros países, Alemania, Francia y Noruega, de ahí su pertenencia al cine europeo.

Dirigida por el realizador nepalí Abinash Bikram Shah, Elephants in the Fog describe la vida en una comunidad de mujeres kinnar, o personas del tercer género —varones travestidos, también llamados jisra en la India—, que viven en una aldea cercana a un bosque donde habitan elefantes salvajes. La población hace rondas nocturnas para proteger las cosechas de los paquidermos. Pirati, la matriarca de las kinnar manda diariamente a una de sus protegidas a la ronda nocturna hasta que Apsara, una de sus “hijas”, desaparece. Cuando la policía se desentiende del caso, Pirati debe apartar los sueños de una vida normal, al lado de un músico de la aldea, para dedicarse a investigar la desaparición de su pupila…

El filme arranca con la celebración de una boda y la participación de Pirati y su comunidad en la fiesta, debido a la creencia de que las kinnar tienen poderes sagrados. Por ese motivo las invitan a bautizos, bodas y ceremonias importantes para que les den su bendición y les deseen prosperidad.

Debido a sus actividades como prostitutas, las kinnar sufren la marginación de la mayor parte de la sociedad, en especial de las esposas de aquellos que se relajan con las travestidas. Mientras, una minoría de creyentes las respetan y las temen a la vez. En el largometraje, Pirati ejerce como madre del grupo, y les da a sus integrantes el cariño que seguramente no tuvieron en sus familias de origen. De ahí que cuando Apsara desaparece, Pirati se entregue por completo a la búsqueda.   

Consecuente con el tema que trata, Elephants in the Fog queda muy lejos del Bollywood de las películas multicolor, las escenas oníricas, los bailes, las canciones y los finales felices. En la cinta predominan las secuencias nocturnas, al tiempo que Pirati se estrella una y otra vez contra un mundo que desprecia a su grupo, que las insulta y quema sus hogares, pero que, a la vez, subestiman sus poderes…    

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XXIII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2026

Parece que fue ayer cuando dábamos por cerrada la crónica del último festival de cine, aquí, en la capital andaluza. Cómo pasa el tiempo. A una semana del comienzo de un nuevo certamen, el XXIII Festival de Cine Europeo de Sevilla 2026, nos cargamos las pilas para disfrutar un año más de este esperado evento que nos visita cada año en el mes de noviembre.

 “Esto es cine europeo, 6-14 de noviembre”,  rezan los nuevos carteles del festival, una costumbre que se inició el año pasado con un tríptico dibujado por el ilustrador sevillano José Luis Ágreda. Este año con guiños a Almodóvar y su Átame, con Antonio Banderas secuestrando a la Giralda; a Godard y Al final de la escapada, con los protagonistas paseando por las Setas; y a Fritz Lang y su Metrópolis, con los personajes femeninos (el robot también) bailando sevillanas.

Pinchar en la imagen para ver el tríptico en todo su esplendor

Este año, la muestra se extenderá aún más por la ciudad. ¡Lo que ha crecido el festival! Hace un par de décadas se circunscribía a un centro comercial y poco más, y ahora podemos ver las películas a concurso desde la moderna Cartuja hasta el casco antiguo, desde el barrio de Nervión hasta la plaza de Armas o la Alameda.

En cuanto a la oferta cinematográfica se refiere, como siempre destacamos las ya habituales Sección Oficial y Sección EFA (European Film Academy) como las más interesantes, donde se podrán ver las películas a concurso por el Giraldillo de Oro, y las que optan a los premios de la Academia de Cine Europeo, respectivamente. Tanto en unas como en otras —más en la EFA—, hay varias cintas que llegan con sendos premios bajo el brazo en otros festivales tan importantes como el de Cannes, Venecia, Berlín o San Sebastián.

Fotograma de Coward (Lukas Dhont 2026)

Así, de la Sección Oficial, La casa en ruinas y Children of the Monkey vienen con premios en la ciudad italiana, mientras que Elephants in the Fog, consiguió un galardón en Cannes. De la Sección EFA, Cartas de Estado (del director de aquella Sala de profesores de hace tres años) triunfó en Berlín ganando el Oso de Oro y Rose de Markus Schleinzer también consiguió un premio en la ciudad alemana; en Cannes triunfaron La Gradiva de Marine Atlan, Coward de Lukas Dhont (conocido en el festival andaluz cuando ganó el premio del jurado con Close hace cuatro años), Everytime de Sandra Wollner, Fatherland de Pawel Pawlikowski (Célebre director polaco, con obras tan buenas como Isa o Cold War), Fjord de Cristian Mungiu (autor de la excelente 4 meses, 3 semanas, 2 días), que ganó la Palma de Oro y, como no, La bola negra de los Javis, que se hizo con el premio al mejor director (también fue premiada en San Sebastián). En Venecia, The Spiral de Paolo Strippoli tampoco se fue de vacío. Por tanto, mucho bagaje y muy bueno el que nos traen en esta ocasión las cintas que optan al premio del público y a llevarse los galardones que entrega la prestigiosa academia europea.

Pero no solo de Sección Oficial y Sección EFA vive el festival sevillano. Como otros años, el certamen incluye apartados tan interesantes como Alumbramiento (un espacio para la revelación), Rampa (talento emergente del cine europeo), Embrujo (voces audaces del cine europeo), Panorama Andaluz, tanto de cortos como de largometrajes, Special Screenings, Future Frames y Esenciales, con retrospectivas en honor a, entre otros, Andrzej Wajda, proyectando las obras maestras Cenizas y diamantes,  El hombre de mármol y Generación; a Luis Buñuel, Jean-Pierre Melville, Alexander Mackendrick y a Agnieszka Holland. Precisamente, este año se entregará el Giraldillo de Honor a la directora polaca.

Muy atractivo programa, pues, el que nos espera estos nueve días de cine en Sevilla. Como acostumbro, daré cuenta de lo que sucede y espero escribir reseñas de todo lo que vea, que ojalá sea bueno.

¡Un abrazo a los lectores que nos sigan estos días de cine! 

LEER CRÓNICA Y RESEÑAS DE LAS PELÍCULAS DEL FESTIVAL

Ver programación del festival.

Ver ediciones anteriores:

SEFF25, SEFF24, SEFF23, SEFF22, SEFF 21, SEFF 19, SEFF 17, SEFF16, SEFF15,

 SEFF14, SEFF13, SEFF12, SEFF11, SEFF10  

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2 X 1: "EL EFECTO DE LOS RAYOS GAMMA SOBRE LAS MARGARITAS" y "EL ZOO DE CRISTAL" (Paul Newman)

El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas (The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds, 1972) 

El actor Paul Newman, leyenda del cine mundial, después de una excelente filmografía en los años cincuenta y primeros sesenta cae en un cine irregular al simultanear buenos largometrajes con películas de escaso interés, muchas de ellas dirigidas por su amigo Martin Ritt. Quizás por ese motivo, a finales de la década, comienza una carrera paralela como director. 

De las cintas que realizó destacan las interpretadas por su mujer Joanne Woodward; actriz que no dio su mejor versión cuando participaba en los filmes que protagonizaba su marido, pero que brilló especialmente cuando Newman la dirigió. La prueba está en las dos cintas que hoy traemos. 

La primera de ellas, El efecto de los rayos gamma sobre las margaritas, es una versión de la homónima obra de teatro de Paul Zindel, ganadora del premio Pulitzer. Narra la vida de Beatrice (Joanne Woodward), una viuda excéntrica, que ocupa su vida con los anuncios clasificados, y de sus hijas: Ruth, alocada, epiléptica y en plena adolescencia, que parece seguir los pasos de su madre; y Matilda (interpretada por Nell Potts, a la sazón hija de Joanne Woodward y Paul Newman), tranquila, excelente alumna, que pasa su tiempo estudiando y cuidando a sus conejos.

 

El título se refiere a la práctica de ciencias que Matilda debe presentar en clase y trata de cómo se comportan las plantas al ser atravesadas por los rayos gamma: mientras unas se echan a perder, otras mutan, se transforman, florecen y salen adelante. Clara metáfora de, no solo la película, sino de la vida en general: las personas se comportan de distinta manera en entornos tóxicos y hostiles (como el de la casa de Beatrice), unas se hunden (Ruth) y otras son capaces de prosperar superando las adversidades de la vida (Matilda). 

Hay un párrafo que resume la película cuando Beatrice responde a Matilda, que dice que se encuentra estudiando la vida media de las plantas. La madre dice algo como “¿Ciencia eh? Pues dile al señor Goodman (el profesor de ciencias) que aquí hay mucho trabajo por hacer, así que más le vale no contar con que te pases los días ocupada con la «vida media». Dile que, si quiere saber algo sobre la vida media, puede venir a preguntarme a mí; yo soy la vida media en persona. Tengo una hija medio loca, otra que es medio tubo de ensayo y una casa medio llena de cagarrutas de conejo”. 

 

El zoo de cristal (The Glass Menagerie, 1987) 

De nuevo Paul Newman filma a su mujer en lo que sería su canto del cisne como director. Otra película basada en una obra de teatro: se trata de la adaptación de The Glass Menagerie de Tennessee Williams (ya se hizo una buena versión cinematográfica en 1950 a cargo de Irving Rapper, con Kirk Douglas, Jane Wyman, Gertrude Lawrence y Arthur Kennedy), y de nuevo Joanne Woodward, en lo que podría ser una continuación de Los efectos de los rayos…, encarna, otra vez, a una madre peculiar con dos hijos a su cargo: 

Estamos en los años treinta —de hecho, hay referencias a la guerra civil española— y Amanda (Joanne Woodward en un papel que ya interpretó en el teatro) vive sola (su marido la dejó) y proyecta sus frustraciones sobre sus hijos: Tom (John Malkovich), que sufre el control de su madre mientras trabaja en un almacén muy a pesar suyo; y Laura (Karen Allen. Años antes la propia Joanne Woodward también se hizo con el papel de Laura en el teatro), tullida, tímida y acomplejada, dedica su tiempo a una colección de pequeños animales de cristal (el título de la película). Amanda se desvive por su hija para que sea feliz, y sueña con que la visitan pretendientes; mientras, persigue a Tom para que no se comporte como su padre. Este desea abandonar la asfixiante vivienda para viajar y recorrer el mundo, pero teme dejar a su frágil hermana sola con su madre. Cuando Tom invita a cenar a su casa a Jim (James Naughton), un compañero del trabajo, salen a relucir todas los fracasos y las desilusiones de la familia. 

Entorno claustrofóbico del que escapa Tom cuando se va todas las noches al “cine”, es lo que le dice a Amanda, cuando en realidad bebe a escondidas como su padre, justo lo que más teme la madre. Por otro lado, el tema de la lisiada es como el elefante en la habitación: Amanda no quiere ni nombrarlo cuando todos piensan en ello, en especial la hija, y es la causa de todas sus desdichas desde el instituto. Laura dejó los estudios por ese motivo, porque todos la miraban cuando llegaba tarde a clase cojeando. 

El desesperanzador final de esta película, que es casi una obra de teatro filmada, no tiene nada que ver con el más optimista de la versión de 1950. Con un único escenario en la cinta de 1987, la destartalada vivienda de la familia, destacan las excelentes interpretaciones del exiguo elenco: A Joanne Woodward, que lleva el peso de la película, le acompañan un joven John Malkovich, que exhibe su buen hacer en las tablas, y Karen Allen, que demuestra que hay vida después de Indiana Jones. 

La historia desemboca en la última secuencia, que dura casi un tercio de la película, cuando el hijo invita a un amigo a cenar y todo se vuelve del revés: la madre quiere dar una buena impresión para que su hija pueda salir de su mundo (tan introvertida como Matilda en la citada El efecto de los rayos gamma…), mientras el invitado parece interesarse por ella...

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EL AUTOREMAKE EN EL CINE. CAPÍTULO II (4)

Si bien el personaje que encarna Lon Chaney no se encuentra tan definido como en cintas posteriores, en Fuera de la ley ya presenta el carácter torturado que puede desatar una violencia sin control como la de la secuencia final. La presencia del actor enmarca la trama: aparece en el arranque y en la conclusión, es decir en lo mejor de la cinta. Browning contiene la actuación de Chaney durante la mayor parte del metraje. Lo hace con toda la intención para jugar con el público que aguarda con expectación, que sabe que de un momento a otro va a pasar algo. Y es que a la tensión de la trama se le suma la que aporta el propio Chaney: el espectador se pregunta qué sorpresa final estará preparando el actor cuando éste aparece tras la puerta del piso de Molly y Bill. Browning lo sitúa entre los dos; ya sabemos que queda poco para que estalle la tormenta (2.9). 

Es el “efecto Chaney”, el activo extra que sumaba el actor a cualquier película que tenía la suerte de contar con su participación. En este caso, la violencia interior de Blackie emerge por fin en la pelea que resuelve la trama; es cuando el rostro de Chaney acumula tal rabia que se transforma para entrar a formar parte de su particular galería de monstruos (2.10). 

Y de nuevo llegamos a los freaks de Browning casi siempre presentes en su obra —y en su vida, como hemos visto—, con Chaney al frente de todos ellos. Aquí tampoco faltan: así, tenemos a Humpy, el sicario de Blackie, un enano que se cuela en todos los tugurios (2.11); a las chinas discípulas de Chang Low, unas orientales también bajitas a las que el maestro alecciona con proverbios de Confucio (2.13), y, por último, al niño que seduce a Molly y a Bill. El pequeño no es ningún ser deforme, pero destaca tanto por su interpretación que da la impresión de que una persona mayor se ha apoderado de su cuerpo (2.12). Quizás por eso nos recuerda al diminuto Harry Earles, un actor por el que Browning tenía cierta debilidad, especializado en personajes tan diabólicos como Hans de La Parada de los Monstruos o Tweedledee y Midget en las dos versiones de El Trío Fantástico. Unas caracterizaciones, estas últimas, especialmente desagradables cuando Earles se disfrazaba de bebé para cometer sus crímenes.

La dirección de Browning, la participación estelar de Priscilla Dean y Lon Chaney, y una historia de gánsteres en el barrio chino, con la ley seca recién estrenada, eran ingredientes más que suficientes para que Fuera de la Ley  se promocionara como una “Universal Jewel”, una etiqueta que Carl Laemmle daba a los productos de su estudio más prestigiosos o a los de mayor presupuesto. No sólo el fundador de la Universal estaba orgulloso de la cinta, Tod Browning también le tenía un cariño especial: “su amor por la historia, escrita por el mismo, quedará patente en el hecho que no vacilará en realizar un remake en 1930” (Aguilar 2011, p.654).

Continuará...

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