PALMARÉS DEL FESTIVAL DE CINE EUROPEO DE SEVILLA 2015

Aún conmocionados por los sucesos ocurridos en París el pasado viernes 13 de noviembre, pasamos a comunicar el fallo del jurado del duodécimo certamen cinematográfico aquí, en la capital andaluza:

PALMARÉS SEVILLA FESTIVAL DE CINE EUROPEO 2015

El Jurado Internacional de la Sección Oficial del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015, compuesto por TIZZA COVI, INGRID GARCÍA JONSSON, ADRIAN MARTIN, SANTIAGO MITRE y LOIS PATIÑO, ha decidido otorgar los siguientes premios:

GIRALDILLO DE ORO

Película: LA ACADEMIA DE LAS MUSAS (España, 2015)

Dirigida por: José Luis Guerín

GIRALDILLO DE PLATA

Película: LAS MIL Y UNA NOCHES / ARABIAN NIGHTS (Portugal, Francia, Alemania, Suiza, 2015)

Dirigida por: Miguel Gomes

Premio ESPECIAL DEL JURADO

Película: RABIN, THE LAST DAY (Israel, 2015)

Director: Amos Gitai

Premio a la Mejor DIRECCIÓN

Película: THE OTHER SIDE (Francia, Italia, EEUU, 2015)

Director: Roberto Minervini

Premio al Mejor GUIÓN

Película: ONE FLOOR BELOW(Rumanía, Francia, Alemania, Suecia, 2015)

Escrita por: Alexandru Baciu

Premio a la Mejor ACTRIZ 

Película: IN THE SHADOW OF WOMEN (Francia, 2015)

Actriz: Clotilde Courau

Premio al Mejor ACTOR

Película: ONE FLOOR BELOW(Rumanía, Francia, Alemania, Suecia, 2015)

Actor: Teo Corban

Premio a la Mejor DIRECCIÓN DE FOTOGRAFÍA

Película: THE OTHER SIDE (Francia, Italia, EEUU, 2015)

Director de Fotografía: Diego Romero

El Jurado Camp_US de la Universidad de Sevilla de la Sección LAS NUEVAS OLAS del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015, compuesto por JUAN CARLOS DE LA FUENTE BONILLA, CARLOS FERNÁNDEZ RODRÍGUEZ, DAVID PERALTA MOYA, JULIA ROSADO ORTEGA Y BLANCA VÁZQUEZ BOGEAT, ha decidido otorgar los siguientes premios:

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN LAS NUEVAS OLAS

Película: POZOAMARGO (México, España, 2015)

Dirigida por: Enrique Rivero

PREMIO ESPECIAL NUEVAS OLAS 

Película: BERSERKER(España, 2015)

Dirigida por: Pablo Hernando

MENCIÓN DE HONOR 

Película: DEAD SLOW AHEAD (España, Francia, 2015)

Director: Mauro Herce

El Jurado de la Sección LAS NUEVAS OLAS NO FICCIÓN del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015, compuesto por CINTIA GIL, FERNANDO VÍLCHEZ y RAYMOND WALRAVENS, ha decidido otorgar el siguiente premio:

PREMIO NUEVAS OLAS NO FICCIÓN

Película: THE EVENT (Holanda, Bélgica, 2015)

Dirigida por: Sergei Loznitsa

MENCIÓN MUY ESPECIAL

Película: NO HOME MOVIE (Bélgica, Francia, 2015)

Dirigida por: Chantal Akerman

El Jurado FIPRESCI (Federación Internacional de la Prensa Cinematográfica) del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015, compuesto por BRUNO HACHERO HERNÁNDEZ, SANJIN PEJKOVIC y HOLGER RÖMERS, ha decidido otorgar el siguiente premio:

PREMIO A LA MEJOR PELÍCULA DE LA COMPETICIÓN OFICIAL RESISTENCIAS

Película: TRANSEÚNTES (España, 2015)

Dirigida por: Luis Aller

El público infantil y juvenil de la sección EUROPA JUNIOR del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015 ha decidido otorgar mediante su voto el siguiente premio:

PREMIO GIRALDILLO JUNIOR 

Película: YOKO Y SUS AMIGOS (España, Rusia, 2015)

Dirigida por: Juanjo Elordi y Rishat Gilmetdinov

El público de la SELECCIÓN EFA del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015 ha decidido otorgar mediante su voto el siguiente premio:

GRAN PREMIO DEL PÚBLICO 

Película: MUSTANG (Francia, Alemania, Turquía, Qatar, 2015)

Dirigida por: Deniz Gamze Ergüven

El Jurado EURIMAGES del Festival de Cine Europeo de Sevilla 2015, compuesto por la distribuidora internacional OLIMPIA PONT y la realizadora y programadora ELENA LÓPEZ, ha decidido otorgar el siguiente premio:

PREMIO EURIMAGES A LA MEJOR COPRODUCCIÓN EUROPEA

Película: LANGOSTA / THE LOBSTER (Grecia, Reino Unido, Irlanda, Holanda, Francia, 2015)

Dirigida por: Yorgos Lanthimos

El Jurado ASECAN (Asociación de Escritores Cinematográficos de Andalucía) compuesto por JOSÉ F. ORTUÑO, MARTA JIMÉNEZ ZAFRA y MILA FERNÁNDEZ LINARES, ha decidido otorgar los siguientes premios: 

PREMIO SGAE AL MEJOR CORTOMETRAJE PANORAMA ANDALUZ 

Película: SHOW ME NOW (España, 2015)

Dirigida por: Manuel Jiménez Núñez

PREMIO ESPECIAL SGAE A LA CATEGORÍA ARTÍSTICA DE DIRECCIÓN 

Película: EL JUEGO DEL ESCONDITE (España, 2015)

Director: David Muñoz

MENCIÓN ESPECIAL

Película: BLA BLA BLA (España, 2015)

Dirigida por: Alexis Morante

PREMIO ASECAN A LA MEJOR PELÍCULA DE LA SECCIÓN OFICIAL

Película: LAS MIL Y UNA NOCHES / ARABIAN NIGHTS (Portugal, Francia, Alemania, Suiza, 2015)

Dirigida por: Miguel Gomes

II PREMIO OCAÑA A LA LIBERTAD 

Película: EISENSTEIN IN GUANAJUATO (Holanda, México, Finlandia, Bélgica, Francia, 2015)

Dirigida por: Peter Greenaway

PREMIO MARVIN & WAYNE 

Película: LA INMENSA NIEVE (España, 2015)

Dirigida por: Carlos Rivero

Con la gala de clausura anulada en solidaridad con las víctimas del ataque terrorista, ha finalizado tristemente el festival. Un sabor amargo que, sin embargo, intentamos superar para centrarnos en los premios, y para comentar la siempre difícil decisión del jurado:

José Luis Guerín y algunos de los actores de "La Academia de las Musas"

En primer lugar, hay que decir que hemos tenido la suerte de haber visto muchas de las cintas galardonadas por el jurado internacional, no obstante, con respecto al Giraldillo de Oro, la película española del buen director José Luis Guerín (aún nos acordamos de esa maravilla del cine documental que era En Construcción), no tenemos nada que reseñar puesto que no fue de las elegidas para visionar, seguramente debido a la convicción de que La academia de las musas se estrenará con normalidad en todas las salas de cine españolas. 

Aunque se nos antoja acertado premiar con el Giraldillo de Plata el gran fresco de Miguel Gomes sobre la realidad social de su país, esa original mezcla de fantasía y documental que es Las mil y una noches (El inquieto, El desolado y El embelesado), sin embargo nos pareció una propuesta algo desigual, con momentos brillantes y con otros tediosos; dicho esto siempre con la reserva de que nos faltó por ver la primera entrega de la trilogía.

Del resto de premios, hay que destacar los de mejor realización y mejor dirección de fotografía que se llevaron los autores de The Other Side. Una cinta dura, un documental dirigidio con valentía por Roberto Minervini al que le pudimos escuchar junto a su operador antes y después de la proyección de la película, tal como relatamos en la crónica correspondiente. Y el de mejor guión y mejor actor protagonista a One Floor Below, otro retrato realista tan de moda hoy en día en el cine del viejo continente. Películas altamente recomendables, por supuesto, pero no comerciales, por lo que mucho nos tememos que tendrán dificultades para la distribución.

Algo que no pasará con Mustang (premio del público con todo merecimiento) y, sobre todo, con Langosta, que si bien se ha llevado el galardón de EURIMAGES que premia a la mejor producción europea financiada con dicho fondo, creemos que es muy poco bagaje para una de las mejores películas que han pasado por el festival, y seguramente una de las mejores del año a nivel mundial.

Para finalizar, sólo decir que echamos en falta alguna recompensa para los muy buenos filmes: Mia Madre y Madame Marguerite, dos largometrajes que seguro darán que hablar en los próximos meses; igual que dará que hablar el siguiente festival de cine europeo en el que esperamos estar de nuevo para comentar todo lo que sea de interés.

Un abrazo a todos los lectores del blog y hasta la próxima.

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THE HERE AFTER (Magnus von Horn, 2015); LAS MIL Y UNA NOCHES: EL EMBELESADO (O encantado de Miguel Gomes, 2015); LANGOSTA (The Lobster de Yorgos Lanthimos, 2015)

Con el palmarés del festival tras los talones, escribimos nuestra última crónica antes de conocer la decisión del jurado, y hacemos una apuesta algo arriesgada porque no hemos podido ver todas las películas, aunque sí las tres siguientes:

THE HERE AFTER

Compitiendo por el premio del público viene esta cinta del norte de Europa, dirigida por el realizador sueco Magnus von Horn. La organización del festival la compara con The Hunt (Thomas Vinteberg, 2012), por aquello de haberse financiado con la misma productora, y por tratarse de una caza en toda regla, en este caso contra un joven que acaba de salir del reformatorio tras cumplir condena por asesinato. 

A nosotros, sin embargo, nos parece más en la línea de El Hijo (Le Fils de Luc y Jean-Pierre Dardenne, 2002) con una trama muy similar (incluso hay escenas calcadas como la del comienzo dentro del automóvil), donde la reinserción de alguien que ha cometido un error a tan temprana edad parece tarea imposible, aunque siempre queda margen para la esperanza.

No obstante, The here after tiene sus propias características que la hacen diferente a cualquier otra. Desde luego, el frío acento del país nórdico, patente en la puesta en escena y en la violencia explícita, es una de ellas; y la presencia de la muerte que planea a lo largo de todo el metraje configurando un halo de pesimismo, es otra. Y no sólo por lo que se refiere a la trama, sino por el miedo latente que familia y compañeros tienen hacia el recién llegado, por todo lo que rodea a la enfermedad de la mascota, por la subtrama que concierne al abuelo demente, y por lo morboso de la relación entre el joven protagonista y su nueva, y a la sazón, única amiga.

LAS MIL Y UNA NOCHES: EL EMBELESADO.

Como no se puede estar a todo, nos hemos decidido por ver la tercera entrega de la trilogía que Miguel Gomes ha realizado en torno al cuento de Sherezade. De la célebre historia, el director luso sólo ha tomado la estructura y poco más para producir un enorme fresco donde la realidad social de su país se mezcla con la fantasía de su ferviente imaginación.

Habrá que ver el resto de la trilogía para darse una idea más completa, pero esta tercera película nos ha parecido de nuevo irregular debido a algo que ya le sucedió al director cuando nos presentó aquella cinta tan atractiva que fue Tabú (2012) Como le ocurrió entonces, la parte de fantasía supera con creces a la parte semi documental: la mezcla ingeniosa de fábulas como las del ladrón, el procreador guapo, pero tonto, y el genio del viento, son de un frescor que, como dice el título, embelesa. El anacronismo intencionado es un recurso humorístico bien llevado por el realizador; igual que la música y los bellos encuadres de la costa invitan a la contemplación de imágenes muy bien filmadas.

Sin embargo, el intento de enlazar estos cuentos al más puro estilo Pasolini con el documento acerca de los pájaros pinzones, creemos que no está a la altura. Primero porque se alarga muchísimo en el tiempo, y segundo porque la crítica política —el verdadero propósito de la cinta, al menos en esta parte— se consigue sólo a medias cuando Gomes va presentando a los personajes aficionados a la cría de pájaros: la mayoría se encuentra en paro y viven en precario en las casas sociales que el gobierno ha construido para sustituir a las chabolas de la periferia de Lisboa. Una manifestación de las fuerza de seguridad y comentarios del autor al inicio de la cinta parecen insertos para dotar de suficientes elementos de denuncia a una cinta que, o no los necesita, o no se han utilizado bien.

Añadimos unas letras acerca de la segunda parte de la trilogía, que acabamos de ver: Las mil y una noches: El desolado. Bastante mejor que la tercera, comentada más arriba. Se echa en falta algo de la fantasía del Embelesado, de su rodaje a lo Pier Paolo Pasilini, pero sin embargo la mezcla de documental y ficción está mucho más conseguida. La crítica social y política es rotunda y adecuada. Destacamos los relatos de la juez y los cortos de la torre de apartamentos. Ya sólo nos queda ver la primera entrega.

LANGOSTA

Nuestra apuesta para ganar el Giraldillo de Oro y algún premio más. Sobre todo por la originalidad de la trama, algo que ya es sinónimo del nombre del director: Yorgos Lanthimos.

Creemos que el cineasta griego se ha superado en esta ocasión con un filme que navega entre la comedia, la ciencia-ficción y el drama. Lanthimos se imagina un mundo estructurado en torno a la relación de pareja. Por un lado, digamos viviendo de forma normal, se encuentran los casados; por otro, escondidos y perseguidos por la ley, están los solteros, los que quieren vivir sin la responsabilidad de formar una familia. Entre medias, sobreviven los que no tienen una relación, pero la buscan desesperadamente. Para estos últimos, el gobierno ha ideado un hotel que los acoge con la intención de que encuentren a su media naranja. El problema es que si no lo consiguen en cuarenta días, tendrán que ser reconvertidos en otra especie animal.

Una trama tan absurda como divertida. No sabemos si la intención de Lanthimos era rodar una comedia —funciona muy bien como tal—, creemos que sí, aunque la seria actuación de todo el elenco, encabezada por un Colin Farrell con barriga cervecera de funcionario que quiere terminar sus días reconvertido en una langosta, nos hace dudar de si no estamos ante un drama fantástico.  

El estilo de Lanthimos mejora por momentos. En esta nueva propuesta se nos antoja que camina entre el Woody Allen de El Dormilón (Sleeper, 1973) y los sketchs humorísticos de Roy Andersson. En cualquier caso, es un estilo único muy atractivo donde el protagonista (Farrell) deambula perdido en esta extraña civilización, intenta encajar en cualquier de los tres estamentos, sin lograrlo del todo. Es decir, como cualquiera de nosotros.

Nos acabamos de enterar del resultado del palmarés (mañana lo colgaremos aquí): no hemos ganado la apuesta, aunque casi: Langosta, se ha llevado el premio EURIMAGES de las cintas coproducidas por ese fondo europeo. La ganadora del Giraldillo de Oro es una película española que no hemos visto: La academia de las musas (José Luis Guerín, 2015). ¡Ah!, Roberto Minervini (The Other Side) se ha llevado el de mejor dirección, ¡con todo merecimiento! Ampliaremos la noticia.

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THE OTHER SIDE (Roberto Minervini, 2015)

Soy de la opinión que, en general, hay que acudir al cine con las menos referencias posibles a la hora de ver una película nueva. Nada de leer reseñas o críticas, ni siquiera saber de qué va el filme. No obstante, la excepción que confirma la regla (seguro que hay más) es la nueva película del italiano afincado en USA, Roberto Minervini.

El realizador tuvo la deferencia de venir a la sala a hacer una breve introducción, y a someterse al final de la proyección a todas las preguntas que le quiso hacer el público. En este caso, como digo, es bueno saber de antemano que la cinta es un documental con muy poco de ficción. Sólo algunas escenas de transición y otras alegóricas han sido preparadas, el resto es un rodaje libre, cámara en mano, de lo que sucede en las dos historias que propone Minervini.

El director vive allí, con esa gente, y sólo ha querido plasmar en pantalla a lo que se enfrentan Marc, Lisa y el resto de personajes, que insisto, son reales, ninguno es actor y de ahí que las secuencias más crudas impacten tanto. En opinión del realizador, es imposible simular ciertas escenas: o se ruedan tal como suceden o se nota el artificio. Vimos algo parecido hace un par de años aquí, en el Festival de Cine Europeo, cuando Danis Tanovic dirigió a personas reales interpretándose a si mismo en La mujer del chatarrero. Se trataba de una historia que se quería reproducir con los mismos personajes que la vivieron.

Minervini va mucho más lejos que Tanovic en su propuesta realista: todo lo que ocurre en la gran pantalla está sucediendo sobre la marcha, como la vida misma. La película es dura, muy dura, y más sabiendo que todo es real. Drogas, alcohol, grupos paramilitares, marginados todos ellos, son los protagonistas de este documento extraordinario, pero no apto para todos los públicos. El mismo Minervini nos confesó que a veces se tuvo que ausentar del rodaje porque no podía aguantar (dejo al cámara y a los técnicos solos rodando lo que pudieran).

Lo único que une a las dos historias, en lo que coinciden el grupo de enganchados a la metanfetamina y la banda paramilitar organizada de ultraderecha, es que todos ellos odian a la Administración Obama. Le echan la culpa de lo que ocurre a su alrededor y ambos grupos desean acabar con el sistema.

Otro aspecto que puede relacionar ambas tramas, es el de la protección. Mientras los radicales aseguran que todo lo que hacen es para proteger a sus familias, los drogadictos se cuidan entre ellos, aunque siempre planea la duda de si lo hacen para conseguir más droga.

Sólo un apunte final para el espectador que quiera ver el largometraje: el título, The Other Side, no se refiere a lo diferente de las dos historias, sino al significado de la frase, algo que nos aclaró Minervini: es un slang norteamericano que tiene un sentido violento cuando se pronuncia ya que se trata de excluir a alguien por no ser o pensar como tú. “Eres un other side, no te queremos”, sería la frase completa.

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ONE FLOOR BELOW (Un etaj mai jos de Radu Muntean, 2015)

¿Hasta que punto considera que lo que ocurre en el bloque de apartamentos donde vive le concierne? ¿Debe intervenir o lo más prudente es dejar que cada uno resuelva sus problemas, mientras éstos no le afecten directamente a usted o a su familia? Esas y otras preguntas son las que el director rumano, Radu Muntean, quiere responder con su interesante cinta que compite para hacerse con el Giraldillo de Oro, aquí en el Festival de Cine Europeo de Sevilla.

Patrascu es un padre de familia, casado con la socia del negocio de matriculación de vehículos que ambos regentan. Un día, al regresar de su paseo diario, oye ruidos en el primer piso. Una pareja discute acaloradamente. Cuando pasa por delante de la puerta del apartamento, ve salir al responsable de los gritos: es Vami, su vecino de abajo. Unos días más tarde, la policía invade el bloque: la mujer que vivía en el piso de la pelea ha sido hallada muerta con la cabeza destrozada. En el interrogatorio pertinente, Patrascu opta por no decir nada y seguir con su vida. Sin embargo, no podrá evitar tropezarse con Vami, ni que éste se relacione con su familia.

En la línea realista del cine europeo de los últimos años (nos acordamos de los hermanos Dardenne, por ejemplo), Muntean rueda una cinta personal donde su cámara observa la tranquila vida de una familia de clase media; donde las imágenes y los diálogos no cuadran con el interior de los personajes que suponemos se encuentran en ebullición después de haberse cometido el crimen. El efecto de esta paradoja sobre el espectador es de lo más interesante: casi se puede oír lo que piensan los protagonistas, que se encuentran al borde del estallido. La tensión tiene que salir por algún lado, pero no sabemos cuándo ni cómo. Es la dosis de suspense de una película donde la puesta en escena es meramente auxiliar. Todo lo que ocurre forma parte del decorado, como una capa externa desdramatizada, mientras lo verdaderamente importante sucede en algún lugar del cerebro de Patrascu.

Con una ligera referencia a películas como Teorema (Pier Paolo Pasolini, 196) y a otros filmes del estilo, donde un extraño se introduce progresivamente en la vida de una familia, avanza el largometraje con tiento, pero de forma lineal hasta poner al protagonista en una situación límite. La intención de Vami no está clara. Tampoco se sabe si es el asesino o no. Da la impresión de que ya que comparte con Patrascu un terrible secreto, también quiere compartir todo lo demás.

En resumen, atractivo thriller realista que, salvo algunas secuencias más flojas, mantiene al espectador atento a la más mínima señal que haga saltar todo por los aires.

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MADAME MARGUERITE (Marguerite de Xavier Giannoli, 2015)

Con la Sección Oficial a cuestas, ayer asistimos a la proyección de una de las cintas más esperadas del festival: una coproducción francesa, belga y checa que se viste de tragicomedia, del género que parece renacer en Europa después de que los italianos lo inventasen allá por los años cincuenta.Y es que más que francesa, la película de Xavier Giannoli parece transalpina (igual que el apellido del director galo), por la puesta en escena, por las interpretaciónes de todo el reparto y, sobre todo, por la trama:

La baronesa Marguerite (Catherine Frot) es aficionada a la ópera y suelde dar recitales benéficos en su mansión a las afueras de París. Lo que ella no sabe, pero lo sufren los demás, es que canta horriblemente mal. Desafina continuamente y no se da cuenta de que la audiencia la alaba por interés. Algunos, los incondicionales, no están por la labor de decirle la verdad para no causarle daño. Entre ellos se encuentran su infiel marido y dos recientes admiradores: Hazel, la joven voz femenina que triunfa en el circuito operístico gracias a la oportunidad que Marguerite le concedió; y Lucien Beaumont, un crítico musical que no sabe si reírse de la baronesa o encumbrarla como adalid de la vanguardia anarquista.

Dicha pareja será el contrapunto romántico a la trama principal: la joven sí canta bien, el crítico sí la quiere, todo es tan bonito y romántico que pasa desapercibido en comparación con el drama que se vive a espaldas de la baronesa. Drama o tragedia, porque la comedia está casi descartada gracias a habilidad del director en lograr que, sistemáticamente, se nos congele la sonrisa.

El último —o el primer— fan de Marguerite es Madelbos, su mayordomo. La adora, le sigue la corriente como si fuera una diva, y colecciona sus fotografías como si de estampitas de santos se tratase. Un personaje que recuerda mucho al que diera vida Erich Von Stroheim en la muy similar El crepúsculo de los dioses (Sunset Boulevard, Billy Wilder, 1950).

Igual que en el filme de Wilder, la ambientación de Madame Marguerite es una loa a todo lo kitsch, un monumento a la decadencia, si bien, aquí se encuentra más justificado por desarrollarse la trama —basada en hechos reales— en los locos años veinte del art déco y la extravagancia.

Entre las dos películas, protagonizadas por una señora ya entrada en años que se cree una estrella, la principal diferencia estriba en que el papel interpretado por Gloria Swanson era el de una mujer que podía presumir de gran actriz del cine mudo, mientras que el personaje de Marguerite es aún más patético pues nunca ha destacado en nada, simplemente ha soñado que antaño fue la mejor soprano de la historia. En cualquier caso, en ambos filmes la locura y el delirio presiden el argumento que, inevitablemente, se precipita hacia el mismo final.

Mientras tanto, como es de esperar, el largometraje destaca por la música. La banda sonora y la selección de obras maestras es una maravilla. Arias de Lakmé, Norma o La flauta mágica, harán las delicias de los aficionados a la ópera; siempre, claro está, que Marguerite no cante.

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THE CHILDHOOD OF A LEADER (Brady Corbet, 2015)

Desigual, aunque interesante, resultó nuestra visita de ayer por la Sección Oficial. La película elegida, una coproducción británica, húngara y francesa, era el debut en la dirección del actor americano Brady Corbet que sorprendió por el original guión, si bien no llegó a redondear una historia que prometía:

Al final de la Primera Guerra Mundial, la familia de un diplomático americano, destinado en el gabinete del presidente Wilson, se traslada a Francia para intervenir en las negociaciones sobre el futuro de Europa. Mientras el padre (Liam Cunningham) asiste a las diferentes reuniones, en la gran mansión viven su mujer (Berenice Bejo), y su hijo pequeño, Prescott. Al niño le da clases de francés Ada, una bella institutriz, y lo mima especialmente Mona, la criada. Una noche, tras el ensayo de la obra de teatro infantil para el día de Navidad, Prescott se esconde entre la maleza y ataca con piedras a las personas que salen de misa. Los padres lo reprenden y lo obligan a disculparse ante el párroco y los feligreses. Es el comienzo de una serie de incidentes que anuncian un cambio radical en la actitud del niño.

Planteada como una gran —y evidente— metáfora, la cinta narra de forma velada la caída del ejercito alemán, y la preparación de un acuerdo de paz que dejará a los derrotados sumidos en una crisis económica. Ahora sabemos las consecuencias que tuvo el Tratado de Versalles, que no fueron otras que provocar el nacimiento del partido nazi y el regreso a un conflicto mundial mucho más sangriento. Mientras en el exterior estalla la paz, en el seno de la familia burguesa también se está creando un monstruo. Prescott ya tiene de por sí un carácter extraño y unos prontos inexplicables, pero la actitud de sus padres no mejoran la situación, al contrario no hacen más que empeorarla. Infidelidades, incomprensión y alejamiento progresivo en su educación son otro caldo de cultivo para el nacimiento de un dictador, tal como anuncia el título de la película.

Estructurado como una ópera, con obertura, tres actos y un epílogo, el filme de Corbet es oscuro en su trama y en la puesta en escena. Es un thriller donde falta la luz hasta en las tomas de exteriores, cuando todos y cada uno de los personajes visten de negro; es un melodrama donde los adulterios se insinúan; y, en fin, es una historia de ciencia-ficción donde la música anuncia el apocalipsis de un universo altertativo. Demasiado estridente el resultado cuando ya la trama lo es sin necesario de subrayarlo tan insistentemente. 

La falta de sutileza del argumento de una película que quiere ser alegórica es su principal fallo, pero no el único: el aburrimiento planea por el largometraje en demasiadas secuencias con poco gancho, en una cinta que es verdad que no pertenece al género de terror, pero digamos que aspira a ello. Al menos eso se infiere del tono del filme y del trabajo de todo el reparto: desde la sentida interpretación de Berenice Bejo (muy lejos de su papel en The Artist) hasta la grave del marido (rostro conocido gracias a la serie de moda, Juego de Tronos), pasando por la meramente presencial, aunque importante en la trama, de Robert Pattinson (saga Crepúsculo), sin olvidarnos, por supuesto, de la excelente actuación del niño.

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MUSTANG (Deniz Gamze Ergüven, 2015); AFTERTHOUGHT (Hayored Lema'ala de Elad Keidan, 2015)

Nos resistimos a abandonar la European Film Academy y ayer pudimos ver dos películas más de dicha sección (EFA), una israelí y otra turca, ambas en esa parte del mundo en permanente conflicto, en crisis política y social que, por supuesto, tiene su repercusión en la cultura; concretamente en el cine:

MUSTANG

El largometraje de la realizadora turca Deniz Gamze Ergüven se ha asociado por la organización del festival con otra directora, Sofia Coppola, y con su ópera prima Las vírgenes suicidas (The Virgin Suicides, 1999). Quizás el argumento la recuerde algo, por aquello de la educación rígida de unas adolescentes y sus trágicas consecuencias, pero no nos engañemos, la situación que viven las niñas en el mundo islámico, y sobre todo en aquellas ciudades cosmopolitas cercanas a occidente, en Turquía por ejemplo, es, lamentablemente, única.

Lo radical de una religión mal entendida que no evoluciona es la base de la denuncia de la cineasta. Además, el contraste entre dos culturas agrava el problema cuando las jóvenes protagonistas ven en sus amigos y amigas una vida completamente diferente a la suya: mucho más libre y tolerante, donde el amor inocente no deriva en escándalo sexual, y donde el drama de tener que casarse demasiado jóvenes con personas que no conocen de nada, sólo por conveniencia de sus mayores, es algo impensable.

La realizadora se vale para su crítica social de una música que acoge a las niñas con un manto trágico que anuncia el drama. Es una melodía tan adecuada como los escenarios elegidos: primero la playa abierta y el océano para las secuencias del arranque, cuando la libertad de las niñas es apenas una ilusión pasajera; y después, en contrapartida, el interior de la vivienda-cárcel, y un frondoso y descuidado jardín, cuando el encierro ya es un hecho.

La visión medieval musulmán de la educación femenina se denuncia con toda la firmeza posible en una cinta que compite este año por el prestigioso premio LUX de las cortes europeas. Igual que otros filmes de pasadas ediciones (de algunos ya dimos cuenta aquí: ShunLi and The Poet y Die Fremde) las instituciones comunitarias abogan por lo que se ha llamado acervo europeo, es decir, por una forma de vida que respeta la democracia y la libertad de las personas. Una de las iniciativas del parlamento es, precisamente, apoyar y premiar propuestas tan decididas y comprometidas como Mustang. Desde luego, mucho tendrán que cambiar países como Turquía que son aspirantes a pertenecer a la Union Europea, pero no son capaces de parar la sistemática violación de los más elementales derechos humanos.

AFTERTHOUGHT

El Monte Carmelo es la base donde se ha construido gran parte de la ciudad costera de Haifa. Sus barrios en capas, en altura, y los intrincados escalones que unen en interminables cuestas dichas calles, son el escenario de la buena película del cineasta judío, Elad Kaidan:

Uri y Moshen son dos vecinos de Haifa a los que les separa una generación, pero que tiene en común una frustrante vida laboral y una no menos complicada situación amorosa. Mientras el primero acaba de romper con su pareja, y quiere desertar del ejército para embarcarse en un mercante y dedicarse a escribir, el segundo comienza a salir de una depresión causada por su trabajo cuando sospecha que su mujer lo engaña. Uri baja el monte con dirección al puerto, a su libertad, al tiempo que Moshen lo sube para buscar el pendiente que acaba de perder su mujer. Ambos se cruzarán en el camino, se encontrarán en las largas escalinatas, como lo harán con otros personajes que irán definiendo poco a poco el carácter de los protagonistas.

Con la simbología de partida de la escalera, como si fuera el río de la vida -no sólo en el aspecto lineal sino también en las subidas y bajadas de ánimo-, el director israelí le da un repaso a la existencia humana amparándose en relaciones concretas entre personajes cuyas vidas se encuentran en permanente evolución. Lo hace sin dejar de lado la coyuntura de un país en guerra, y ofreciendo su visión particular de la ciudad que le vio nacer y de las personas que allí viven; la mayoría desencantadas.

Para ello, Kaidan gestiona, con buen criterio, todos y cada uno de los recursos audiovisuales disponibles. A destacar una música envolvente; una bella panorámica de la ciudad contrastada con planos detalles como el de un vaso de plástico que rueda sobre sí mismo en las escaleras mecánicas, como si fuera un zoótropo de museo; y unos bien construidos diálogos (“lo que sale de la boca nunca vuelve, como las palabras o los dientes”). Todo ayuda para remar en una u otra dirección. Para avanzar o retroceder, para subir o a bajar por la escalera de la vida.

Nos preocupa el pesimismo de la cinta, la no solución de un mundo que el director parece que quiere ver desde fuera. Da la impresión de que su punto de vista (el de los créditos, el uso continuo del teleobjetivo) es el de alguien que ha conseguido salir de allí, pero al que la nostalgia le pide echar un último vistazo. Una mirada que comparte con el público a través de su cámara. 

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