LA MUJER PIRATA (Anne of the Indies de Jacques Tourneur, 1951)

La célebre cinta de Jacques Tourneur se basa en la pirata Anne Boney, aunque el personaje principal no tiene mucho que ver con la legendaria filibustera:

Anne Providence (Jean Peters) es una pirata que al mando del “Reina de Saba” saquea barcos ingleses para vengarse de la muerte de su hermano. Tras hundir a uno de esos navíos, rescata de la bodega a un prisionero, un corsario francés llamado Pierre Francois (Louis Jourdan) al que recluta como piloto. Pierre es en realidad el capitán LaRochelle, espía forzoso al servicio de las autoridades británicas, que mantienen su barco, el “Molly O’Brien”, requisado en Port Royal. Para ganarse la confianza de Anne, el corsario francés le hace creer que está enamorado de ella y que posee el mapa del tesoro de Morgan...

El argumento original de Herbert Ravenel Sass es el resultado de un brainstorming donde nombres de personajes, buques y lugares correspondientes a la historia real se combinan para dar con una entretenida trama de ficción: En la película no sólo aparece Anne Bonny, conocida con toda la intención como el capitán Providence (vivía allí), sino también el pirata Barbanegra con su buque el “Revenge”. Lo original del argumento de La mujer pirata es que ahora es la protagonista la que domina la acción y el supuesto héroe es el que bascula alrededor de ella. Eso sí, el habitual papel femenino, el de víctima, no desaparece del todo ya que hay otra mujer en la historia: Molly, la esposa de Pierre, que ocupa ese lugar vacante.

En La mujer pirata el realizador se permite jugar con la fotografía para conseguir el efecto dramático deseado, en este caso con el excelente tecnicolor de la Fox. El contraste es manifiesto dentro de la taberna donde se emborrachan los piratas, y donde Anne y Barbanegra desentonan con los azules de sus vestidos entre un mar de beiges, marrones o colorados. Lo mismo sucede en el club donde Pierre acude a entrevistarse con los ingleses. Ellos van de un azul intenso, frío, mientras la gama cromática ambiente es de tonos cálidos. Otro ejemplo: cuando Barbanegra ya supone una amenaza, a partir de su visita a la isla donde los piratas están limpiando fondos, Tourneur lo viste con una casaca de un color rojo chillón que ya no abandonará hasta el final.

Además de dominar el color, Tourneur era un maestro en gestionar el ritmo de la película. Un ritmo que no decae en ningún momento: con las elipsis adecuadas y la acción continuada, el director no deja un instante de respiro. Sólo descansa en las muy bien llevadas escenas de amor entre Anne y Pierre, pero siempre con la tensión latente que lleva implícito el fuerte carácter de la capitana Providence.

El éxito de la cinta de Tourneur animó a las productoras a repetir personaje. La Universal probó con Maureen O’Hara en La isla de los corsarios. Otra película destacada con una bucanera al mando fue La isla de las cabezas cortadas, filme célebre por el dudoso honor de estar en posesión del récord Guiness al mayor fracaso económico. Largometraje que no es tan malo como se dijo y que contaba con Geena Davis en el papel estelar. 

Lo que está claro es que ninguna de las dos “islas” ha podido igualar a La mujer pirata. La dirección del gran Tourneur, y la interpretación de Jean Peters, estelar en las secuencias de acción, tienen la culpa. La escena final cuando Anne arremete contra sus propios hombres que quieren rendirse, y cuando desafía a Barbanegra desde la tabla de jarcia es una de las joyas del cine de aventuras de siempre.

El post es un extracto corregido para la ocasión del capítulo dedicado a La mujer pirata en mi libro: CINE Y NAVEGACIÓN. Los 7 mares en 70 películas

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AUTORRETRATOS DE CINE.

Seguimos con las noticias literarias aquí en el blog de ethan, y ahora es un orgullo presentaros mi nuevo ensayo sobre cine: AUTORRETRATOS DE CINE. Las 50 mejores películas de Hollywood interpretadas por sus directores:

El libro ha sido editado por Ediciones TREA y cuenta con 480 páginas e ilustraciones a todo color. 

"Autorretratos de cine es un viaje único a través de cincuenta películas de Hollywood en las que sus directores decidieron ponerse también frente a la cámara. Desde el clásico El gran dictador (1940) hasta cintas recientes como En un lugar salvaje (2021), pasando por largometrajes tan conocidos como Ciudadano Kane, Braveheart, Bailando con lobos, Manhattan o Sin Perdón, Fernando de Cea recorre, con rigor y amenidad, títulos clásicos y contemporáneos que configuran una mirada distinta a la historia del séptimo arte. 

Entre anécdotas, análisis y retratos de carreras singulares, este libro descubre el valor de esos cineastas que eligieron doblarse en dos: creadores y protagonistas de sus propias obras, y las distintas motivaciones que les impulsaron a hacerlo. Un ensayo original y apasionante que fascinará tanto a cinéfilos como a lectores en general".

El índice de la obra es el siguiente:

ÍNDICE:

 

Introducción

1. CHARLES CHAPLIN: EL GRAN DICTADOR (1940)

2. ORSON WELLES: CIUDADANO KANE (1941)

3. ROBERT MONTGOMERY: PERSECUCIÓN EN LA NOCHE (1947)

 

4. IDA LUPINO: EL BÍGAMO (1953)

 

5. MARK STEVENS: TIME TABLE (1956)

 

6. MARLON BRANDO: EL ROSTRO IMPENETRABLE (1961)

 

7. JERRY LEWIS: EL PROFESOR CHIFLADO (1963)

 

8. DENNIS HOPPER: EASY RIDER (BUSCANDO MI DESTINO) (1969)

 

9. PETER FONDA: HOMBRE SIN FRONTERAS (1971)

 

10. BARBARA LODEN: WANDA (1971)

 

11. ELAINE MAY: CORAZÓN VERDE (1971)

 

12. JOHN CASSAVETES: NOCHE DE ESTRENO (1977)

 

13. WOODY ALLEN: MANHATTAN (1979)

 

14. WARREN BEATTY: ROJOS (1981)

 

15. ROB REINER: THIS IS SPINAL TAP (1984)

 

16. GENE WILDER: LA MUJER DE ROJO (1984)

 

17. SPIKE LEE: HAZ LO QUE DEBAS (1989)

 

18. KEVIN COSTNER: BAILANDO CON LOBOS (1990)

 

19. BARBRA STREISAND: EL PRÍNCIPE DE LAS MAREAS (1991)

 

20. GARY SINISE: DE RATONES Y HOMBRES (1992)

 

21. EDWARD JAMES OLMOS: AMERICAN ME (SIN REMISIÓN) (1992)

 

22. CLINT EASTWOOD: SIN PERDÓN (1992)

 

23. ROBERT DE NIRO: UNA HISTORIA DEL BRONX (1993)

 

24. EDWARD BURNS: LOS HERMANOS MCMULLEN (1995)

 

25. MEL GIBSON: BRAVEHEART (1995)

 

26. TOM HANKS: THE WONDERS (1996)

 

27. BILLY BOB THORNTON: EL OTRO LADO DE LA VIDA (1996)

 

28. STEVE BUSCEMI: TREES LOUNGE – UNA ÚLTIMA COPA (1996)

 

29. KENNETH BRANAGH: HAMLET (1996)

 

30. JOHNNY DEPP: THE BRAVE (1997)

 

31. VINCENT GALLO: BUFFALO ’66 (1998)

 

32. ROBERT REDFORD: EL HOMBRE QUE SUSURRABA A LOS CABALLOS (1998)

 

33. AL PACINO: CHINESE COFFEE (2000)

 

34. ED HARRIS: POLLOCK (2000)

 

35. BILL PAXTON: ESCALOFRÍO (2001)

 

36. DAVID DUCHOVNY: DELITOS MENORES (2004)

 

37. ZACH BRAFF: ALGO EN COMÚN (2004)

 

38. TOMMY LEE JONES: LOS TRES ENTIERROS DE MELQUIADES ESTRADA (2005)

 

39. GEORGE CLOONEY: BUENAS NOCHES, Y BUENA SUERTE (2005)

 

40. EMILIO ESTÉVEZ: BOBBY (2006)

 

41. JODIE FOSTER: EL CASTOR (2011)

 

42. BEN AFFLECK: ARGO (2012)

 

43. BEN STILLER: LA VIDA SECRETA DE WALTER MITTY (2013)

 

44. JOHN TURTURRO: APRENDIZ DE GIGOLÓ (2013)

 

45. RUSSELL CROWE: EL MAESTRO DEL AGUA (2014)

 

46. DENZEL WASHINGTON: FENCES (2016)

 

47. JAMES FRANCO: THE DISASTER ARTIST (2017)

 

48. EDWARD NORTON: HUÉRFANOS DE BROOKLYN (2019)

 

49. VIGGO MORTENSEN: FALLING (2020)

 

50. ROBIN WRIGHT: EN UN LUGAR SALVAJE (2021)

 

Apéndice. En el tintero…

 

Bibliografía

Índice de películas citadas.

El libro ya se puede adquirir en Amazon (pinchar en el siguiente banner), en La casa del libro y encargar en las principales librerías. ¡Espero que os guste!

Un abrazo a todos los lectores del blog.

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PALMARÉS DEL XXII FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2025

Último día, ayer, en el Festival de Cine Europeo de Sevilla, y última sesión de cine que nos llevó a asistir a la proyección de Dossier 137, película de Dominik Moll, hijo de madre francesa y padre alemán, afincado en Francia donde ha realizado la mayoría de sus cintas, incluida este filme policíaco donde una inspectora de asuntos internos investiga los sucesos acaecidos en una de las manifestaciones de los chalecos amarillos. Largometraje correcto, riguroso y detallista, basado en hechos reales, el caso describe un tema de brutalidad policial que provoca lesiones de por vida a un joven estudiante. En la línea de la estupenda serie española Antidisturbios, la película de Moll difiere de esta en que se narra desde el punto de vista de los agentes de asuntos internos, en concreto desde la protagonista (Léa Drucker), que lleva el peso de toda la película.

Y ahora vayamos al palmarés del festival, anunciado por la organización por la tarde del sábado 15 de noviembre:

 PALMARÉS DEL 22 FESTIVAL DE SEVILLA

 

Premio Giraldillo de Oro a la Mejor Película de la Sección Oficial: ‘WE BELIEVE YOU’. Dirección y guion: Charlotte Devillers, Arnaud Dufeys. Producción: Arnaud Ponthière, Arnaud Dufeys.

Gran Premio del Jurado de la Sección Oficial: ‘DJ AHMET’. Dirección y guion: Georgi M. Unkovski. Producción: Ivan Unkovski, Ivana Shekutkoska.

Premio Puerta América: ‘VALOR SENTIMENTAL’. Dirección: Joachim Trier. Guion: Joachim Trier, Eskil Vogt. Producción: Maria Ekerhovd, Andrea Berentsen Ottmar.

Premio a la Mejor Dirección: Cherien Dabis (‘ALL THAT’S LEFT OF YOU’). Dirección y guion: Cherien Dabis. Producción: Thanassis Karathanos, Martin Hampel, Cherien Dabis, Karim Amer.

Premio al Mejor Guion: Charlotte Devillers, Arnaud Dufeys (‘WE BELIEVE YOU’). Dirección y guion: Charlotte Devillers, Arnaud Dufeys. Producción: Arnaud Ponthière, Arnaud Dufeys.

Premio a la Mejor Actriz: Myriem Akeddiou (‘WE BELIEVE YOU’). Dirección y guion: Charlotte Devillers, Arnaud Dufeys. Producción: Arnaud Ponthière, Arnaud Dufeys.

Premio al Mejor Actor: Arif Jakup (‘DJ AHMET’). Dirección y guion: Georgi M. Unkovski. Producción: Ivan Unkovski, Ivana Shekutkoska.

Premio al Mejor Montaje: Hansjörg Weissbrich (‘TURNO DE NOCHE’). Dirección y guion: Petra Volpe. Producción: Reto Schaerli, Lukas Hobi.

Premio a la Mejor Fotografía: Angello Faccini (‘LA ANATOMÍA DE LOS CABALLOS’). Dirección: Daniel Vidal Toche. Guion: Daniel Vidal Toche, Ignacio Vuelta. Producción: Ignacio Vuelta.

Premio a la Mejor Dirección Artística: Juan Pablo Garay (‘LA ANATOMÍA DE LOS CABALLOS’). Dirección: Daniel Vidal Toche. Guion: Daniel Vidal Toche, Ignacio Vuelta. Producción: Ignacio Vuelta.

 

 

SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES

Premio al Mejor Cortometraje de Imagen Real: ‘IN HER ARMS’. Dirección: Roman Volosevych. Guion: Roman Volosevych, Ihor Zaitsev. Producción: Zlata Yefimenko.

Premio al Mejor Cortometraje de Animación: ‘THE BIRD FROM WITHIN’. Dirección y producción: Laura Anahory. Guion: Laura Anahory, Ana Anahory, Guilherme Mateus. 

EMBRUJO

Premio a la Mejor Película de Embrujo: ‘LIFE AFTER SIHAM’. Dirección y guion: Namir Abdel Messeeh. Producción: Camille Laemlé. 

RAMPA

Premio a la Mejor Película de Rampa: ‘MY FATHER’S SHADOW’. Dirección: Akinola Davies Jr. Guion: Wale Davies, Akinola Davies Jr. Producción: Rachel Dargavel, Funmbi Ogunbanwo. 

ALUMBRAMIENTO

Premio a la Mejor Película de Alumbramiento: ‘RENOVATION’. Dirección y guion: Gabrielé Urbonaitè. Producción: Uljana Kim. 

PANORAMA ANDALUZ

Premio Juan Antonio Bermúdez a la Mejor Película de Panorama Andaluz:

·       Premio a la Mejor Película de Ficción: ‘GOLPES’. Dirección: Rafael Cobos. Guion: Fernando Navarro, Rafael Cobos. Producción: Borja Pena, Emma Lustres de Rafael Cobos.

·       Premio al Mejor Documental: ‘TIEMPO ENTRE OLIVOS’. Dirección, guion, producción: Fany de la Chica.

Mención del Jurado de Panorama Andaluz: ‘NO SEA TU FALTA’. Dirección: Moisés Salama. Guion: Moisés Salama y Miguel Ángel Oeste. Producción: Moisés Salama

Premio Rosario Valpuesta al Mejor Cortometraje de Panorama Andaluz: ‘ALLÍ, LEJOS DE AQUÍ’. Dirección y guion: Pedro Gondi.Producción: Peter Petersen, Sofia Mellino, Pedro Gondi.

Premio Especial Rosario Valpuesta a la Contribución Artística: ‘LAS DESQUERIDAS’. Dirección: Charlie García Villalba, Gonzalo Ruiz Esteban. Guion: Carlota Berzal, María Cazenave, Gonzalo Ruiz, Charlie García. Producción: Melina Calderón. 

OTROS PREMIOS

JURADO ASECAN

Premio Asecan al Mejor Guion de Largometraje (ex aequo): Fernando Navarro y Rafael Cobos (‘GOLPES’). Dirección: Rafael Cobos. Guion: Fernando Navarro, Rafael Cobos. Producción: Borja Pena, Emma Lustres de Rafael Cobos / Mauricio Angulo y Julio Muñoz (‘LOS PINCELES DE LA BARONESA’). Dirección y guion: Mauricio Angulo, Julio Muñoz. Producción: Antonio Carreto, José Carlos Conde, Santi Botello, Antonio Rodríguez.

Premio Asecan al Mejor Guion de Cortometraje (ex aequo): Pablo Cueto (‘ACCIÓN, FIGURACIÓN’). Dirección y guion: Pablo Cueto. Producción: Mónica Peña, Pablo Cueto / Álvaro Amate y Jaime Tigeras (‘DISCORDIA’), de Álvaro Amate. Dirección: Álvaro Amate. Guion: Álvaro Amate, Jaime Tijeras. Producción:  Nacho Medina.

Premio AC/E a la Mejor Dirección de Película Española: ‘ELS MALS NOMS’. Dirección y guion: Marc Ortiz. Producción: Paloma Mora, Marc Muñoz.

Premio AAMMA Women in Focus (ex aequo): ‘WE BELIEVE YOU’. Dirección y guion: Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys. Producción: Arnaud Ponthière, Arnaud Dufeys / ‘THE GIRLS WE WANT’. Dirección: Prïncia Car. Guion: Prïncia Car, Lena Mardi. Producción: Johanna Nahon.

Premio Queer Ocaña: 'ELS MALS NOMS'. Dirección y guion: Marc Ortiz. Producción: Paloma Mora, Marc Muñoz.

Premio Cinéfilos del Futuro: ‘BELLA’. Dirección: Manuel H. Martín, Amparo Martínez Barco. Guion: Carmen Jiménez , Manuel H. Martín. Producción: Olmo Figueredo González-Quevedo, Carlos Rosado Sibón, Bernabé Rico, Diliana Alexander.

Premio Europa Junior: ‘MASCOTAS AL RESCATE’. Dirección: Benoît Daffis y Jean-Christian Tassy. Guion: David Alaux, Jean-François Tosti, Éric Tosti. Producción: Emy Contassot.

Premio Europeo de Cine-Guion Cinematográfico Universidad de Sevilla en categoría de ficción:

·       Primer Premio: ‘EL INFINITO TIENE HAMBRE’, Alejandro Ruiz Padín.

·       Segundo Premio: ‘NADIE QUIERE ENTERRARTE’, de Matías García Martín.

Gran Premio del Público a la Mejor Película de la Selección de la European Film Academy: ‘LITTLE AMÈLIE’. Dirección: Maïlys Vallade, Liane-Cho Han. Guion: Liane-Cho Han, Aude Py, Maïlys Vallade, Eddine Noël. Producción: Nina Santiago, Edwina Liard, Clarie La Combe, Henri Magalon.

 

Extenso palmarés que incluye todos los premios de cada una de las muchas secciones del certamen. No obstante, nos vamos a referir solo a la Sección Oficial donde este año he tenido el acierto —la suerte— de haber visto la mayoría de las películas premiadas, difícil elección dada la numerosa oferta del festival de casi trescientas proyecciones.

La ganadora del Giraldillo de Oro —con justicia— ha sido We Believe You, ópera prima de los directores Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys. Un filme valiente, en opinión del jurado, «que convierte un proceso judicial en una reflexión colectiva sobre la violencia sistemática, la vulnerabilidad y la empatía». La cinta también se ha llevado el premio a mejor guion, al de mejor actriz para Myriem Akheddiou —estaba cantado, ya lo anunciábamos en la correspondiente reseña—, y un premio menor el de Women in Focus ex aequo con The Girls We Want.

Otra ganadora del certamen ha sido la estupenda DJ Ahmet, que se ha llevado el Gran Premio del Jurado y el de mejor actor para el joven Arif Jakup. Por último, nos alegramos de que el excelente filme Late Shift – Turno de noche no se haya ido de vacío: ha ganado el premio al mejor montaje, justo galardón para un filme que destacaba, entre otras cosas,  por su elaborada técnica.

Sin nada más que reseñar, nos despedimos hasta el año que viene, Dios mediante, donde esperamos ya con impaciencia otro certamen del mejor cine que se puede ver en el Viejo Continente.

Un abrazo a todos los lectores.

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UN POETA (Simón Mesa Soto, 2025)

En la Sección EFA (películas nominadas a los premios de la Academia de Cine Europeo) del XXII Festival de Cine Europeo de Sevilla pudimos ver Un poeta, una película colombiana del director de Medellín Simón Mesa Soto. Algo, sin duda, extraño que se cuele esta cinta en los premios europeos si no fuera porque es una coproducción del país sudamericano con Alemania y Suecia.

El filme narra la historia de un escritor en crisis, divorciado, alcohólico y sin trabajo al que le consiguen un puesto de profesor de literatura en un instituto de Medellín. El poeta, como el mismo se denomina, tuvo éxito en la juventud logrando publicar dos libros, pero desde entonces no levanta cabeza. Cuando una de sus alumnas destaca por su talento, el protagonista intenta que la adolescente sea reconocida en los ambientes literarios de la ciudad.

La película es —o pretende ser— una comedia. Sin gracia y con más pena que gloria, avanza el largometraje (larguísimas dos horas, que por más que uno mira el reloj no terminan nunca). Una trama de un personaje en crisis, una especie de Woody Allen, pero en malo —ya quisiera parecerse al director neoyorquino—, donde todo lo que intenta el protagonista le sale fatal.

Y es que dos son los objetivos del poeta: el primero es lograr que su hija le quiera, cosa que no consigue ni de lejos, apenas logra que sienta lástima por él. El espectador ni eso. El segundo objetivo tiene que ver con el éxito de su alumna: como si el singular profesor fuera una suerte de entrenador, un antiguo boxeador que para recuperarse del fracaso quiere que su pupila sea por él la campeona mundial, cosa imposible dado el nulo interés de la susodicha.

Con dos o, a lo sumo, tres golpes graciosos, la cinta no deja de ser un bodrio. Una patochada que no se sostiene por más que el personaje se desgañite en gesticular, y que el director, a la sazón también guionista, intente hacer algo gracioso sin caer en la chabacanería más espantosa. 

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HISTORIAS DEL BUEN VALLE (José Luis Guerín, 2025)

Pasado el ecuador del XXII Festival de Cine Europeo de Sevilla, nos acercamos a la Sección dedicada a los premios de la Academia de Cine Europeo (EFA), premios a los que aspira la última película de José Luis Guerín: Historias del buen valle.

Un documental sobre la vida en Vallbona (el “buen valle” al que hace referencia el título), un barrio periférico de Barcelona que tras la guerra civil fue lugar de destino de inmigrantes que procedían del sur. En realidad, una aldea, casi una isla, como se dice en la cinta, por estar enclavado entre las líneas de ferrocarril, el río Rec y los puentes sobre las autopistas. Gracias a que sus primeros habitantes construyeron las casas con sus propias manos y lucharon por obtener servicios indispensables como luz, agua, el barrio fue creciendo hasta ser el vecindario multicultural que es hoy en día.

Guerín, con su cámara, da la palabra a los habitantes de Vallbona. Los más mayores cuentan los duros inicios del barrio, pero lo hacen con la añoranza del que recuerda tiempos mejores en un asentamiento del todo rural, cercano a la ciudad, pero lo suficientemente retirado para constituir un entorno ecológico y silencioso, una comunidad de vecinos solidaria a pesar de sus diferentes orígenes.

Precisamente, esas ventajas son las que han originado un proceso de gentrificación que es la principal amenaza que percibe el barrio. La presión urbanística es otra. Sobre todo, la que procede de la expansión del ferrocarril y la expropiación de las tierras, que arrasará los pequeños huertos cuidados con esmero y dedicación, casi con ternura por los habitantes del singular vecindario. Y es que hay algo en común entre los personajes de la película: todos hablan con las plantas.

El largometraje de Guerín tiene mucho en común con la reciente El 47 (Marcel Barrena, 2024), donde el barrio de Torre Baró, el más cercano a Vallbona, pasó por los mismos hitos que el vecindario que nos atañe (construcción de casas por las noches para evitar el desalojo de la policía; lucha por los servicios básicos, población emigrante, etc.). De hecho, en la cinta de Guerín también se habla de reclamar una línea de autobús, como sucedía en Torre Baró.

En Historias del buen valle, a los personajes que salen esporádicamente hablando de sus vivencias, los vamos conociendo poco a poco, hasta completar un conjunto de personas (andaluces, gitanos, rusos, hindúes, portugueses, subsaharianos, marroquíes, etc.) que se comportan como una gran familia. Los vemos bañarse juntos en el río —desafiando la ley, pues está prohibido—, observamos cómo bailan y cantan, cómo se reúnen en tertulias o cómo reclaman sus derechos en juntas vecinales. Todo mientras Guerín es testigo de los que sucede con una cámara por momentos poética, cuando los mayores enseñan a los más pequeños cómo se comporta la naturaleza; pero también con espíritu de denuncia, cuando los adolescentes se quejan de un caso de bullying, o hablan de un suicidio.

Nada escapa al objetivo del director, que ofrece lo que sucede en Vallbona con un cuidado montaje en el que se ve en el fondo del plano lo que acaba de filmar mientras otros personajes hablan en primer término. Dando a todo el conjunto una continuidad que parece espontánea y no premeditada o ensayada, como seguramente esté. 

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A MAGNIFICENT LIFE (Marcel et Monsieur Pagnol de Sylvain Chomet, 2025)

De vuelta a la Sección Oficial del XXII Festival de Cine Europeo de Sevilla, y posiblemente impelidos por la fortuna del año pasado de ver Flow, cinta de dibujos premiada por partida doble en el festival y posteriormente ganadora del Óscar, ayer asistimos a la proyección de A Magnificent Life, la nueva película de animación del director francés Sylvain Chomet.

Celebrando el 130 aniversario del nacimiento de Marcel Pagnol, uno de los más grandes escritores galos de todos los tiempos, la película es un biopic del dramaturgo, novelista y cineasta, que comienza con Pagnol ya retirado al que una revista le invita a escribir sobre su vida y obra. Ayudado por su otro yo del pasado, el niño Marcel, el escritor recorre lo momentos más importantes de su vida.

Esa persecución del pequeño Marcel por su vida de adulto es quizás lo más original de una película que no supera —se queda lejos— a lo mejor de la filmografía anterior de Chomet, sobre todo a su obra maestra El ilusionista (L’illusionniste, 2010), a la que recuerda con un guiño al protagonista (Tatí), que aparece en un momento dado en el filme que nos atañe, como si fuera una suerte de cameo.

Porque A Magnificent Life tiene un elemento costumbrista importante que a los que no somos franceses nos impide apreciar algunos diálogos, sobre todo aquellos que diferencian el acento parisino del marsellés, o algunos de los chistes de personajes carismáticos como Raimu o Fernandel.

Además, los dibujos que describen a las personalidades del teatro y del cine con los que trató Pagnol (Raimu, Fernandel, Josette Day, Alexander Korda, etc.), y al propio protagonista, no son de nuestro agrado cuando parecen caricaturas de su rostro andantes, como si fueran cabezudos de una fiesta popular.

Preferimos la segunda mitad del largometraje cuando Pagnol descubre el cine mudo, y después el sonoro. A partir de aquí se intercalan entre los dibujos animados fotogramas reales de las películas escritas y/o dirigidas por Pagnol. Porque quizás lo que más nos guste de esta película sea que nos hace recordar lo excelente guionista que era Marcel Pagnol, y lo buenas que son sus películas, en especial la trilogía formada por Marius, Fanny y César. 

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LATE SHIFT - TURNO DE NOCHE (Heldin de Petra Biondina Volpe, 2025)

Sin abandonar la Sección Oficial, aquí en el XXII Festival de Cine Europeo de Sevilla, asistimos a la proyección de Late Shift (traducido literalmente como “Turno de Noche”) de la directora Petra Biondina Volpe, una película suiza que es la elegida por este país para competir en los Óscar a la mejor producción extranjera.

La cinta transcurre durante el turno de noche en un hospital suizo desde el punto de vista de una enfermera, Floria (Leonie Benesch), en un día en el que han faltado sanitarias y sólo hay dos para asistir a toda una planta. El trabajo de Floria es el centro de atención. A pesar de los inconvenientes y el estrés, la protagonista pone siempre su mejor cara y atiende con delicadeza a los pacientes, hasta que se produce un error…

El filme desde el aspecto técnico es un tour de force cuando la mayoría de las tomas son planos secuencia que acompañan a Floria en su rápido caminar por los pasillos del hospital, entrando y saliendo de las habitaciones como si se tratase de un vodevil, que no lo es, en absoluto, cuando no hay ni una pizca de humor en el largometraje. No hay tiempo para eso ni para nada que no sea la continua atención a los pacientes.

Y los hay de todos los colores: los que se quejan de todo, amargados por el grave diagnóstico de su enfermedad —la mayoría con cáncer—; los que prácticamente están agonizando; los que se creen que están en un hotel cuando son pacientes privados que gastan un buen dinero para ser atendidos; pero también los hay que llevan bien su situación, a veces terminal, con resignación y buenos modos.

Y por todos ellos tiene que pasar Floria en lo que parece una carrera contrarreloj para poder atender a los pacientes a tiempo, con efectividad y ternura. El espectador que sigue a Floria se contagia del ritmo de la película y sólo descansa en una excelente secuencia cuando Floria también lo hace mientras intenta calmar a una enferma cantando una canción.

El mérito del filme es de la directora —el final es maravilloso—, que critica la falta de personal y los recortes en sanidad; pero también tiene mucho que ver en el excelente resultado el trabajo de la actriz protagonista, que, increíblemente, no es una enfermera, aunque lo parezca dada la soltura con la que se maneja entre medicamentos, reanimación, medición de constantes vitales, vías intravenosas, goteros y demás actividades.

Leonie Benesch (la vimos hace un par de años en el festival cuando también llevó todo el peso de la película en Sala de profesores) es la que interpreta a Floria. Creemos que estará seguramente en la mente del jurado como una de las aspirantes a llevarse el premio a mejor actriz del certamen. Al parecer, la actriz tuvo que hacer unas prácticas en un hospital suizo para observar a las enfermeras del servicio de cirugía abdominal y ensayar los gestos técnicos (¡a toda velocidad!) con el fin de parecer una enfermera profesional. Lo consiguió.

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DJ AHMET (Georgi M. Unkovski, 2025)

Seguimos en la Sección Oficial del Festival de cine europeo sevillano, donde van saliendo cada vez películas mejores. En esta ocasión se trata de un largometraje macedonio, DJ Ahmet, la ópera prima del director Georgi M. Unkovski, que ganó de forma sorprendente dos premios importantes en el Festival de Sundance.

La trama se desarrolla en un pueblecito en Macedonia del Norte, una pequeña comunidad donde Ahmet (Arif Jakup), un adolescente de quince años, vive con su padre, conservador, autoritario, y con su hermano pequeño Naim, que no habla desde que murió la madre. Ahmet siente debilidad por la música, pero su progenitor sólo quiere que se ocupe de las ovejas. La vida de Ahmet da un vuelco cuando conoce a Aya (Dora Akan Zlatanova), una vecina de su edad, de una clase social más alta, amante también de la música y el baile, pero próxima a casarse con un hombre desconocido en un matrimonio concertado.

La historia tiene mucho de comedia romántica, de musical y sobre todo de humor, mucho humor. No obstante, el guion posee un trasfondo dramático —a punto de convertirse en tragedia—, cuando la tradición, la religión y las costumbres arcaicas no dejan que Aya y Ahmet se relacionen como debieran.

La organización del Festival califica al filme dentro del género coming of age, lo cual es un acierto por cómo evoluciona la vida de Ahmet: Todavía sobreponiéndose a la muerte de su madre, intentando que su hermano pequeño hable, descubriendo el amor por Aya, y aficionándose a la música. Es decir, en plena transformación de su personalidad de niño a persona adulta.

La cinta tiene, por tanto, mucho atractivo. El espectador no para de sonreír —a veces reír a carcajadas—, por las ocurrencias de los diferentes personajes, pero también es una delicia para la vista, gracias al paisaje donde se encuadra esta aldea remota, y al buen hacer del realizador macedonio, que dilata el tiempo cuando la situación lo requiere (la primera vez que se ven Ahmet y Aya; el baile de la joven y sus amigas en el festival de música, etc.), o lo acelera según convenga a la acción, mientras suena la excelente banda sonora.

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WE BELIEVE YOU (On vous croit de Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys, 2025)

Ayer nos dimos un paseo por la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla para ver We Believe You. La película belga dirigida, al alimón, entre Charlotte Devillers y Arnaud Dufeys —a la sazón, la primera incursión en el largometraje para los dos cinesastas—, acude a la capital andaluza con un premio en la Berlinale bajo el brazo.

La cinta trata de las dificultades judiciales de Alice para quedarse la custodia de sus hijos después de que, supuestamente, el más pequeño haya sufrido abusos sexuales por parte del padre. Narrada en el interior de los juzgados, el filme se limita a la audiencia para dirimir si el progenitor tiene derecho a custodia compartida, o incluso completa, ante los problemas de salud de Alice y los del pequeño, que sufre incontinencia.  

We Believe You es, sin duda, una película dura, realista, que antepone el diálogo de los personajes, y sus reacciones, a cualquier otro elemento cinematográfico. En especial, destaca el testimonio de Alice, interpretada por Myriem Akheddiou (la vimos en el festival hace unos años formando parte del reparto de El joven Ahmed de los hermanos Dardenne). La actriz es el objetivo predilecto de la cámara, que casi no la suelta en lo que dura el metraje.

No sólo en el momento de su declaración, sino también los gestos de la protagonista, que observa el espectador mientras se oyen en off al resto de personajes (su marido, los abogados de unos y otros, la jueza), en un sobresaliente ejercicio continuo de actuación que bien podría llevarle a conseguir el premio del certamen a mejor actriz. Y más si tenemos en cuenta que la secuencia de la audiencia dura casi una hora y se produce en tiempo real.

La performance de Myriem Akheddiou, es tan potente que deja pocas cosas más en el tintero. Quizás conviene señalar un detalle al terminar el juicio, donde el objetivo se detiene para subrayar la soledad de la que tiene que decidir; o el final, que nos recuerda a la excelente miniserie española Querer (Alauda Ruiz de Azúa, 2024), que también versa acerca de los presuntos maltratos sexuales en el seno de un matrimonio, y que se estructura de forma parecida a la película que nos atañe, con, ya digo, un desenlace casi calcado.

La película de Devillers y Dufeys, después del reducido metraje —se agradece—, nos ofrece unos datos demoledores donde sólo el dos por cien de los menores que denuncian, que ya son pocos, obtienen finalmente justicia.

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